El origen de una de las más grandes confusiones
Algo que me encanta de esta época de año es que tengamos la fiesta más oscura y macabra y la fiesta más colorida y acogedora separadas solo por el intervalo de un mes.
Quizás algo así pensaba Tim Burton cuando, inspirado al ver como cambiaban los adornos en las tiendas, escribió un poema sobre como el Rey de Halloween casi arruina la Navidad al intentar apoderarse de ella.
Burton paso años negociando con Disney para que le financiara una película hecha con animación stop motion inspirada en ese poema, al que había bautizado Pesadilla antes de Navidad.
Disney al final aceptó financiar la película, pero Tim Burton no podía dirigirla. Unas versiones dicen que estaba comprometido a hacer la secuela de Batman, otras que era parte del acuerdo con Disney o simplemente Burton no quería dirigir un proyecto de animación en aquel momento.
El caso es que Burton tuvo que buscar a alguien que se sentara en la silla de director. Se decantó por un antiguo compañero suyo del Instituto de Artes de California, un tipo llamado Henry Selick.
Selick dirigió la película respetando las ideas de Burton, lo que se nota en la versión final. Luego, cuando el estreno estaba al caer, Burton se había vuelto un director muy popular, por lo que su nombre se usó en la publicidad para atraer más audiencia.
De ahí que la gente erróneamente crea que Tim Burton dirigió Pesadilla antes de Navidad, y de ahí que incluso los que saben la verdad aún la consideran su creación.
Una lástima por Selick, aunque tampoco le ha ido tan mal. Ha podido desarrollar su propio estilo en películas stop motion bastante bien recibidas como James y el melocotón gigante, Los mundos de Coraline y recientemente Wendell y Wild; así que nadie salió perdiendo en esta historia.
Homenaje al señor Gómez
Hace poco se celebró el centenario de Fernando Fernán Gómez, una de las más destacadas personalidades del cine español. Por esas razones, quería hablar un poco de él.
Nacido en 1921 Fernán Gómez destacó principalmente como actor, trabajo que ejerció desde los comienzos de su carrera allá por los 40 y 50 (lo que le vuelve uno de los pioneros del Cine Español) hasta su muerte. Su carrera incluye una gran variedad de papeles, desde un vampiro hasta Dios mismo, en una filmografía que abarca una gran cantidad de comedias y unos cuantos dramas.
Aunque si bien fue en lo que más destacó, la actuación no fue su único campo. También dirigió varias películas como El malvado Carabel, La vida por delante y La venganza de Don Mendo. Estas películas se caracterizaban por ser comedias de tono mordaz que jugaban con las convenciones de los géneros y el medio cinematográfico.
También he descubierto que ejerció de novelista y dramaturgo, pero no he tenido el placer de disfrutar de su trabajo en esos campos salvo una biografía que me hicieron leer mientras hacía prácticas en la Filmoteca Nacional.
Solo su muerte en el año 2007 evitó que siguiera trabajando. Aun así, años después, “volvió” a participar en una película, un documental de toque surrealista bastante bueno sobre su vida familiar llamado Viaje a ninguna parte, en la que la figura del actor se recreaba con clips de sus películas y con dobles.
Arquetipos de los dibujos
Soy un hombre que ve muchos dibujos animados, no tengo problema en admitirlo.
He visto tantos dibujos que he sido capaz de encontrar ciertos tipos de personajes que aparecen a menudo en este medio.
Dicho esto, voy a contaros los 8 arquetipos más comunes de los dibujos y sus características más habituales
El simplón
-Un tipo no muy brillante
-De naturaleza bonachona
-Roles habituales: amigo, padre o esbirro del villano
-Varía entre gordito o grandullón
-Habitual que tenga gran fuerza y gran amor por la comida
-Gustos similares a los de un niño pequeño
El gruñón
-Amargado por las circunstancias de su vida
-Habitualmente vecino o compañero de trabajo del protagonista
-Odia al protagonista salvo en casos donde es de su grupo de amigos
-Víctima más habitual de las situaciones humorísticas
-Hobbies sosegados como la lectura
-En el fondo tiene un gran corazón
El avaro
-Tipo obseso con obtener la mayor cantidad de dinero posible
-Normalmente el más viejo de los personajes
-Comúnmente el jefe del protagonista
-Moralmente ambiguo: habitualmente del lado de los héroes, pero puede coger un rol antagónico en algún episodio
-Por alguna razón normalmente es o fue un tipo duro
El presumido
-Egocéntrico que se cree que merece más elogios de los que tiene
-Es de los más probables en tener el rol de protagonista
-Suele pecar de inconsiderado con sus amigos
-Similar al gruñón, en el fondo tiene un gran corazón
-Normalmente un pringado para contrastar con la imagen que tiene de sí mismo
El villano clásico de dibujos
-Nunca niega que es malo
-Ve el mal como una afición o una carrera
-Personaje humorístico rara vez tomado en serio
-Planes y guaridas similares a los de un villano de una película clásica de James Bond
-Escaso éxito en sus planes
-Normalmente un científico o alguien que posee tecnología avanzada
-Generalmente es malo por carencias afectivas o acoso escolar
El rival
-Némesis del protagonista
-Capullo integral la mayoría de las veces
-Variante más habitual niño rico al que claramente han mimado
-O odia al protagonista, o el protagonista lo odia a él o se odian ambos
-Casi siempre tiene mejores cosas que el protagonista
La voz de la razón
-Sensato que intenta controlar las locuras del resto del reparto
-También es de los más probables en ser el protagonista
-Normalmente es el que salva el día o el que aporta la solución al problema
-Aunque le frustran a menudo, en el fondo quiere a los locos de sus amigos y/o familia
-Si es un miembro de la familia, normalmente es la hermana o la madre
El genio
-Científico, ingeniero o mago
-Su principal rol es crear aparatos que causan la trama del episodio o son relevantes en ella
-Varía entre despistado, excéntrico o egocéntrico
-Siempre de los buenos: su contraparte malvada tiende a ser el villano de ahí arriba
-No limitado por la edad: incluso si tiene 4 años aún puede crear una máquina del tiempo
Cagarla donde antes no cagaste
Balada triste de trompeta es una película del año 2010 a la que he concedido el título de la peor película de Alex de la Iglesia.
Lo peor es que su trama es una copia de otra película anterior de Alex de la Iglesia mucho mejor, Muertos de risa: dos hombres dedicados al entretenimiento que se conocen en los últimos años de la Dictadura Franquista desarrollan una rivalidad que desemboca en un enfrentamiento violento.
Para demostrarlo voy a señalar varios puntos:
Detonante del enfrentamiento
En ambas películas la violencia empezó por una mujer que deseaban ambos, pero la forma en que se desarrolla es distinta.
En Muertos de risa la mujer es el detonante de un odio que se va incrementando al pasar de los años por las putadas que se hacen entre ellos. Tras haber cumplido el papel de detonante la mujer desaparece de la historia, lo que no impidió que en su escaso tiempo se sintiera como un personaje bien desarrollado.
En Balada triste de trompeta es básicamente al revés. La mujer es básicamente la única razón por la que quieren matarse; y a pesar de tener un papel mayor en la historia, es solo el arquetípico interés amoroso que está como premio para que el protagonista gane.
Tono y genero
Muertos de risa es una comedia negra. Debido a eso, todos los elementos de la historia: el guion, la actuación, los escenarios, y hasta la dirección tienen un tono macabro exagerado hasta el absurdo que se mantiene consistente en toda la película.
Balada triste de trompeta quiere ser a la vez una exagerada película de acción y una cruda historia dramática. Esto no solo le da a la historia un tono inconsistente, sino que los tonos de ambos géneros chocan entre sí, estropeándose mutuamente.
Temática
Muertos de risa se sirve de una versión retorcida del clásico dúo cómico antagónico para hacer un viaje por la historia de la televisión española con tintes satíricos. Estos dos temas se complementan mutuamente en la historia que están contando.
Por el contrario, Balada triste de trompeta busca usar una temática circense como metáfora de la Guerra Civil Española, en lo que fracasa estrepitosamente.
El problema es que la caracterización que reciben los personajes principales se parece menos a la Guerra Civil y más a una retorcida historia de instituto en la que el friki decide vengarse del abusón y quedarse con la animadora por la fuerza, lo que hace que cuando la película busca paralelismos entre los dos temas no tenga ni pizca de sentido.
Otros problemas
Para terminar, os voy a resumir los problemas de Balada triste de trompeta de los que Muertos de Risa carece.
-Mala dirección
-Guion sin sentido alguno
-Personajes para nada creíbles
-GLORIFICACIÓN DEL ACOSO
Conclusión
En fin, que veáis Muertos de Risa y evitéis Balada triste de trompeta.
Concurso internacional de monstruos
Bienvenidos al 31 de octubre.
La noche de Halloween cae hoy, y por eso vamos a celebrarlo de una manera especial.
De todos los monstruos del imaginario colectivo, los más icónicos son sin duda los de las películas de la Universal durante los años 30 y 40.
Pero como es de esperar, no todos están al mismo nivel, uno de estos se alza por encima de todos como el monstruo más icónico por una buena razón, así que vamos a descubrir cual haciendo un top.
7. El hombre lobo
Excelente trabajo a la hora de dar lastima en la parte de un pobre hombre afectado por una maldición. Aun así, lo pongo por debajo porque el maquillaje para la bestia me resulta demasiado simple en comparación con otros hombres lobo posteriores.
6. El hombre invisible
Una idea bastante simple para un monstruo, pero bien ejecutada, demostrando que la invisibilidad puede ser un poder temible en manos de alguien perverso.
5. La criatura de la laguna negra
Monstruo acuático que pasa la mayor parte del tiempo nadando (lo que lo hace un efecto bastante bueno para la época). Aunque no habla y su rostro es más animal que humano, por sus gestos y acciones se puede comprender como se está sintiendo.
4. La novia de Frankenstein
El único personaje de una secuela, y el único que solo está en una escena, pero tan icónico como los demás del grupo.
Lo más destacable es que, salvo por el raro peinado, luce como una persona normal. Pero la actuación de la actriz deja claro que es un ser antinatural.
3. La momia
Probablemente uno de los más letales monstruos. Su gran inteligencia y su gran talento para conjurar diversas maldiciones haría que te lo pensaras dos veces antes de interponerse en su camino.
2. El conde Drácula
Otro monstruo de aspecto humano que gana al público por la actuación.
Su impotente figura, su carismática personalidad y su elegancia prueban que no es el vampiro más famoso por nada.
1. El monstruo de Frankenstein
Quizás este top haya sido un poco predecible al final.
Aunque por buena razón, ya que de todos los entes sobrenaturales que habitan el cine ninguno ha tenido una historia tan trágica e icónica como la de la pobre criatura con tornillos en el cuello.
En fin, ya terminaron mis entradas de Halloween, espero que las hayan disfrutados y si no les importa me voy que llego tarde al aquelarre.
Concurso nacional de monstruos
Halloween no es lo mismo sin monstruos.
En el cine español, por escaso presupuesto, no solemos ver muchos monstruos memorables, pero no quiere decir que no haya.
Por eso voy a hacer un top 5 de los monstruos más memorables del audiovisual español (qué yo conozca, claro está).
5. Tomas el niño fantasma de la película El Orfanato
Siendo sinceros, dudaba si incluir en el top a este o al niño fantasma de la película El espinazo del diablo.
Me decante por este porque estaba más limitado por los efectos e incluso por su tiempo en pantalla, pero aun así se las arregló para resultar inquietante y volverse el personaje más recordado de la película.
4. El Anticristo de la película El día de la bestia
Últimamente es improbable encontrar un demonio inspirado en el clásico diseño de primo lejano del fauno que resulte intimidante.
Alex de la Iglesia es uno de los pocos que encontró la manera de hacerlo, presentando una criatura del averno que no estaría fuera de lugar en los antiguos grabados de demonios.
3. El monstruo arbóreo de la película Un monstruo viene a verme
Si bien no es maligno, eso no quita que tenga una imponente figura y una voz igual de imponente.
Aunque se le puede describir como una versión gigantesca del árbol de Guardianes de la Galaxia, no quita que tenga un gran diseño, acompañados por unos buenos efectos especiales para darle vida.
2. El demonio carabebe de la serie 30 monedas
A Alex de la Iglesia se le da bien hacer monstruos espeluznantes. Pero el peor de todos sale en el primer capítulo de su serie de HBO Max.
Es básicamente una araña gigante con la piel blanquecina a la que encima le sale una cara de bebe de su enorme boca para causar más mal rollo. Era imposible no meter a ese bicho tan espeluznante en la lista.
1. El hombre pálido de la película El laberinto del fauno
El bicho que se encuentra en la imagen de la portada.
Y es que mirarlo bien, ¿cómo no iba a poner a esa cosa en lo alto del top? Su diseño original, aterrador y asqueroso es una obra de arte que solo la imaginación de alguien como Guillermo del Toro podía crear.
Los directores oscuros
El título del blog hace referencia a un tipo de directores del que probablemente el más conocido sea Tim Burton (el de la imagen de arriba); otros también conocidos, pero en menor medida son Guillermo del Toro y Alex de la Iglesia.
Los directores oscuros se caracterizan por presentar monstruos, escenarios siniestros y/o temáticas oscuras en la mayoría de su filmografía; pero muy pocas veces estás son películas de terror, normalmente dirigen comedias negras o películas de fantasía, por cual se inclinen más depende de las preferencias del director.
Pero lo más curiosos de estos directores oscuros es su visión retorcida de la sociedad. En las obras de los directores oscuros la sociedad (entendida como la gente cotidiana) es retratada en el mejor de los casos como una panda de mentecatos y en el peor más monstruosa que los monstruos, que normalmente son unos incomprendidos en sus historias.
Personalmente, lo que me resulta más fascinante de este tipo de directores es que, a pesar de estas similitudes, los escenarios y monstruos de un director oscuro no van a parecerse a los de otro. Cada uno tiene su propio estilo, los que les vuelve directores muy interesantes de ver.
Malasaña causa mala leche
Voy a ser sincero, no me va mucho el cine de terror.
Estuve hasta que alcancé la adolescencia evitándolo a toda costa porque pasaba de pasarlo mal.
Hoy en día, esa actitud se ha calmado y puedo ver alguna de vez en cuando mientras no me resulte muy perturbadora.
A pesar de eso, se más o menos como este género funciona. Por eso hasta yo fui capaz de darme cuenta de que Malasaña 32, una película sobre un fantasma en un piso atacando a una familia, metía la pata en varios aspectos importantes:
Monstruo
Toda película de terror necesita un villano, porque ¿a qué vas a tener miedo sino hay nada a lo que temer?
Como rara vez pueden encandilarnos con su gran personalidad, los monstruos y villanos de terror usan su aspecto físico para resultar memorables.
El fantasma de Malasaña 32 coge el aspecto de una anciana con uñas que no se ha cortado en meses (véase la imagen de arriba).
Un consejo: un yayo con la higiene descuidada no es precisamente algo muy intimidante.
Aunque un villano no intimidante físicamente puede salvarse con una actuación aterradora. Por desgracia, los realizadores creían que su fantasma intimidaba, por lo que la actuación se limita solo a gritos fantasmagóricos.
Preparación
Hay un aspecto aún más importante que el monstruo a la hora de generar miedo, y son los tétricos augurios de su ataque.
Un buen villano de terror necesita que se vaya preparando su entrada a través de elementos que resalten su presencia como sonidos extraños, música, restos de una matanza anterior, etc. Incluso películas donde al final no se ve al monstruo pueden resultar aterradoras por la forma en que se sintió la presencia del mal.
Y es por eso por lo que la preparación de Malasaña 32 es su mayor cagada. La forma en que el fantasma se hace notar es tan irrisoria que parece que estoy viendo una comedia: un muñequito en la tele y mensajitos enviados a través del tendero de la terraza, ¿en serio era lo mejor que se les había ocurrido?
Giro
Aunque no imprescindible, muchas pelis de terror recurren a los giros al final. Malasaña 32 es de esas y es bastante malo
-Para empezar, es un plagio al giro de una película clásica. No diré cual para evitar destripar las dos, solo que su director es considerado uno de los grandes maestros del cine.
-Para continuar, viene de la nada y en ningún momento había ni un solo detalle que lo presagiaba.
-Para terminar, solo está ahí para predicar contra la intolerancia en una historia que no venía al caso.
Conclusión
En fin, que, si queréis traumatizaros de por vida, Malasaña 32 no os va a ayudar. Mejor probar con algo como Alien, que os aseguro yo que es más efectivo que esto.
Recomendaciones para el 31
Bueno, chicos, ya estamos en octubre.
Lo comento porque yo trato el 1 de este mes como si ya fuera Halloween.
Hago esto para que me dé tiempo a ver todos los especiales de televisión y películas que me interesan ver en estas fechas, ya que si espero al 31 se me acumulan todas.
Debido a esto, he decidido recomendaros unas 10 películas para que veáis durante estas fechas macabras:
10. Scary Movie
Saga de parodias con un excelente humor negro.
La tengo que poner al final porque el nivel de calidad varía de película en película, incluso aunque todas en el fondo son muy hilarantes (aunque te pierdes poca cosa si te saltas la quinta).
9. Pesadillas
No hay nada halloweenesco que monstruos causando el caos. Y está película presenta una divertida variedad de monstruos destrozándolo todo: yetis, hombres lobo, gnomos de jardín malvados, etc.
8. Hotel Transilvania
Otra hilarante saga de comedías que se diferencia la anterior por su toque humorístico de los clásicos monstruos (Drácula, Frankenstein, la momia…), y la mayor creatividad en el mundo en que se desarrolla y en sus chistes.
De todos modos, solo puedo hablar por las 3 primeras películas, la cuarta no sé cómo es porque está en un servicio de streaming que rara vez uso, pero por lo que he oído no tiene la misma calidad.
7. Gremlins
Técnicamente la historia sucede en Navidad, pero la cuento en esta lista porque la historia pega más con Halloween.
Otra historia de monstruos que se alza sobre la anterior por su excéntrico reparto y por la inolvidable personalidad caótica y burlona de sus monstruos.
6. Cazafantasmas
La original, la de los años 80.
Un clásico inolvidable del cine gracias a su icónico reparto, su icónico vestuario y diseños, su icónica banda sonora y sus icónicos monstruos.
5. Ed Wood
Probablemente la más extraña en la lista.
A simple vista la biografía de un director de malas películas de monstruos, pero filmada como si fuera una vieja película de monstruos, lo que la vuelve un filme bastante curioso.
4. Los mundos de Coraline
Fabula moderna que destaca por un mundo hermoso que se va volviendo cada vez más aterrador a medida que sabes más de él y uno de los más originales conceptos para un monstruo.
3. El día de la bestia
Película también ambientada en Navidad, pero lo suficientemente macabra para ir a esta lista.
La película más redonda de Alex de la Iglesia, al ser uno de sus conceptos más originales acompañada por su clásico humor macabro y por memorables demonios.
2. Bitelchus
La segunda película realizada por Tim Burton y en la que su estilo se desató completamente sin control alguno, lo que la vuelve una comedia muy divertida e imaginativa.
1. Pesadilla antes de Navidad
¿Estáis notando un patrón aquí? En fin, casualidades de la vida.
Una magistral y hermosa película con una magistral animación stop motion, imaginativos escenarios, espectaculares canciones e inolvidables personajes.
El regreso del musical español
El cine musical fue una industria prolífica tanto en EEUU como en España hasta su decadencia en popularidad entre finales de los 60 y principios de los 70.
Pero mientras un musical aparece de vez en cuando en Hollywood (especialmente en el mundo de la animación), en España este genero escasea más que la honradez en la política.
Por ese motivo me llamó la atención que una de las películas españolas de este año, Voy a pasármelo bien, fuera un musical. Curioso por ver cómo era el resultado, fui a verla en cuanto pude y ahora os voy a contar como fue.
Para empezar, es un musical del tipo jukebox. Este subgénero musical se caracteriza por usar canciones de bandas y cantantes populares en vez de componer su propia música (Mama Mía es quizás el más conocido); en este caso, se usa canciones cantadas por el grupo Hombres G.
El inconveniente de esto es que en un musical las canciones deben servir para avanzar la historia o mostrar cómo es un personaje, así que el material escogido tiene que encajar con al menos uno de estos dos objetivos. Por suerte, aquí más o menos se cumplen los dos; o al menos el segundo, ya que el protagonista es gran un fan de la banda, por lo que el ritmo de su música representa su forma de ver el mundo.
En cuanto a la coreografía y los cantantes, esta también bien (aunque la voz del protagonista no me termina de convencer).
Ahora, lo curioso es que, para ser un musical, si no fuera por 3 o 4 escenas la película parece más un drama sobre el paso a la madurez y reencuentros amorosos; lo cual no me quejo, porque la historia está bien hecha y los personajes bien caracterizados y desarrollados.
En fin, que está bastante bien y la recomiendo ver, aunque no sea el musical más espectacular que he visto.
Las películas de Harry Potter
Tal como las reliquias de la Muerte la entrada sobre Harry Potter va a estar dividida en dos partes.
Ahora voy a comentar lo que opino de cada una de las 8 películas individualmente y cuales me parecen peor o mejor.
Comencemos:
Harry Potter y la piedra filosofal
La película es excelente a la hora de maravillarnos por el mundo fantástico que está introduciendo gracias al gran trabajo del departamento artístico a la hora de crearlo, la dirección de Chris Columbus, el guión y la banda sonora del legendario John Williams.
Harry Potter y la cámara secreta
Mucha gente se quejó de que era similar a la primera: pero salvo que es de nuevo una historia de misterio y que el principal sospechoso es un capullo no es tan similar.
La historia tiene mayor suspense porque se ve como las acciones de los malos afecta a los personajes, por lo que hay mayor urgencia de pararlos cuando antes. Otro gran detalle es que te introduce los principales temas de la saga (intolerancia, corrupción, ser moldeados por nuestras decisiones) de forma simple pero efectiva.
Harry Potter y el prisionero de Azkaban
Considerada la mejor por muchos, lo que si podemos dar por seguro es que tiene el mejor director, un tipo llamado Alfonso Cuarón, el cual aporta las mejores secuencias (en cuestión de planos y edición, claro) y parte de su propio estilo personal.
Aunque la historia también esta bastante bien, introduciendo personajes interesantes, criaturas aterradoras y el giro más sorprendente de la saga (aunque quien ya lo ha visto ya se lo conoce).
Harry Potter y el cáliz de fuego
Honestamente está es la que más me gusta porque tiene los elementos que me resultan más espectaculares: dragones, mundos acuáticos, tipos con ojos falsos, bailes; todo mientras la sensación de que algo siniestro se esta maquinando en las sombras que tiene como desenlace uno de los clímax más aterradores de la saga.
Aunque soy yo al único que le parece raro que en dos pruebas no se pueda ver lo que hacen los participantes. No sé, creó que un evento deportivo donde no se puede ver a los participantes sería un muermo ¿no creéis?
Harry Potter y la orden del fénix
Aquí es cuando la saga va empeorando y se nota.
Para empezar, la trama del Ministerio de Magia intentando controlar el temario de Hogwarts vaya tras el regreso del villano principal no es precisamente la mejor idea para continuar la historia.
Pero lo peor es que aquí empieza a aflorar el exceso de personajes: muchos personajes nuevos parecen interesantes, pero tanto en esta como en la siguiente están desaprovechados; y personajes que deberían haber sido más relevantes, como los dos que ayudaron a Voldemort a volver, quedan en segundo plano o incluso desaparecen sin explicación alguna.
Por suerte, tiene elementos salvables: las dos villanas nuevas (Bellatrix y Umbridge) son entretenidas de odiar, los nuevos personajes siguen siendo interesante (sobre todo Luna Lovegood, al menos es la que mejor aprovechan), el clímax es de mis favoritos en la saga y Harry Potter teniendo que liderar su propio grupo me parece una idea interesante que tristemente las siguientes entregas no aprovecharon.
Harry Potter y el misterio del príncipe
De todas las películas, está es la peor.
Quita lo más interesante del libro (el pasado de Voldemort) y se centra en las mal desarrolladas subtramas románticas, encima haciéndolas peor. Por no mencionar la forzada escena de acción que sale de la nada y no tiene relevancia en la historia.
Lo único salvable es el uso que le dan al personaje de Draco Malfoy, que pasa de ser el típico abusón del colegio a un villano más complejo e interesante.
Harry Potter y las reliquias de la muerte parte 1
Mejora en comparación con las dos anterioes pero tengo dos problemas:
-La subtrama del guardapelo es tan similar a la del anillo unico de El señor de los anillos que parece un plagio.
-Pero el mayor error es el cambio de voz de Voldemort, que pasa de tener una voz siniestra a una voz ridícula.
Aunque la forma en la que narran la historia de las reliquias es un excelente corto de animación, eso debo alabar.
Harry Potter y las reliquias de la muerte parte 2
Al menos la saga se despidió con dignidad.
Esto es el gran final, y cumple con todo lo requerido con los grandes finales: deja todas los arcos y tramas finalizados, es espectacular de principio a fin y acaba de forma satisfactoria.
Calificación de las películas
8. Harry Potter y el misterio del príncipe
7. Harry Potter y la orden del fénix
6. Harry Potter y las reliquias de la muerte parte 1
5. Harry Potter y las reliquias de la muerte parte 2
4. Harry Potter y la piedra filosofal
3. Harry Potter y la cámara secreta
2. Harry Potter y el prisionero de Azkaban
1. Harry Potter y el cáliz de fuego
La saga de Harry Potter en general
Harry Potter es actualmente una de las sagas más populares tanto en libros como en películas, pero es también de la más criticadas. No es muy difícil encontrar gente que critique la saga en mayor o menor medida.
Personalmente, yo soy un gran fan de la saga, al extremo de que la tengo en mis principales referentes a la hora de escribir fantasía; pero incluso yo he notado que tiene algunos errores.
Por eso vamos a ver lo positivo, lo negativo y lo divisivo de la saga; centrándonos más en las películas porque esto no es un blog de literatura.
Lo positivo
Primero hablemos de lo más destacable: el mundo. Si bien el concepto de una escuela de magia no lo inventó Harry Potter, su toque único y la gran creatividad de los elementos que pincelan este universo demuestra porque Hogwarts se volvió lo primero que la gente piensa cuando mencionan una escuela de magia.
Pero un mundo fantástico no termina siendo efectivo sino tiene una gran historia y personajes que lo apoyen, así que veamos como son.
El mayor punto fuerte de la historia es que, aunque limita la acción principalmente a un castillo en el medio de la nada, encuentra la forma de mostrar un mundo que no tiene que envidiar a los de otras historias fantásticas donde los protagonistas se mueven de un lugar a otro. En cuanto al desarrollo de la historia, lo interesante es que cada historia, las cuales tiene lugar durante un año escolar, se va volviendo cada vez más oscura cuando más van creciendo los protagonistas, lo cual resulta una interesante representación de la idea de crecer y verse obligado a afrontar la oscuridad del mundo.
Pero la historia palidece ante los personajes. Lo más increíble de Harry Potter es que todo personaje, ya sea principal o secundario, tiene su propio encanto y personalidad que los hace inolvidables.
Los villanos de la historia son lo más interesantes, al menos como concepto. En muchas obras de fantasía, la mayoría de los villanos simplemente son monstruos o gente que buscan poder y nada más; los de Harry Potter son supremacistas que representan el peor lado de ese mundo mágico (y no tan diferentes a mucha gente en la vida real) que buscan poder para llevar a cabo sus ideales supremacistas.
En cuanto la realización de las películas debo decir que todos que trabajaron en estas hicieron un gran trabajo al hacer que el mundo se sintiera vivo, al elegir a los actores adecuados para representar a todos los personajes y al hacer que nos encariñásemos con los protagonistas y empatizásemos con ellos.
Lo divisivo
Como ya he dicho, la historia se va volviendo más oscura al crecer los protagonistas, pero es al final de la cuarta parte cuando la historia toma un rumbo más oscuro.
En una historia, cuando la trama se vuelve oscura al llegar a cierto punto no es algo malo, el problema es que parte del encanto original de la historia se llega a perder. En Harry Potter pasa justo eso, ya que la trama se vuelve menos explorar el mundo mágico (que era lo más interesante) y más luchar contra los villanos, lo cual es menos interesante visualmente (compárenme luchar contra una serpiente gigante que luchar contra un tipo que te lanza rayos por un palo).
Además, como ya mencioné entradas atrás, las relaciones amorosas son la parte más débil. No tengo problemas con quienes acabaron juntos, pero el desarrollo podía haber estado mejor.
Lo negativo
Por desgracia, el cambio de tono no es todo lo que cambia al finalizar la cuarta parte. Y es que a partir de la quinta las películas pasan de ser muy buenas a ser solo OK.
Para empezar esta la dirección. El director de la quinta a la octava, David Yates, es el director más aburrido que ha participado en la saga, al menos en cuanto a planos y a estilo visual se refiere.
El guion también empeora. Reconozco que los últimos libros eran más difíciles de adaptar al ser más complejos en el argumento; pero el guionista de la saga estaba más preocupado por mantener la mayor parte de la estructura de los libros intacta que mantener la continuidad y la coherencia. Debido a eso podemos encontrar cosas como elementos que salen de la nada, personajes que aportan 0 a la historia y 0 explicaciones en algunos elementos.
Aparte de eso, por mucho que alabe a los personajes la saga tiene sobreabundancia de estos; un error pasable en un libro, pero fatal en una película. La saga incluye tantos personajes que llega al extremo de que algunos que deberían haber tenido más relevancia quedan en segundo plano. El peor ejemplo de esto es Lord Voldemort, el principal villano de la saga, quien se supone que es el archienemigo de Harry Potter y el mago más cruel de la historia, pero en pantalla no se siente eso porque sus esbirros e incluso villanos independientes hacen más cosas malvadas a los protagonistas que él en comparación no se siente tan personal como los otros villanos (literalmente sentí más satisfacción cuando murió una de sus secuaces que cuando murió Voldemort mismo).
Conclusión
En fin, queda claro que la saga está lejos de ser perfecta, especialmente con sus últimas películas.
Aun así, sus errores no son suficientes para eclipsar sus aciertos, los cuales son la principal razón por la que se ha vuelto una de las sagas más famosas de este siglo. Tanto si lees los libros, ves las películas o haces ambas cosas la saga vale la pena disfrutarla (incluso aunque la autora haya entrado recientemente en controversias que mejor no comentaremos).
Mi único problema con el fauno
Según mis investigaciones la película española que parece ser más conocida a nivel internacional es El laberinto del fauno. El motivo puede deberse a que es la obra más aclamada del internacionalmente aclamado director Guillermo del Toro.
La película se sitúa durante la posguerra española y cuenta la historia de una niña que encuentra un fauno, este le revela que es la reencarnación de una princesa perdida de un reino mágico y que para volver necesita llevar a cabo unas pruebas.
Los que conocen la filmografía de del Toro ya se imaginan lo que más destaca aquí: las criaturas fantásticas. El diseño de los monstruos es una maravilla, especialmente los del fauno y el hombre pálido.
Pero los monstruos no son las únicas cualidades destacables del director. Los escenarios fantásticos también se benefician de la creatividad del cineasta mexicano. También debo mencionar que, aunque el argumento suene a película para niños, la película es bastante perturbadora y sangrienta, y del Toro sabe bien como ser chocante con la violencia cuando quiere.
Como historia individual lo más interesante que ofrece su mundo fantástico es que está abierto a muchas interpretaciones: si representan algo las criaturas, si algo debía pasar de cierta manera o sí fue la imaginación de alguno de los personajes.
El reparto y caracterización de personajes también es excelente. De todos los actores, el más destacable es Sergi López como el principal antagonista, siendo un hombre vil y cruel de una forma perturbadoramente realista.
Sin embargo, aunque sus elogios son bien merecidos tengo un problema con esta película: su personaje principal.
Lo primero, la actuación de la actriz es demasiado plana. De hecho, a modo de prueba comparé una escena de esta película con una similar en Las Crónicas de Narnia y, irónicamente, la niña británica mostraba más emociones que la española al conocer una criatura mágica.
Aunque no ayuda a la actriz que su personaje es también muy plano. No tiene mucha personalidad aparte de gustarle los cuentos de hadas y ser una o dos veces bastante estúpida.
Pero aparte de que el personaje principal necesita estar más pulido la película es una obra maestra y merece verse al menos una vez en la vida.
Antes de terminar, supongo que se preguntaran porque he hablado sobre el cine español dos veces seguidas. La razón es simple, necesito dos entradas para mi siguiente análisis, una reflexión sobre las aventuras de cierto mago gafotas.
La Guerra Civil en el cine y su recepción
Cuando mi blog empezó a ser popular entre mis allegados ciertas personas empezaron a pedirme que destrozara la última película de Almodóvar Madres Paralelas, porque les cabreó su temática de la memoria histórica.
Y es que parece que hay algunos que les cabrea como el cine español representa el tema de la Guerra Civil en sus películas.
¿Por qué? A simple vista el conflicto parece blanco y negro: un bando luchaba por salvar una democracia mientras otro instauró una dictadura durante 36 años y encima se aliaron con los nazis, lo más parecido que ha tenido este mundo al mal absoluto. Por lo que pintar al bando republicano como bueno en las películas no debería ser polémico a simple vista.
Por desgracia, la realidad no es tan simple. Para empezar la Segunda Republica no fue precisamente un paraíso; enfrentamientos violentos por cualquier chorrada ideológica estaban a la orden del día, y más de uno eran provocados por radicales de izquierdas (ejemplo, las infames quemas de conventos tanto antes de la Guerra como durante esta).
Por no mencionar que la Segunda Republica no puede tirar la primera piedra en este asunto. Incluso si sus enemigos eran peores en comparación, el bando republicano también llevo acabo fusilamientos, reclutamientos forzosos y una alianza con una dictadura (en este caso la URSS, que en aquel momento la dirigía el sanguinario Stalin).
Es por razones como esta que puede resultar polémico tratar el tema de la Guerra Civil en obras audiovisuales, especialmente si la película se puede interpretar (ya sea a propósito o no) como un manifiesto de que el bando republicano no hizo nada malo. También el hecho de que algunos palurdos usen el tema de la Guerra por razones ideológicas no ayuda, pero no vamos a meternos en este tema.
En conclusión, es un tema más complicado de lo que desearíamos que fuese. Personalmente yo creo que deberíamos tratar el recuerdo de esa tragedia como una advertencia de lo que pasa si dejamos que las ideologías radicales crezcan sin control alguno; de hecho, hay algunas películas sobre la Guerra que la desarrollan usando ese tema.
Manual sobre cómo no hacer una serie
(Aviso: al final hay dos reseñas postcreditos de otros dos estrenos recientes de Marvel porque si hago una de cada se me acumulan las reseñas)
Las series recientes de Marvel tenían ciertos fallos, pero ninguna merecía ser considerada una mala serie.
Hasta hoy, que puedo decir que Miss Marvel es la única serie mala de Marvel que he visto (por el momento, mejor no tengáis altas expectativas con la serie de Hulka).
El principal problema de esta serie es que mete la pata hasta el fondo en 3 elementos fundamentales de una serie de televisión:
1. Conflicto
En toda serie, especialmente las que desarrollan un arco capitulo a capitulo, la regla es que el primer capítulo plantee un conflicto principal y que este se desarrolle durante el resto de la serie o hasta el final de la temporada como mínimo.
En Miss Marvel parece que no pillaron esto, y en el tercer capítulo el conflicto principal es substituido por un conflicto sobre djinns que quieren volver a su dimensión hasta el sexto capitulo, que vuelven a al conflicto original de una adolescente lidiando con superpoderes.
Al contrario que Falcon y el Soldado del Invierno, en el que al menos todas las tramas estaban conectadas entre sí, estas dos tramas se sienten como si hubieran mezclado el argumento de dos temporadas en una sola, el choque entre ambas evita que ninguno de los dos conflictos se pueda desarrollar bien.
2. Subtramas familiares
En las series es muy común dar a los protagonistas subtramas en las que se desarrolla su vida privada. Esto es un buen recurso porque el personaje causa más empatía si vemos como es su vida cuando no está luchando contra el mal, resolviendo misterios o lo que sea que haga en la serie.
Pero en Miss Marvel, obsesos con representar la cultura pakistaní, dan demasiado tiempo a las subtramas familiares. Lo cual quita tiempo a otros elementos que necesitan mejor desarrollo como el funcionamiento del brazalete, la dimensión Noor y hasta los villanos.
Lo peor es que muchas de estas subtramas son innecesarias (en serio hacia falta que la protagonista viajara en el tiempo para ayudar a su abuela) o se podían resolver en 1 minuto si fueran sinceros entre ellos.
3. Fuerza antagónica
El villano de una serie de televisión tiene que ser a la vez creíble que lleve al menos una temporada vencerlo e interesante para que la audiencia quiera verlo tanto tiempo. El principal antagonista de Miss Marvel, el grupo de djinns que quiere volver a su dimensión, ni de lejos consigue ambos.
Para empezar, son tipos cuya única habilidad es sacarse cuchillos contra una que puede generar muros y puños gigantes de energía. Lo único que tiene que hacer la protagonista es dejar de correr y los vence a todos en un segundo.
Como estrategas también apestan. Cuando son introducidos piden a la protagonista que los ayude a volver; pero esta, al saber que puede ser peligroso abrir un portal les dice que esperen a poder hacerlo de forma segura. Estos zopencos, en vez de esperar unos días o manipularla para que lo haga cuanto antes, deciden ir a por ella amenazando a su familia. Literalmente antagonizaron a la única persona que puede ayudarles porque eran demasiado impacientes para esperar unos malditos días.
Como antagonistas son muy aburridos. Lo divertido de un grupo de villanos es que cada uno tenga habilidades y personalidades distintas, pero menos la líder de los djinns todos son básicamente intercambiables.
Y hablando de la líder, la serie la trata como una villana compleja que al final entra en razón y decide redimirse. Pero esto no es creíble porque en toda la serie la vemos amenazar y matar sin remordimiento alguno. Lo único complejo de ella es que quiere volver a su hogar, pero un motivo complejo no es suficiente para hacer un personaje complejo. La serie no se molesta en dar una buena razón por la que este tan desesperada por volver por lo que el personaje queda como alguien estúpido y egoísta cuya redención al final no es creíble.
Conclusión
Pues sí, Miss Marvel es la peor serie del UCM que he visto, pero en vez de rabia lo que siento es lastima.
Lastima porque no solo había leído los comics y me parecía un personaje interesante, sino porque el primer episodio de la serie era bastante bueno.
De hecho, la serie tiene buenos elementos como sus personajes y la dirección artística, pero todo se estropeó porque estaba en manos de gente que no sabía cómo escribir una serie.
1ª RESEÑA POST-CREDITOS
Thor: Love and Thunder es una versión inferior de su predecesora. Salvo dos escenas no es tan visualmente espectacular como la anterior y aunque da gracia no es tan hilarante tampoco. Lo único en lo que es mejor es que balancea mejor sus momentos dramáticos.
El villano está bastante bien en todo menos su historia de origen. Es super conveniente que justo encuentre un arma para matar dioses y al dios que lo traiciono justo al mismo tiempo, y a ese dios malo se esfuerzan tanto en hacerlo odioso que me resulta demasiado caricaturizado.
Aún así es un entretenido y épico filme y en comparación tiene menos errores que otros productos de Marvel recientes.
2ª RESEÑA POST-CREDITOS
Yo soy Groot son una serie de cortos protagonizados por Bebe Groot.
Son monos, divertidos y creativos. Es lo único que puedo decir
Lista actual de la oficialmente llamada Saga del Multiverso:
13. Eternals
12. Viuda Negra
11. Miss Marvel
10. Bruja Escarlata y Visión
9. Doctor Strange en el Multiverso de la Locura
8. Thor: Love and Thunder
7. Yo soy Groot
6. Falcon y el Soldado de Invierno
5. Ojo de Halcón
4. Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos
3. Caballero Luna
2. Spiderman No Way Home
1. Loki
La virtud de la autocrítica
Desde el principio uno de los objetivos de este blog ha sido defender el mundo audiovisual español de los prejuicios hacia él, pero al mismo tiempo comprender porque no cuaja en nosotros tanto como los extranjeros (especialmente el hollywoodiense).
Siguiendo este objetivo, he llegado a la conclusión de que en el cine español escasean o carecen ciertos elementos que tienen esos cines. Uno de estos elementos es la autocrítica.
Desde El crepúsculo de los dioses han sido habituales películas sobre el funcionamiento de la industria de Hollywood y la vida de sus estrellas, criticando los peores aspectos de ambas en menor o mayor medida. De hecho, es tan común que hasta Chip y Chop tiene una película sobre el tema.
El cine español carece de películas que satiricen o critiquen la industria y sus estrellas. De hecho, solo recuerdo haber encontrados dos: Spanish Movie (que soltaba algún que otro chascarrillo sobre ese mundo) y la película de David Trueba Obra Maestra (excelente película, por cierto).
De hecho, en España normalmente es la televisión quien critica al cine y viceversa, pero rara vez a sí mismos.
Siempre he pensado que los de Hollywood dan la misma lata con la política que los del cine español, pero el hecho de que no tengan problemas en retratar tanto su vida cotidiana como el peor lado de su gremio de forma burlona da un sentimiento de sinceridad y cercanía que los que trabajan en el cine español carecen.
Francamente, no sé yo si puliendo estas carencias mejorara la divisiva reputación que tiene nuestro cine, pero al menos vale la pena intentarlo. Al menos es la mejor opción que se me ocurre.
El curioso legado de Shrek
La saga de Shrek es posiblemente de las películas más influyentes del siglo XXI, mucho del cine de animación actual bebe de las aventuras del ogro más querido por todo el mundo.
Algo en lo que Shrek marcó un antes y un después es en como se adaptan ahora los cuentos de hadas. Antes, cuando alguien quería adaptar Blancanieves o Los tres cerditos simplemente expandían el argumento para que funcionase como película, pero el tono del cuento se mantenía más o menos.
Pero entonces llego Shrek y puso todo patas arribas. Tanto Shrek y Shrek 2 daban a los cuentos de hadas un tono que rozaba la parodia y daban la vuelta a sus típicos tópicos; no en vano el ogro, uno de los villanos tradicionales de los cuentos de hadas, es el héroe de la historia. A partir de este momento la película hizo imposible tomarse en serio una adaptación fiel de un cuento de hadas.
Cuando se adapta un cuento ahora tiene que haber una subversión humorística de lo esperado: o el príncipe es un zopenco, o el dragón solo está constipado o el lobo feroz es el casero que quiere echarlos por impago. O, en casos más vagos, simplemente hay referencias a la cultura popular o varios personajes de distintos cuentos en la misma película (lo cual hace que te cuestiones las geopolíticas de ese reino cuando aparecen varias princesas sin parentesco a la vez en un mismo reino).
Incluso Disney, que se había enriquecido durante años haciendo adaptaciones fieles de cuentos de hadas, también empezó a usar elementos del subgénero de las parodias de cuentos de hadas (véase Encantada y Frozen).
Honestamente, ha llegado al extremo de que este subgénero ha desarrollado tópicos tan vistos como los cuentos de hadas originales. Por ejemplo, lo del príncipe ególatra y presumido ya es tan común como su versión encantadora, por no mencionar el cliché de juntar personajes de distintos cuentos en una sola película.
Quizá llegue un día en que este subgénero termine cansando. Aún puede haber cierto espacio para innovar, pero la verdad si quieren cuentos de hadas con una vuelta de tuerca estaría bien que prueben con algo distinto a la parodia.
En fin, para terminar, os voy a pasar un top 3 de las que mejor me parecen de este raro subgénero, sin contar las dos primeras de Shrek.
3. Encantada: La historia de Giselle
2. La increíble pero cierta historia de Caperucita Roja
1. Zapatos rojos y los siete trolls
Carencia emocional
La imagen de la portada es una escena de una película sobre Juana la Loca la cual me enfada muchísimo. ¿Por qué? Porque en la escena la protagonista está teniendo una crisis emocional pero la escena, en vez de enfocarse en su cara para que veamos lo destrozada que está la dejan al fondo y de espaldas, lo que arruina lo que debía ser una escena deprimente.
Pero honestamente, esta escena es un símbolo de una grave carencia en el cine español. Nuestros realizadores no saben conectarse emocionalmente con la audiencia.
Supongo que todo el mundo aquí ha oído hablar de ET el extraterrestre, ¿no? Pues bien, ¿por qué creéis que la película se volvió un clásico del cine? Porque la película desarrolla tanto el personaje del extraterre y su amistad con Elliot, por lo que todos nos pusimos a llorar cuando estuvo a punto de morir.
Lo mismo se puede decir de las películas de Disney y Pixar. Si bien hay otras razones lo que atrae a todos principalmente a estas películas es porque el argumento está desarrollado para que empaticemos y conectemos con los personajes.
La mayoría de las películas españolas no se molesta en eso y más de una que lo intenta lo estropea porque o se centra más en ser poética y artística o porque tiene un guion infantil que se va a lo cliché y/o a lo tonto.
Por supuesto hay excepciones y especialmente alabe a Juan Antonio Bayona por hacer películas con una conexión emocional bien desarrolladas. Aun así, la escasez de películas en las que esto se haga correctamente es motivo suficiente para añadir carencia emocional a la lista de razones por las que el cine español es poco popular con los españoles.
Ferdinand y su representación cultural
¿Queréis saber cuál el colmo de la ingratitud? Que España haya sido el escenario en el que Hollywood rodó el 50% de sus películas, pero rara vez este se ha molestado en hacer una película que tenga lugar en este país.
De hecho, una de las pocas excepciones es una película animada del año 2017 conocida como Ferdinand, película inspirada en un cuento infantil del que Disney también hizo un corto hace décadas que cuenta la historia de un toro con gran amor por las flores que se niega a pelear por mucho que los demás toros y los humanos le presionen.
He escogido específicamente está película porque leí artículos sobre que esta película era antiespañola porque representaba de forma negativa la tauromaquia. Esto chicos, lamento decírselo, pero la tauromaquia no representa toda la cultura española.
Aún así, de todos modos, si el objetivo era criticar las corridas la verdad es una critica muy suave. Vale que es presentado de forma negativa en la historia, pero es porque seguimos el punto de vista de los toros, que obviamente no quieren que los maten. De hecho, la película se centra más en criticar la masculinidad toxica que presiona a los hombres a ocultar sus emociones y medir su valía en su fuerza física.
Por último, el resto de la cultura española recibe mejor tratamiento en la historia. Otros elementos de nuestra cultura, aunque salgan menos, no son mostrados de forma negativa, así que no se puede decir que la película sea antiespañola solo porque muestre de forma negativa una tradición que a la mayoría de los españoles ni siquiera le gusta ya.
De hecho, uno de sus puntos fuertes es que los animadores hicieron sus deberes a la hora de diseñar los escenarios y los lugares en los que tiene lugar la historia, realmente se siente como lugares de España. De hecho, hay una parte en la que los protagonistas se meten en la Estación de Atocha de Madrid y como alguien que ha estado en ella puedo decir que la han calcado.
Ahora que está aclarado que no es una mala representación cultural: ¿Cómo es la película en sí?
Pues la verdad está bien, pero no es genial. La historia y desarrollo de personajes son buenos, pero el humor y la animación están solo OK.
Aunque esto es de esperar. La película la produjo una ya cerrada compañía conocida como Blue Sky Studios, a lo que más de uno la conocerá por ser la productora de la saga de Ice Age. Las películas de este estudio, salvo en 2 o 3 excepciones, estaban bien pero no llegaban al nivel de calidad de Disney, Pixar y Dreamwork.
En resumidas cuentas, es entretenida y se puede disfrutar si te van las películas de animación. Personalmente, yo me alegró que al menos alguien se molestase en usar la cultura española para una película.
La batalla de las comedias
Es bien sabido que el ambiente y cultura de un individuo influye en la persona en que se convierte.
De estos dos puede surgir su visión del mundo, su actitud e incluso su sentido del humor. Pues sí, la cultura de un individuo aparentemente puede influir en su sentido del humor, porque si no yo no entiendo eso que dicen del humor inglés.
A ver, esto no quiere decir que a todos los habitantes de un país les va a hacer gracia lo mismo o que los comediantes de Holanda se van a especializar solo en humor absurdo mientras que los de Dinamarca se van a especializar en humor negro. Simplemente estamos revelando la existencia de ciertos patrones habituales en el humor de las historias cómicas de una determinada nación.
Dicho esto, tras haber visto unas cuantas comedias de los dos países, vamos a comparar los patrones del humor inglés ese con los del humor español.
-Humor inglés: marcadamente visual hasta el punto en el que son comunes bromas ocultas en el escenario de una escena. Los gags y chistes buscan ser absurdos y/o exagerados, debido a este motivo son muy comunes personajes excéntricos o estrafalarios como secundarios o protagonistas.
-Humor español: tendencia a chistes sonoros, muchos de los chistes vienen de diálogos entre los personajes. El tono varía entre humor negro o satírico. Los personajes secundarios o protagónicos tienden a ser granujas o versiones caricaturizadas de un miembro de un determinado grupo al que se busque criticar.
Ahora bien, debido al titulo tú esperas ahora una comparación a ver cual de los dos es mejor, ¿no? Pues siento decepcionarte, pero solo he puesto el titulo por que sonaba guay. De todos modos, no me parece ninguno mejor que el otro, y si uno te gusta más eso es por tus preferencias, no porque uno sea más bueno que el otro.
Doctor Strange en el Multiverso de la Estafa
Antes de empezar he de mencionar una cosa.
Cuando se anunciaron los componentes de la fase 4 del UCM empezaron a decir que Bruja Escarlata y Visión, Spider-man No Way Home y Doctor Strange en el Multiverso de la Locura iban a estar conectadas entre si. Esto hizo que yo y algunos cuantos más no excitásemos porque esperabamos una especie de arco relacionado con el multiverso, así que esperamos a ver como resultaba.
¿Y al final en que resulto? Pues, citando a Bob Esponja: “fuimos timados, embaucados, embarajiñados”.
Bruja Escarlata y Visión alimentó nuestras expectativas solo para gastarnos una broma cruel en el episodio final, y con la última entrega de este “arco” no hay ninguna épica conclusión, apenas hay relación con las otras dos y encima solo hay una escena que haga honor a su título y dura menos de un minuto. La única que no fue una decepción y se molestó en darnos algo satisfactorio fue Spider-man: No Way Home y apenas tiene relación con las otras dos.
En fin, a pesar de esta estafa ¿La película merece la pena?
Bueno hay cosas muy buenas en esta:
-El arco del personaje principal es bastante bueno. Al menos es el mejor uso que le da al multiverso la película.
-A pesar de que sea el mismo tipo que dirigió la trilogía original de Spiderman, lo malo de esa trilogía no esta aquí, por lo que aquí destacan sus mejores cualidades. El director, un tipo llamado Sam Raimi, es de esos directores que tienen una dirección creativa, dando unos planos y una edición muy originales y divertidas de ver.
-Dicho esto, toda la película es un deleite visual. La falta de ataduras en la imaginación que alabe sobre su predecesora aquí se multiplica por tres. Merece la pena verla al menos una vez.
-Por último, la película prometió que iba a ser un filme de terror y en eso al menos no engaño. La película es más lúgubre, intensa y violenta que la estandár peli de Marvel. No llega a causar pesadillas, pero es divertido ver un toque más oscuro y retorcido en un Universo que normalmente intenta ser más suave.
La buena noticia es que la película solo tiene un defecto, la mala es que es un defecto muy gordo.
El argumento de la película se siente como si hubieran cogido el primer borrador del guion y hubieran pasado de hacerle revisiones. Muchos elementos se desarrollan de forma muy apresurada o elementos que tenían más cache apenas son usados para poder meter otros más.
Pero dónde más la cagan es con el villano principal, probablemente todos saben ya quién es, pero aun así leves spoilers por si las moscas.
El villano es la Bruja Escarlata, que tras leer un libro maldito decide robarle los poderes a una adolescente con la habilidad de viajar entre dimensiones para viajar a una dimensión donde los hijos que creó en su serie aún existen. A ver, que el villano sea un superhéroe corrupto por traumas y la magia negra es un interesante concepto, pero el problema es que literalmente ella creó a sus hijos en su serie de forma involuntaria, solo tiene que aprender a controlar sus poderes y los puede volver a tener sin hacer daño a nadie, por lo que realmente no tenía porque molestarse en hacer todo lo que hace en la película.
Lo que hace destacable es que con solo unos pequeños cambios en el guion la película habría sido casi perfecta. Por ejemplo, incluir un demonio o ser maligno que estuviera manipulando a Wanda a través del libro maldito o que Wanda creyese que sus hijos estaban atrapados en otra dimensión porque el libro trastornó su mente.
En fin, aquí acaba la historia de una promesa vacía. Al menos nos dio una serie y dos películas bastante buenas, incluso aunque solo una fue buena de principio a fin.
Al menos esta película fue entretenida y sus problemas no afectan al disfrute de esta, lo que no puedo decir de otras entregas de este universo.
Lista actual:
10. Eternals
9. Viuda Negra
8. Bruja Escarlata y Visión
7. Doctor Strange en el Multiverso de la Locura
6. Falcon y el Soldado de Invierno
5. Ojo de Halcón
4. Shang Chi y la Leyenda de los Diez Anillos
3. Caballero Luna
2. Spiderman No Way Home
1. Loki
La adaptación de una adaptación
El chucho de la portada seguramente les suene a muchos. Esto se debe a que es el personaje principal de la serie de animación de los años 80 D´Artacan y los tres mosqueperros.
La serie, una coproducción Hispano-japonesa que adaptaba el libro de Alexandre Dumas para todos los públicos, tuvo gran éxito y se volvió una parte indispensable de la infancia de muchos españoles. Tanto, que el año pasado un tal Toni García decidió adaptar la serie en un largometraje animado.
Siendo sinceros, el único recuerdo que tengo de la serie es pillar una vez en televisión una versión acortada en película cuando era muy chico y un comic que pille en la biblioteca de mi colegio, así que no soy el más indicado para juzgar si es una adaptación fiel. Aunque por lo que consigo recordar y el hecho de que no he visto ninguna queja parece que lo es.
Lo que si tengo que decir es que la película se libra de que la tache de película infantil: la trama se desarrolla de forma coherente, los personajes están bien caracterizados y desarrollados, los chistes hacen reír a gente de mi edad y no hay ningún momento que me haga exasperar de lo estúpido o cliché que es.
Algo que me encanta de esta película es que la forma de hablar de los personajes es similar a como hablarían en esa época (salvo el hecho de que están hablando español en Francia). También la forma en la que se comportan se siente como de la época; siendo el mejor ejemplo la hilarante escena cuando el titular D´Artacan se acaba retando con los titulares mosqueperros por razones bastante tontas (esta escena también me encanta porque aparte de ser humorística sirve para caracterizar a los personajes individualmente).
Otro elemento que me gusta es que aquí se evita el problema de Aslan y la Capitana Marvel. Aquí son los villanos los que tienen ventaja sobre los héroes ya sea por mayor número, influencia política o porque tienen la forma de averiguar los movimientos de los héroes. Esto sirve para dar más fuerza al conflicto y causar mayor satisfacción al ver a los protagonistas superar las adversidades.
En fin, recomendable de ver incluso si nunca viste la serie original, que seguramente es la mayoría que va a leerse este blog de todos modos.
Reseña de Caballero Luna (o Moon Knight para los amigos)
El personaje de Marvel conocido como Caballero Luna apenas lo conocía cuando anunciaron su serie. Pero cuando oí su historia: un hombre con múltiple personalidad que podía o no haber recibido los poderes del dios egipcio de la Luna, me pareció un concepto interesante que merecía la pena ver.
Y por suerte, la serie no me decepciono.
La serie se hace distintiva de otras entregadas del UCM al tener un estilo parte thriller psicológico, parte horror supernatural. Y está bastante bien, me encantan las tramas psicológicas en las que se explora la mente trastornada de un protagonista, siempre es un concepto interesante y en esta serie no falta de eso.
La actuación del Oscar Isaac es excelente, interpretando de forma sublime las dos personalidadades del protagonista. Recomiendo verla en versión original para notar que llega al extemo de ponerle dos acentos distintos.
El principal conflicto de la serie es bastante interesante, como es de esperar en las mejores historias de Marvel. Es sobre dos lados representados cada uno por un dios egipcio que buscan luchar contra el mal usando métodos extremos. Está claro cuál es el grupo de los villanos, pero la motivación está lo suficientemente bien desarrollada para que resulte creíble porque alguien creería que llegar a ese extremo es lo correcto; ayuda también a la complejidad del conflicto ya que, aunque el dios de luna Khonshu sea el bueno del dúo, también está dispuesto a llegar a ciertos extremos para conseguir su objetivo que le ponen en cierto conflicto con el personaje principal.
Me encanta el principal villano. Es un interesante concepto tener un villano que se asemeje al líder de una secta, y el hecho de que realmente crea que está haciendo lo correcto sin resultar que tiene una motivación oculta más egoísta lo hace muy interesante.
Otro excelente detalle de esta serie es que te permite saber más sobre mitología egipcia, una mitología de la que la mayoría de la gente solo conoce a las momias y en menor medida a Anubis. Por supuesto, se toman ciertas libertades, pero en comparación con la versión de la mitología nórdica del UCM, es una representación más fiel.
La temática egipcia también permite un toque más único a la estética de la serie. De hecho, los diseños de la serie son bastante buenos, especialmente el diseño de Khonshu. Normalmente, uno de los puntos débiles de Marvel es en el diseño de monstruos, pero el de Khonshu es visualmente espectacular, tanto en diseño como en los efectos especiales usados para crearle.
Otro pequeño pero excelente detalle es que no incluyen de forma forzada una referencia a otros personajes del UCM en una conversación, qué últimamente a Marvel le ha dado en las películas y series incluso cuando no era necesario para la historia. Aquí saben que no es necesario recordar la conexión y no incluyen una referencia forzada a los Vengadores.
Bueno tras esta serie actualmente el top de la por el momento Saga el Multiverso esta así:
9. Eternals
8. Viuda Negra
7. Bruja Escarlata y Visión
6. Falcon y el Soldado de Invierno
5. Ojo de Halcón
4. Shang Chi y la Leyenda de los Diez Anillos
3. Caballero Luna
2. Spiderman No Way Home
1. Loki
¿Por qué el verdugo es un clasico?
Luis García Berlanga es uno de los mejores directores del cine español clásico por razones que yo ya cuento en una de mis entradas.
Quizás su mejor película sea El verdugo, la historia de un enterrador que acepta un trabajo de verdugo para mantener a su familia convencido por su cuñado, esperando que nunca llegue el día en que tenga que matar a alguien.
La historia claramente busca condenar la pena de muerte, pero a través de un planteamiento original. En vez de presenciarlo a través del terror del condenado, Berlanga en vez de eso elige mostrar el horror de su asesino al verse obligado a matar por el sistema legislativo; de hecho, una de las ultimas escenas es el verdugo siendo arrastrado contra su voluntad por varias personas a cumplir su vil cometido.
El buen trabajo hecho, tanto en actuación por parte de Nino Manfredi como el guion escrito por Rafael Azcona y Luis García Berlanga, para caracterizar al protagonista hace que te caiga bien y que te sientas mal por el cuando las circunstancias le salen tal mal.
Otro personaje destacable es el cuñado del protagonista, interpretado por el legendario actor español José Isbert (el cual, seamos sinceros, era la mejor parte en todas las películas en las que trabajó).
Este personaje actúa como la perfecta antítesis del protagonista, siendo un verdugo veterano al que para él matar es solo parte del trabajo. Lo interesante del personaje es el contraste; ya que, a pesar de ser un verdugo y estar orgulloso de ello, es un hombrecillo afable con todo el mundo y comprensible en cierto punto con las reticencias de su yerno; de hecho, al final se da a entender que él y el protagonista no son (o no eran) tan distintos.
Por estas razones expuestas, recomiendo ver esta tragicomedia si os interesan las películas clásicas del cine español.
Bueno, el equilibrio ya se ha restaurado, la próxima semana volvemos a la normalidad.
¿Por qué los de Aida no me resultan desagradables?
Hace unas entradas pasadas comente la mala costumbre de series españolas de comedia de usar personajes desagradables que en vez de provocar gracia provocaban ira (al menos para mi).
Una estas series fue Aida, la cual contaba las vivencias y desventuras de los vecinos de un barrio madrileño de clase baja. La serie no era perfecta, pero una de sus virtudes era que evitó en todas sus temporadas que no me diese ganas de degollar a los protagonistas a pesar de que gran parte de ellos eran gente muy mezquina.
Y es que, al contrario que en otras series españolas, los personajes malos de Aida tienen unas cualidades distintivas que evitan este problema:
Gracia
Al contrario de otras series, en la que lo gracioso se supone que era lo viles que eran los personajes, los personajes están caracterizados para que resulten graciosos de verdad.
Por ejemplo, Mauricio Colmenero es básicamente todo lo malo en un español de derechas, pero exagerado de tal manera para que sea una fuente de humor negro. El Luisma es un aprovechado chaquetero, pero lo que se supone que tiene que resultar gracioso de él es lo mentecato que es.
Justicia
Al contrario que la abominación de La que se avecina, cuando los personajes hacen algo vil y despreciable, los otros personajes no ignoran sus maldades; al contrario, se enfadan por ello y se aseguran de hacerles pagar un castigo justo.
Incluso cuando los otros personajes no hacen nada para pararles o no tienen éxito, los planes de los malos se frustran o por un error propio, o porque al final no consiguen el objetivo que buscaban o incluso porque se arrepienten.
Trasfondo
Un buen elemento de la serie es que deja claro porque sus personajes actúan así, en vez de ser simplemente malos.
Por ejemplo, el carácter grosero de Eugenia García se debe a la frustración por haber tenido que abandonar su carrera como vedette, carrera que apenas nadie recuerda, para criar a una hija cuya relación empeoró al extremo de que esta se marchase de casa.
Si bien esto no sirve para justificar sus actos, si explica porque hacen esas cosas y permite generar empatía hacia ellos.
Evolución
En la serie, los personajes no se mantienen de la misma manera. Experimentan cambios en su vida desde el principio hasta el final de la serie.
Pero al contrario que la abominable La que se avecina, que por muchas circunstancias que pasasen los personajes nunca cambiaban, en Aida los personajes tienen un desarrollo y una evolución.
El ejemplo más obvio es el Luisma, que empieza la serie siendo un holgazán irrespetuoso con las mujeres y termina la serie siendo el jefe de su propia empresa y más educado con las mujeres.
Complejidad y matices
Algo en lo que la serie hace un buen trabajo es dejar claro desde el principio, aunque sus personajes pueden llegar a ser bastante viles, no son irremediables.
Queda bien claro que por muy malos que sean en el fondo se preocupan por sus familias y sus amigos, aunque no siempre lo muestren. De hecho, en más de un capítulo, incluso el más egoísta de estos es capaz de hacer algo noble y desinteresado sin ser forzado a ello.
Esto no solo hace su comportamiento más tolerable, también los hace más complejos e interesantes como personajes.
Conclusión
Bueno, con esto se acaba la clase sobre como evitar hacer un personaje odioso por accidente. De nada por el consejo y nos vemos la siguiente semana.
Como hacer un personaje desagradable por accidente
Un error común que cometen los escritores de ficción es hacer sin querer un personaje que la audiencia odie. Un ejemplo de esto es la película española del año 2002, El embrujo de Shanghái.
El principal problema de esta película es que su argumento no sabe centrarse. Pero el segundo principal problema que tiene esta película es uno de sus personajes principales, una adolescente enferma por algo que no recuerdo.
La película claramente intenta que se sienta simpatía hacia ella, pero falla porque la forma en la que está escrita hace que la odies.
Para empezar ya en su primera escena trata al protagonista de forma muy condescendiente nada más verle, y sigue actuando de esa forma, incluso cuando se supone que están forjando una amistad.
Y las cosas van de mal en peor. En una escena posterior su madre se pone a llorar delante de ella, y ese demonio se atreve a enfadarse con ella por llorar. Pero lo imperdonable es que luego tira un dibujo que había hecho el protagonista para ella y luego deja sin remordimiento que otra persona lo maltrate y le rompa ese dibujo.
La película intenta justificar su actitud conque su padre la abandono por problemas con el régimen franquista, pero esto es insuficiente por una razón.
Usare como ejemplo una película británica que, por casualidad, vi días después de ver esta, El jardín secreto. Ahí también salía un niño enfermo con uno de sus padres fuera de su vida y que también era desagradable con todo el mundo. Sin embargo, en esta película ese chico no me resultaba desagradable.
¿El motivo? Pues al contrario que en la película española, los demás personajes se enfadaban con la actidud de ese mocoso y parte de la película se centraba en hacer que este cambiara para mejor.
Para que un personaje genere empatía a la audiencia no es necesario que sea alguien tan bueno como Gandhi. Se le pueden dar defectos, pero estos tienen que ser tenidos en cuenta en la historia como algo malo, no ser ignorados y esperar que aceptemos que es así por algo malo en su vida.
Esta es la principal razón por la que la adolescente de El embrujo de Shanghái falla. Ni la historia ni los personajes tratan el carácter de la adolescente como algo malo que ella debe corregir, y por eso resulta desagradable como personaje.
Tener en cuenta los defectos de los personajes en la historia es la principal clave para evitar este clásico error. Aunque no es el único método, pero ya hablare de estos la siguiente semana cuando analice una popular serie española.
Spoof made in Spain
El subgénero de la comedia conocido como película de parodias es un subgénero que alcanzo su gran apogeo a durante los 70 y 80 gracias a genios como Mel Brooks y los hermanos Zucker y murió indignamente durante la década de los 2000 por gente que buscaba imitar de mala manera a Scary Movie.
De esta colección de imitadores, quizás el más raro sea Spanish Movie.
Lo primero, es el único imitador de Scary Movie no hecho en Estados Unidos. Lo segundo, en vez de parodiar un género como la mayoría de las películas de parodia está parodia el cine español en sí; cualquier película española de principios de los 2000 y finales de los 90, da igual él género que sea, está incluida aquí (excluyendo comedias, porque obviamente sería redundante).
Por suerte para todos los españoles, de todas las imitaciones de Scary Movie está es de las dos que no son malas, al menos de las que he visto.
Para darle crédito, aunque apenas hay relación entre las películas que está parodiando evita el clásico problema de las malas parodias de pensar primero las referencias y luego los chistes en el último minuto. Claramente los creadores de Spanish Movie se molestaron en darnos chistes que no solo llegan a ser bastante hilarantes, algunos hasta llegan a ser bastante inteligentes.
El estilo de humor es una combinación de todos los usados en la historia de la parodia: humor negro, humor absurdo, chistes visuales y humor vulgar (el más mediocre de todos). Lo más destacable sería la caracterización de los personajes, similar a mis comedias favoritas de la historia gran parte de la gracia viene por la forma de actuar de los personajes.
En cuanto la historia, puedo decir que esta bien. No es la gran cosa, pero al menos generalmente avanza a su ritmo y da un buen cierre a todas sus subtramas. Lo más notable son los giros al final de la película, los cuales no solo estaban bien presagiados, sino que inesperadamente da un poco de sentido a las absurdeces de la trama.
Hay otros dos últimos elementos destacables. La película tiene una personalidad única que la hace distinguible del resto de parodias estadounidense; y no podíamos olvidar el cameo de Leslie Nielsen, el mejor actor de este subgénero, en una escena que referencia su primer papel paródico.
A ver, ahí chistes que no terminan de funcionar y a pesar de sus momentos hilarantes no alcanza a los genios que fueron Mel Brooks y los hermanos Zucker. Aún así, es muy divertida de ver, aunque sería recomendable ser español o tener un leve conocimiento de la cultura audiovisual española para disfrutarla mucho más.
Top Saga del Infinito cuarta parte
Muy bien, chicos, acabamos de llegar a la cuarta y ultima parte del top.
Ahora nos toca revisar las cinco magnum opus de esta saga, las mejores películas de la franquicia, al menos durante la saga del infinito.
5. Vengadores: Endgame
La épica conclusión de la historia de los Vengadores originales, que se asegura de no dejar ningún cabo suelto y arco sin resolver.
Cuando oí que la película iba a hacer un timeskip de cinco años y usar viajes en el tiempo creí que no iba a funcionar. Pero el primero da más peso al fracaso que los Vengadores están intentando redimir y el segundo está hecho de forma creativa y original, evitando que resulte decepcionante su uso.
Además, como no podía olvidar que está película tiene una de las batallas finales más épicas de la historia del cine, especialmente la forma en la que la mayoría de los participantes de esta entran a ella.
4. Capitán América: Civil War
Película que explora de forma realista las consecuencias que podría tener la aparición de superhéroes, ya sea por cómo reaccionan los gobiernos a estos o el daño colateral causado por las batallas entre héroes y villanos.
La película también explora un conflicto que muy pocos blockbusteres exploran: que los propios aliados se pueden poner en nuestra contra por desacuerdos o errores que cometamos.
3. Black Panther
La película tiene lugar en un lugar fantástico visualmente atractivo con elementos inspirados en culturas africanas. Aun así, también se las apaña para encajar una temática social relacionada con la opresión hacia las minorías y un conflicto sobre sí un gobierno debería aislarse del mundo o buscar la cooperación internacional.
Lo más destacable de esta historia es su villano. Es de esos que puedes empatizar con el y entender sus razones, pero al mismo tiempo ves porque sus planes deberían ser detenidos.
2. Vengadores: Infinity War
La película que desde Los Vengadores llevaban anticipándonos, y vaya que no decepciono por más que creía algunos desconfiados.
Está película es la que volvió a Thanos no solo el mejor villano del UCM, sino uno de los más icónicos del cine actual. Tiene todo lo bueno que puede tener un gran villano: excelente diseño, gran caracterización y desarrollo; es lo suficientemente poderoso para que resulte una amenaza, pero al mismo tiempo haya esperanza de poder derrotarlo y sus acciones como villano tienen gran relevancia para la historia de esta franquicia.
Pero el motivo por el que está película se grabó en nuestra memoria es por lo chocante que es el final. O sea, muchos esperábamos algo extremo para esta película y aun así nos resultó impactante a todos como acabó.
1. Capitán América: El soldado de invierno
Está película es la combinación de todos los mejores elementos del UCM: elementos más extravagantes de los comics adaptados de forma que se puedan tomar en serio, personajes interesantes e identificables, villanos con motivaciones interesantes, conflictos más complejos que simplemente la lucha del bien contra el mal y excelente vestuario.
Pero lo más destacable de esta es que es la primera vez que el UCM se atrevió a hacer un giro que rompiera con el canon de los comics. No es que hubiera cambios antes en el UCM y otras películas de superhéroes, pero estos eran normalmente para que funcionasen como película o para adaptarlo a un entorno actual.
Aquí decidieron dar la vuelta por primera vez a lo establecido por las historietas y dar un giro que cambiase lo establecido en la franquicia. Las siguientes películas con un giro así (para bien o para mal) se lo deben a esta película, que se atrevió a salirse de lo establecido por las obras originales, lo que pocas adaptaciones se han atrevido a hacer, y mucho menos han tenido éxito (la peor película de esta saga es un ejemplo de cómo se puede hacer mal).
Bueno, ya hemos acabado. Seguramente no tardé en volver a hablar sobre Marvel, pero hasta entonces quiero dedicarle tiempo a la cultura audiovisual española, que hace tiempo que no hablo de ella.
Nos vemos la siguiente semana.
Top Saga del Infinito tercera parte
Bienvenidos a la tercera parte del top.
Como dije, ya estamos en lo bueno, es decir, las películas buenas de este universo. A partir de aquí empiezan las que en mi opinión son imprescindibles de ver para entender porque este universo cinematográfico ha triunfado tanto.
11. Ant-Man y la Avispa
Secuela que mantiene todo lo positivo de la anterior y arregla los problemas anteriores.
El villano copia de el de Iron Man es sustituido por una villana más interesante tanto en poderes como en motivación.
Además, la trama aporta cierta frescura al ser su argumento una persecución por un macguffin en vez de una lucha entre buenos y malos.
10. Spider-man: Homecoming
La película aporta una perspectiva de este universo desde la clase trabajadora, lo cual, teniendo en cuenta que Spider-man ha sido retratado como un héroe de esa clase es una buena forma de introducirlo en este universo y que destaque del resto que normalmente tienen que salvar el mundo.
La película hace un excelente trabajo en adaptar Spider-man al siglo XXI, mostrar realistas preocupaciones de un adolescente, y en darnos un villano interesante al que nuestro héroe debe enfrentarse.
9. Capitán América: el primer vengador
Cautivadora historia sobre un hombre luchando por hacer algo por arreglar el mundo a pesar de que las circunstancias rara vez están a su favor.
La película hace un excelente trabajo dándole seriedad a un personaje considerado ridículo a veces. Otro elemento que al menos a mí me gusto fueron los villanos de esta película, los cuales son entretenidos de ver.
8. Iron Man
Otra cautivadora historia, esta vez sobre un hombre egoísta que ve en primera persona el mal que ha causado accidentalmente y decide cambiar para mejor.
Lo destacable en esta película es tu tono crudo y realista. Casi a veces parece que estamos viendo un superhéroe enfrentándose a una autentica célula terrorista.
7. Guardianes de la Galaxia
Película que aporta un toque único al UCM. El UCM generalmente no ha destacado por trabajo artístico notable, pero cuando encuentran a un director que puede darle un toque único a una película se nota.
Excelentes elementos aportados por el director de esta película, James Gunn son un mundo visualmente colorido y un equipo que llegamos a conocer con precisión como es cada miembro.
6. Guardianes de la Galaxia Vol. 2
Básicamente todo lo bueno de la película anterior en partida doble.
Pero no es lo único que nos ofrece. Entre sus nuevas aportaciones destacan personajes con capas, en la que personajes que al principio parecían gente vil termina habiendo bondad en ellos, y gente que parecía buena terminan siendo viles demonios.
Algo también destacable es el villano, el cual aporta un concepto muy original para una película de superhéroes y sirve como una excelente deconstrucción del concepto del elegido para un gran propósito.
Bien, aquí terminamos. No vemos la próxima semana, cuando terminare este top con las 5 mejores de esta franquicia.
Top Saga del Infinito segunda parte
Bienvenidos a la segunda parte de este top de Marvel.
Para esta parte vamos a hablar de las películas decentes; es decir, las películas que no tienen suficientes errores para ser consideradas malas, o las que no tienen errores pero no son muy destacables.
17. Ant-Man
La película es bastante divertida. Es interesante como planean el robo, los personajes y su desarrollo están batante bien, usa de formas muy creativas los poderes del héroe y tiene una divertida escena con un miembro de los Vengadores.
Sin embargo, la película peca de ser similar a la trama de Iron Man: un empresario segundo al mando de una compañía busca usurpar el puesto de uno de los héroes para vender armas y se hace con una versión más potente del traje del héroe para el clímax.
Otro pecado que comete es un cliché muy habitual últimamente en el cine: hacer un plan muy complejo que parece inteligente, pero si lo piensas era más idiota que haber hecho algo más simple. El problema con la policía durante la película nos lo podríamos haber ahorrado si Hank Pym simplemente se hubiera acercado a Scott para ofrecerle un trabajo.
16. El increíble Hulk
Está película no es muy destacable. Su argumento es el estándar de una película de superhéroes: individuo adquiere poderes que le causa problemas en su vida, especialmente con su interés amoroso; aparece un villano que recibe poderes durante la película y el héroe debe detenerlo en una épica pelea.
No hay gran novedad en la formula aparte de que el protagonista es un fugitivo que huye del ejército. Aunque para darle crédito el interés amoroso es un personaje más interesante y útil que la que suele haber en este tipo de tramas.
15. Thor
Al igual que la anterior está no destaca mucho. El mundo fantástico está bien pero no es muy destacable y pasa bastante tiempo en la tierra de todos modos para que deje una impresión.
Aun así, hay que destacar el desarrollo de personajes. Especialmente del protagonista y del villano.
14. Doctor Strange
Al igual que Ant Man la historia se parece un poco a la de Iron Man, está vez en la parte en la que un cretino arrogante tiene una experiencia que lo hace pasar por un infierno personal que lo vuelve mejor persona y le da nuevas habilidades.
Aún así, consigue ser algo destacable por su mundo fantástico. Los realizadores aprovechan el presupuesto y el hecho de que la magia y la fantasía no tienen limites para dejar sin ataduras a su imaginación.
13. Thor Ragnarok
El principal problema de está película: la comedia.
Yo no tengo problemas con la comedia, pero esto es una película sobre un apocalipsis en la que se mueren personajes que conocíamos desde la primera película, por lo que no encaja del todo bien con el argumento. La película debería al menos haber tenido un balance entre el drama y la comedia.
Aún así, no puedo negar que los dos principales villanos son entretenidos de ver, cada uno por distintas razones. Pero lo que más destaco es la estética del mundo de la película, que le da un toque más original y llamativo a una saga de fantasía en la que sus mundos fantásticos eran o decentes o aburridos. Todo acompañado de una dirección que da imagenes bastante memorables.
12. Los Vengadores
Francamente, se nota que es la primera película en la que el equipo fue presentado. Claramente se centraron en la interacción entre estos personajes, lo que deja a la historia un poco floja. Es simplemente una película de una invasión extraterrestre protagonizada por superhéroes.
De todos modos, la interacción entre los titulares Vengadores es lo suficientemente interesante para mantener el interés, incluso aunque ya la novedad de verlos juntos hace años que se perdió. Todo personaje tiene un momento para brillar en la historia; bueno Ojo de Halcón les faltó, pero ya han compensado ese error.
Algo que quiero destacar es la forma en la que está planteado el conflicto. Mucha gente alaba a Loki como él primer gran villano del UCM, pero no mencionan que funciono porque el conflicto con los héroes, no solo con su hermano Thor, se desarrolló de forma que fuera personal para todos los integrantes del equipo y así su derrota fuera una satisfactoria resolución al final de la historia.
En fin, con esto ya acabamos, la próxima semana viene lo bueno, y nunca mejor dicho.
Top Saga del Infinito primera parte
Muy bien chicos, hora de servir un plato fuerte.
Y es que vamos a hacer un top de peor a mejor de la Saga del Infinito, la lista de películas del UCM que van desde Iron Man y terminan, por una extraña razón, en Spiderman Far From Home.
Pero como son 23 películas no tengo más remedio que dividirla en 4 partes, así que durante un tiempo voy a estar muy pesado con Marvel, lo siento para quien no le guste el tema.
Además, esta vez no hare reseñas de las series de televisión que salieron durante este periodo porque apenas las vi y jamas llegué a terminar ninguna. De todos modos, tampoco estaban muy conectadas con las películas.
Muy bien, comencemos con las 6 peores:
23. Iron Man 3
El hecho de que un villano presentando de forma intimidante y genial acabara siendo un bufón controlado por un villano con una motivación demasiado infantil para tomársela en serio por desgracia no es lo único malo.
Aparte de que el villano comete la tactica malvada más estupida de la historia (perder el tiempo torturando al héroe cuando podía estar llevando a cabo su plan maestro), el argumento hace parecer a Iron Man un idiota a la hora de hacer armaduras y planear una defensa.
Lo peor de todo es el clímax. No tiene ningún sentido como se ejecuta, es demasiado obvio que Iron Man no se va a retirar como nos intentan hacer creer, y encima intenta hacer más idiotas las otras dos anteriores de Iron Man al ver que el protagonista podía quitarse el reactor ARC del cuerpo sin problemas.
22. Iron Man 2
Está es básicamente la más aburrida de la saga. La mayor parte del argumento no son más que discusiones y charlas bastante planas que al final no llevan a nada.
El villano parecía interesante, pero por desgracia el argumento no le deja hacer nada interesante y queda tan aburrido como el resto de la historia. Hasta las peleas son aburridas y olvidables.
21. Capitana Marvel
El gato y la investigación sobre los orígenes de la protagonista es lo único bueno de esta película.
La titular capitana Marvel tiene el honor de ser la peor protagonista de esta franquicia que he visto. No tiene un arco interesante como el resto de protagonistas, y encima tiene el mismo problema que Aslan, es demasiado poderosa.
No ayuda que en esta película fue cuando se consolidó a los Kree como uno de los peores villanos del UCM. Todos los Kree con nombres son villanos más sosos y olvidables que un cacho de hierba.
20. Thor: El mundo oscuro
Lo único bueno es el personaje de Loki, lo demás es o mediocre o aburrido.
Está película pasa demasiado tiempo en la Tierra con personajes secundarios que no nos interesan en vez del mundo fantástico que queremos ver.
Aunque los elementos fantásticos terminan siendo muy planos y aburridos de todos modos, así que aquí no gana nadie salvo fans de Loki.
19. Spiderman: Lejos de casa
La gente decía que era de las mejores de Spiderman, yo debo estar en desacuerdo.
Una crítica común al Spiderman del UCM es la inclusión de Iron Man como mentor. Esto para mí no era un problema ya que las películas mostraban a Spiderman con su propia vida y dejaban claro que iba a seguir propio camino. Aquí se olvidan de esto y dicen que Spiderman es el sucesor de Iron Man y debe seguir su legado, quitandole agenda al personaje.
Otro problema es que el villano tiene la misma motivación que el villano de la película anterior. Pero lo peor es la trama de las gafas controla-drones, que vuelve a mostrar a Iron Man como un idiota por darle un arma tan poderosa a un adolescente inexperto para tal responsabilidad.
Si no fuera por estos elementos la película tendría un ranking más alto. Suerte que la siguiente película decidió no seguir con lo del legado de Iron Man.
18. Vengadores: La Era de Ultrón
El problema que tiene está película es el titular villano: Ultrón.
A simple vista es un villano intimidante, pero comete demasiados errores clásicos de villano que le quitan la amenaza. Desde perder el tiempo torturando a los héroes hasta el clasico capturar a uno para contarle su plan malvado y encerrarlo en vez de matarlo.
Aparte de esto la película también pierde mucho el tiempo presagiando futuras películas, lo cual lo hace de manera forzada y poco sutil.
Bueno, se acabó por hoy. Ya continuaremos más tarde con las decentes.
Superlópez, un comic distinto
De todos los comics que forman parte de la colección de Magos del Humor quizá el más curioso sea el llamado Superlópez, creado por el historietista Juan López, más conocido como Jan.
Y es que lo que a simple vista parece una parodia de Superman tiene más capas de lo que aparenta a simple vista que lo hace un comic único.
Referencias profundas
No es de extrañar las obras de ficción que hacen referencias a otras obras de ficción, y los comics humorísticos no están exentos de esto.
Jan va más allá a la hora de hacer referencias. Lo primero es que prefiere referencias literarias, mitológicas e históricas sobre las habituales referencias al cine. Lo segundo es que se puede notar que las ha investigado concienzudamente. Un ejemplo sería la historieta La caja de Pandora, en la que se representa con mucha exactitud a la mayoría de los panteones de las religiones antiguas.
Construcción de mundos
Las aventuras de Superlópez le ha llevado a visitar diversos y originales mundos, cada uno con su respectiva personalidad y características.
Claro que están creados con intenciones humorísticas, pero aún así hay que darles créditos por tener más atención al detalle que lo que encontrarías en otro comic humorístico español.
Desarrollo de personajes
Una diferencia sutil pero aún así visible del resto de personajes de Magos del Humor es que no todos los personajes se mantienen constantes durante la trayectoria del comic, evolucionando en mayor o menor medida.
Un ejemplo es Jaime González, compañero de oficina del protagonista en su identidad secreta que pasa de rival a amigo. O los dos secundarios llamados Marta Hólmez y Chico Humitsec, que empiezan siendo unos delincuentes, hasta que se reforman y se vuelven amigos de Superlópez.
Temática social
Irónicamente, Superlópez es el superhéroe más cercano a la realidad que jamás ha existido.
Muchos superhéroes que han querido tocar una temática social, siempre lo han hecho de forma metafórica o alegórica la mayoría de las veces.
Jan pasa de alegorías y no tiene ningún problema con que su personaje se enfrente a políticos corruptos, yihadistas, ultras, explotadores infantiles, etc.
Incluso obras más fantásticas siempre acaban teniendo una temática social. Siendo un ejemplo Los cabecicubos, en la que lo que empieza como una pandemia en la que la cabeza se vuelve cuadrada termina convirtiéndose en una crítica sobre como los movimientos políticos radicales pueden perjudicar a la sociedad.
El problema con Aslan
(Aviso: fanáticos y fundamentalistas religiosos eviten leer la entrada que va a comenzar a continuación por sí las moscas)
De niño solían gustarme las películas de Las Crónicas de Narnia. A fin de cuentas, tenían dos de las cosas que más me flipaban de niño: animales parlantes y seres fantásticos. Pero ahora que he crecido y mi criterio se basa en cosas más objetivas he notado un problema con su personaje más icónico: Aslan.
Aslan en si incumple una regla no escrita muy importante en la ficción: las fuerzas del mal siempre deben tener al menos una ventaja, ya sea física o psicológica, sobre las fuerzas del bien, o como mínimo ambas fuerzas deben estar igualadas. La razón de esta norma es fácil de explicar, si los buenos pueden ganar a los malos sin problema alguno, la película carece de intriga e interés, incluso aunque en las películas la mayoría de las veces los buenos ganan, su victoria no se siente merecida sino existía la posibilidad de que los malos ganasen.
Aslan, al ser básicamente Jesucristo en versión felina y si no fuera un proto-hippie pacifista, tiene poder ilimitado que hace que al aparecer en el clímax de las películas básicamente signifique que los malos han perdido y no tienen ninguna oportunidad de ganar.
Esto quita emoción a toda la película, especialmente las batallas finales de las dos primeras películas que siempre ocurren porque Aslan no está presente por una excusa aleatoria, lo cual hace la batalla completamente inútil cuando aparece.
Pero lo peor es que Aslan hace a los protagonistas irrelevantes para la trama. Esto es especialmente malo en la primera porque el eje central es una profecía de que los 4 protagonistas van a ser clave en acabar con el reinado de la Bruja Blanca, pero al final no hacen absolutamente nada y es Aslan quien acaba con la bruja, lo cual hace a los 4 irrelevantes y todas sus aventuras al final parecen no haber servido para nada. Lo mismo pasa con la segunda película.
Generalmente no hay ningún problema si el protagonista no es el héroe más poderoso de la historia, pero debe haber cierto balance. En Harry Potter, por ejemplo, Dumbledore es el mago más poderoso del lado de los héroes, pero la narrativa siempre se asegura que lo que hace Harry es relevante en la historia.
En mi opinión, Aslan habría funcionado mejor si fuera una figura misteriosa que no interviene directamente en el conflicto pero ayuda indirectamente, algo similar a como sucede en otras obras fantásticas en la que aparecen dioses benignos en el argumento. De hecho, en la tercera película y en otros libros de Narnia hacen exactamente eso, lo que significa que hasta el mismo autor se dio cuenta del problema, pero ya era tarde.
En fin, la moraleja de la historia es: porque la historia de un individuo haya inspirado una religión entera, no es una buena idea incluir un personaje inspirado en él como secundario a no ser que tengas idea de cómo hacerlo funcionar.
Porque La que se avecina es una abominación
He oído que la serie española conocida como La que se avecina va a finalizar tras más de 10 temporadas. La verdad, cuando eso llegue el sol volverá a brillar en España.
La serie tenía momentos graciosos, pero tenía un elemento muy repugnante: sus personajes.
Hay muchas comedias que usan personajes antipáticos y desagradables como fuente de humor negro. Pero los guionistas de esta serie debieron pensar que personajes desagradables era igual a personajes hilarantes. Debido a esto la serie está llena presenta personajes tan viles y despreciables, que la única alegría que me darían sería que estuvieran en Parque Jurásico y les devorasen velociraptores.
Entre estos “simpáticos” personajes podemos encontrar la pareja conocida como Los Cuquis, los cuales son un dúo de inmaduros que solo les importa hacer el amor y estar a la moda, incluso cuando han perdido la casa y la custodia de sus hijos y se supone que quieren recuperarlos. La fanática religiosa esposa de Antonio Recio (el único que si es gracioso), la cual secuestra a una niña para que la bauticen y luego intenta separar a un niño de su madre porque este es el bastardo de su marido. Judith Becker, que para evitar tener un hijo finge estar embarazada y luego hacer creer a su marido que lo ha perdido, ¿queréis saber lo que los anglosajones llaman a hacer algo así? Gaslightning, un tipo de ABUSO PSICOLÓGICO; y luego cuando su marido, de forma comprensible, se marcha, esta tiene el valor de pedirle el divorcio con la amenaza de quitarle el hijo. Hilarantes, ¿no? Pues esperar que os hable de la divertida ancianita psicópata que incrimina a su vecino porque se quejaba de que hacía ruido y luego se revela que también comete Gaslightning con su hijo para que este no tenga ninguna relación y solo le preste atención a ella.
¿Pero queréis saber que es lo peor de esto? La forma en que la serie trata sus acciones. En otras obras de ficción mejor escritas acciones como estas los tratarían como crímenes imperdonables, y nadie querría tener nada que ver con esa gentuza.
Pero no aquí, en Montepinar nadie tiene problemas con convivir y hasta tratar como amigos a gente más vil que Dolores Umbridge que las han hecho daño personalmente con actos por los que más de uno deberían estar en prisión. La victima de Judith en el juicio tiene simpatía por ella y la deja mantener al niño cuando alguien con cerebro habría pedido una orden de alejamiento contra ella. ¿Y la anciana psicópata? No pasa nada, la tratan como una vecina más, y cuando se descubre lo que hace con su hijo nadie tiene ningún problema, e incluso lo intentan negar solo para que se vaya unos días, lo cual encima es estúpido porque si pueden demostrar sus acciones la llevarían a la cárcel y se librarían de ella de por vida.
¿Cómo puede existir una serie así? Pues la verdad, en España no era muy raro, al menos durante los 2000 y los 2010, series que presentaban personajes que claramente cruzaban líneas imperdonables por razones egoístas y mezquinas, pero luego la serie lo trataba como si no hubiera ocurrido, y lo peor es que encima no daban ni una pizca de gracia. La que se avecina es básicamente el mayor extremo al que esta costumbre ha llegado. Esto parece ser menos común en series españolas actuales, y la verdad, estoy agradecido.
Visión sobre España
Supongo que ya saben como va esto, primero hago una entrada relacionada con la cultura española y luego hago otra entrada relacionada con la cultura popular en general.
Esta vez, le vamos a dar una vuelta a la tortilla y voy a hablar de como la cultura popular ve a la cultura española, hablando sobre los elementos más asociados a los españoles.
La Conquista de América
Esta es la parte más polémica de hablar, así que mejor nos la quitamos cuanto antes.
Este periodo histórico está marcado por lo que llaman la Leyenda Negra, una invención de escritores británicos que nos hacia ver al Imperio Español como unos proto-nazis, cuando en realidad nos acercábamos más a lo que hacía el Imperio Romano. Por desgracia, hay mucha gente que se cree algo que nunca pasó.
Generalmente, no tengo problema con licencias históricas en películas; pero debido a que a nuestra cultura la llevan años echando pestes, incluso por españoles catetos, por cosas que nuestros ancestros nunca hicieron, puedo ponerme un poco sensible con el tema.
Aunque, teniendo en cuenta que fue una invasión y les impusimos nuestra cultura, no tengo ningún problema en que usen a conquistadores españoles como villanos en películas. Mientras no los retraten como genocidas, no se llevarán un 0 en historia.
Andalucía es toda España
Algo muy gracioso, es que todos los estereotipos de España vienen de Andalucía. Y digo todos sin exagerar: la arquitectura, vestimenta y tradiciones andaluzas son básicamente como los extranjeros se imaginan a España en general.
¿Por qué? Creó que Andalucía es la región de España más llamativa para el resto del mundo. Pensadlo bien, los vestidos tradicionales, la arquitectura mezcla de varias culturas, … es imposible que algo así no atraiga a turistas interesados en lugares exóticos.
Toros y jamones
Ah, sí, el toro, el animal más asociado a España. La razón es porque las corridas de toros y en menor medida San Fermín, son las únicas tradiciones no andaluzas que han llamado la atención al resto del mundo, y de hecho es lo primero en lo que se piensa al mencionar España.
Otro animalito asociado a España en menor medida es el cerdo, o al menos el jamón que se hace con él. Supongo que porque el jamón ibérico es una de las principales importaciones españolas.
Españoles interpretando a latinos
Es bien sabido que gran parte de la gente de Sudamérica tiene antepasados españoles.
Aun así, latinos y españoles son grupos étnicos distintos. Por lo tanto, es raro cuando un actor español interpreta a un personaje que se supone que es latinoamericano. Esto no es muy común, pero sucede las suficientes veces para poder mencionarlo, sobre todo le ha pasado mucho a Antonio Banderas.
No he oído nunca quejas sobre esto, aunque seguramente es cuestión de tiempo que alguién proteste sobre ello.
El galán hispano
Este es el único tópico que compartimos con los latinos.
El galán hispano es un arquetipo consistente en un hombre de un país hispano (o de un páis ficticio inspirado en uno hispano en obras de fantasia) el cual es retratado como sensual, carismático y honorable a la hora de enfrentarse a sus enemigos. Generalmente es caracterizado como un rebelde enfrentado a la autoridad, capaz de conquistar a muchas mujeres y su arma predilecta tiende a ser la espada.
A mi me parece gracioso este arquetipo porque ya sabéis que los españoles no nos vemos así de geniales ni de lejos. Aunque bueno, mejor esto que nos vean de forma más negativa.
Cine familiar y su necesidad en España
En mi primera entrada en este blog ya hace meses, en la que hablaba sobre la mala imagen que tenía el cine español, sugerí que para combatir los prejuicios se debería hacer más películas familiares.
Seguro que muchos al oír la expresión cine familiar pensaran en películas para niños. Sin embargo, hay una diferencia entre entretenimiento infantil y entretenimiento familiar.
-La escritura del infantil solo se va a centrar en poner cosas que atraigan a los niños: slaptick, animales parlantes, y en algunos casos robots ninja. La historia nunca va a estar bien desarrollada, estando llena de clichés y de cosas sin sentido.
-Por otro lado, la escritura del familiar incluye elementos que atraen a los niños, pero se molesta en contar una historia coherente, original e inteligente. Otro detalle es la inclusión de elementos que solo los adultos pillan, normalmente.
Un buen ejemplo de esto es Shrek. La película tiene personajes graciosos, aventuras e incluso acción en algunos momentos. Sin embargo, todo va acompañado con un buen desarrollo de personajes y una excelente historia de amor.
Ahora bien, ¿Cómo hacemos esto en España? Pues no muy bien.
Casi toda película española no dirigida a públicos adultos siempre es muy infantil. Alguna se salva de la etiqueta de infantil, pero son demasiado escasas.
Varios ejemplos:
-Justin y la espada de valor: película animada que abusa de alivios cómicos innecesarios, más de uno que ya se ha visto en otras películas animadas.
-Los Rodríguez y el más allá: película que incluyen elementos guais como superpoderes y gadgets futuristas, pero con una historia mal desarrollada.
-Tadeo Jones 2: la 1 es pasable, pero el argumento de su secuela abusa demasiado de los clichés, lo que la vuelve muy predecible y, por lo tanto, más olvidable.
Que haya más películas infantiles españolas que familiares es un problema. Si solo hacemos cine infantil mientras que otros países como Estados Unidos, Japón y Gran Bretaña desarrollan cine familiar lo único que conseguiremos serán películas que, si bien los niños pueden pasar un buen rato, al final luego se olvidan y no vuelven a pensar en ellas mientras que recordaran las de estos países por muy largo tiempo, lo que los atraerá más a sus historias.
¿En serio pensabais que Hollywood tiene tanta influencia solo por efectos especiales? Hollywood desde sus inicios se ha molestado en que sus películas tuvieran gran calidad, incluso aunque técnicamente fuesen para niños. Por eso se debe dedicar tiempo y esfuerzo a cada historia, no importa el tipo de público al que vaya dirigida.
El día en que el anime ganó
(Ojo, Spoilers)
Entre fans de la animación existe en algunos sectores cierta rivalidad entre la animación japonesa conocida popularmente como anime y la animación predominantemente estadounidense conocida popularmente como dibujos animados.
Personalmente yo no tengo preferencias, cada uno tiene defectos y virtudes. Pero quiero entender el porqué de este conflicto, y para eso voy a comparar un anime y un dibujo animado, debido a que he notado ciertas similitudes en su desarrollo.
-El dibujo animado es una serie del 2015 llamada Star contra las Fuerzas del Mal, la cual trata sobre las aventuras una princesa mágica de otra dimensión que mandan a la Tierra para que aprenda a controlar sus poderes.
-El anime se conoce como Fairy Tail, es un anime que va sobre las aventuras de un gremio de magos que se gana la vida haciendo trabajos por encargo. Está parte va a ser un poco rara, porque no voy a comparar la serie entera, voy a compara un arco en el que los protagonistas viajan a una dimensión alternativa llamada Edolas.
Similitudes
Tanto Star contra las Fuerzas del Mal como el arco de Edolas muestran una dimensión regida por una monarquía.
En esta dimensión la principal autoridad lleva años monopolizando la magia para tener oprimida a un sector de la población, lo que no gusta a un joven miembro de la realeza.
Casi al final los villanos arman un complot, el cual busca el exterminio de unas criaturas que cohabitan la dimensión.
Debido a esto, el joven miembro de la realeza queda desilusionado y decide que para evitar más daño la mejor solucion es desvanecer la magia.
Buen desarrollo, mal desarrollo
En el anime el tema del abuso de la magia queda bien establecido. El arco justo arranca porque en la otra dimensión capturaron al gremio entero y lo convirtieron en cristales de energía para usarlos como energía mágica. Y durante todo el arco se ve los extremos a lo que la monarquía llega para acaparar toda la magia posible.
En el dibujo, por el contrario, la magia no empieza como algo negativo, en el peor de los casos los seres mágicos son insoportablemente excéntricos. La serie parece centrarse más en el conflicto contra los monstruos y como al parecer la razón puede ser años de segregación e intolerancia contra estos.
Es en la tercera temporada cuando la magia se presenta como algo negativo, y es porque los seres mágicos que regulan la magia en el multiverso han hecho todo lo posible para mantener una sociedad injusta contra los monstruos porque los odian. Lo cual, es un giro muy estúpido.
En otras obras de ficción como X-men y Harry Potter está claro porque hay un prejuicio contra ciertos individuos. En Star contra las Fuerzas del Mal no se explica porque estos tipos odian a los monstruos, y son lo que menos sentido tiene que los odien, literalmente uno de ellos es un ente señor del espacio-tiempo que puede ver dimensiones y realidades alternas en la que existen toda clase de criaturas, es poco creíble que alguien así sea racista contra unos individuos de una dimensión especifica.
Como finalizan ambos
Para solucionar el problema en la serie animada, la protagonista literalmente comete genocidio. Lo dijo en serio, matan a todas las criaturas mágicas a pesar de que solos dos que han aparecido en la serie eran malas. En el anime no son tan crueles, los seres mágicos simplemente son trasladados a la dimensión donde sucede el resto de la serie, nadie es cruelmente asesinado por algo que hicieron dos individuos de su misma especie.
Y el final demuestra claramente quien tiene mayor calidad, en Star contra las Fuerzas del Mal pasan por alto las acciones de la protagonista a pesar de que ha causado una matanza igualable a la de Thanos, por no mencionar las repercusiones secundarias, ya que la magia era algo fundamental en la mayoría de dimensiones.
En Fairy Tail es todo lo contrario. Ya cuando está haciendo desaparecer la magia, el responsable dice a su amigo que le van a odiar por esto y que probablemente deba morir para evitar que el reino caiga en el pánico; de hecho, el último acto de los protagonistas en la dimensión es hacerse pasar por los responsables de todo para evitar que tenga que sacrificarse. Por no mencionar que la conclusión del arco es ver a la gente de esa dimensión viendo como reconstruyen la sociedad tras haber perdido la magia.
Conclusión
Honestamente, Star contra las Fuerzas del Mal era una serie que sufrió de mal desarrollo de guiones que la limitó y la hizo finalizar con uno de los peores finales de la historia de los dibujos animadoss. Muchos ya sabrán que hubo otras series animadas muy buenas la pasada década.
Pero aun así nos sirve de ejemplo de porque muchos se inclinan más a favor de los animes. Los animes normalmente tienden tramas más profundas y complejas, mientras los dibujos tienden a tramas más simples. Por supuesto, hay muchos dibujos que son tan complejos y profundos como los animes y aún así no me parece que el resto de los dibujos animados deberían ser tratados como basura infantil solo por su simpleza, ya que no por eso significa que no puedan ser creativos y hasta inteligentes.
Como ya he dicho, cada medio tiene sus defectos y sus virtudes.
La obra más misógina que he visto
Por mucho aprecio que tenga a Alex de la Iglesia su cine tiene elementos muy criticables. El peor de todos es que sus peores películas tienden a tener lecturas misóginas, siendo el peor caso el final de Las Brujas de Zugarramurdi.
(Aviso obligatorio de spoilers)
La película trata sobre dos convictos que huyen con el hijo de uno de ellos porque la exmujer se lo quiere quitar. Durante el camino se encuentran con una secta de brujas que quieren usar al niño como agente en su plan para arrebatarle el mundo a los hombres y para ello primero deben ofrecérselo a su diosa. Los protagonistas consiguen evitarlo ayudados por una bruja que se ha enamorado de uno de ellos.
Todo lo que está mal con el final
Lo primero, un dios se supone que debe ser un ser con poder ilimitado y casi invencible, no un troll que se puede vencer con patadas voladoras. No venía al caso, pero quería comentarlo.
Bien, ahora os explicare porque Torrente, Mauricio Colmenero y Donald Trump adorarían esta película.
Las villanas son mujeres que quieren esclavizar a los hombres. No sería un problema si no fuera porque la película da a entender que si una mujer no está enamorada de un hombre es un monstruo que solo quiere hacerles daño por despecho.
Esto se demuestra con dos personajes: la exmujer, que quiere arrebatar al protagonista el hijo, lo cual la película presenta como irracional a pesar de que honestamente tiene toda la razón del mundo para querer apartarlo de él, y luego se une a las brujas; y el interés amoroso, que abandona el plan de las demás no porque crea que está mal, sino porque se enamora del protagonista.
Por no mencionar que en la última escena la bruja líder dice que volverán cuando su relación tenga problemas.
Por otro lado, casi todo hombre que aparece en esta película es retratado como bueno, y eso incluye el hombre violento que secuestró a su propio hijo para que no se lo arrebatasen y el pervertido que disfruta viendo a las mujeres en los baños. La película los justifica echando la culpa a como las mujeres los han tratado.
Otros elementos machistas son el típico desnudo innecesario e injustificado y el hecho de que el interés amoroso tenga un atuendo motorista, pero cuando se pasa al lado de los hombres cambia a un aspecto más tradicionalmente femenino.
Lo peor de todo
Lo gracioso es que no creó que Alex de la Iglesia sea machista, ya que en otras de sus películas las mujeres son tratadas con más respeto.
El problema es que Alex de la Iglesia siempre busca ser chocante, ¿por qué pensabais que siempre incluye sangre y sexo?
Lo chocante debe usarse con responsabilidad. Debe servir para desarrollar la historia, no ser chocante solo por ser chocante. Alex, en sus peores películas solo buscaba ser chocante y forzó un tema (en este caso, la lucha entre sexos) solo para parecer más profundo.
Si haces eso, ya veis lo que pasa, una película muy desagradable con un subtexto muy negativo.
Pensad siempre como se puede interpretar vuestro producto audiovisual, ni las mujeres ni ningún otro colectivo marginado que lleva años luchando por respeto merece que insensatos les insulten accidentalmente.
Top UCM de 2021
Bienvenidos a mi primer top sobre el UCM.
Hacía tiempo que pensé en hacer este top. El problema es que son demasiadas películas y encima aún siguen haciendo más, por lo que voy a dividirlo en varios tops.
Empezare con todas las películas y series que salieron el año pasado que he visto, ya que son el comienzo de la segunda parte del UCM que supongo se llamara la Saga del Multiverso.
Bien, comenzemos:
8. Eternals
Esta película es un ejemplo de lo que pasa cuando metes demasiados ingredientes en una sola sopa.
Tiene ideas interesantes y un conflicto muy complejo e interesante, pero peca de tener demasiados personajes y demasiadas subtramas, lo que impide que todo se pueda desarrollar de forma satisfactoria.
Además, cero en historia para los guionistas por haber usado la Leyenda Negra como fuente.
7. Viuda Negra
La película tiene un principio que capta tu atención, su argumento es un thriller decente, todos los personajes son interesante y la enemistad entre la Viuda Negra y el antagonista es palpable con el dialogo entre ellos.
Por desgracia su tercer acto es de los peores que he visto en estas películas. Tenemos el estúpido giro que ya mencioné en otra entrada como el peor cambio en el UCM, pero eso no es lo único malo. La batalla final es el peor clímax que he visto, con peleas muy simples que se resuelven de forma muy rápida y anticlimática.
6. Bruja Escarlata y Visión
La serie se la arregla para ser un cariñoso homenaje a la historia del género televisivo de la comedia de situación (o sitcom para abreviar) y a la vez mantenerte intrigado porque quieres saber que es lo que está pasando.
Tristemente, como pasa con muchas series cuyo principal interés es el misterio, la resolución al final es decepcionante. Nos alentaron a hacernos muchas preguntas y al final nos estafaron. Lo unico salvable es la batalla final por sus matices psicológicos y filosóficos.
5. Falcon y el Soldado de Invierno
La serie toca temas sociales relevantes actualmente como el racismo, los deplazamientos de refugiados y la relevancia de los símbolos, pero adaptada correctamente al contexto del Universo de Marvel.
La única pega que tengo es que carece de un eje central. La serie tiene muchos temas y arcos pero no siempre se conectan entre sí, pero esto es una pega menor ya que la serie desarrolla todo muy bien de todos modos.
4. Ojo de Halcón
Al contrario que la anterior, este tiene un tema central que entrelaza todas sus tramas: Ojo de Halcón luchando contra sus demonios internos mientras ayuda a una joven a resolver una conspiración.
Por eso su trama me parece mejor aunque sea más alegre y desenfadada que las de las otras dos series. Sus mejores recursos son sus dos protagonistas y sus creativas peleas, especialmente el último capítulo, que consiste básicamente en una de las batallas finales más divertidas que he visto en mi vida.
3. Shang Chi y la Leyenda de los Diez Anillos
Está película es un ejemplo de una de las fortalezas que tiene el UCM, cuando una película comete un error otra encuentra la manera de crear algo mejor a partir de ese error.
El error del mandarín aquí es compensado ofreciéndonos un villano interesante, tanto en su caracterización como en su conflicto con el héroe. Es también destacable el mundo fantástico creado para la película inspirado en la mitología y cultura china.
2. Spiderman No Way Home
En vez de ser fanservice barato, la película aprovecha personajes de las versiones anteriores de Spiderman para crear la mejor película de Spiderman, solo superada por Spider-Man: Un nuevo universo. Incluso el Spiderman de Tobey Maguire está excelente aquí (aunque claro, lo que más me molestaba de él no aparece aquí de todos modos).
Algo que quería mencionar aquí es que de todo lo que dicen sobre las películas de Spiderman del UCM, nunca mencionan la dirección de John Watts. Y es una lástima, porque sabe como hacer secuencias la mar de interesantes.
1. Loki
Básicamente todo lo que Eternals deseaba ser.
La serie protagonizada por uno de los villanos más queridos de la franquicia destaca por ser diferente a todo lo hecho por el UCM hasta la fecha, tanto visualmente como temáticamente. Somos testigos de un mundo oscuro y extravagante a partes iguales en el que están en conflicto el destino y el libre albedrio y que da a entender que todo lo visto hasta ahora en la franquicia podía ser solo la punta del iceberg de lo que está por llegar.
FIN
Análisis a Enrique Gato
Enrique Gato Borregán es un realizador de cine español que destaca por ser de los pocos realizadores en España que se han especializado y destacado en el cine de animación.
Enrique Gato empezó su carrera cinematográfica realizando cortos animados, siendo el más destacable una adaptación del comic Superlópez en 2003. Pero se consolidó en 2004 con el cortometraje Tadeo Jones, con el cual gano un Goya al Mejor Cortometraje de Animación.
El titular Tadeo Jones, un albañil que sueña con volverse un arqueólogo, es para Enrique Gato lo que Wallace y Gromit fueron para el animador británico Nick Park. Se volvió su personaje estrella y protagonizó la mayoría de sus proyectos posteriores.
Terminó alcanzando la fama nacional con el largometraje estrenado en 2013 Las aventuras de Tadeo Jones.
Tras esto, Tadeo Jones empezó a salir en todas partes, incluyendo un programa educativo en el canal infantil Boing llamado Descubre con Tadeo y una aparición en un especial de nochevieja, que si mal no recuerdo también salió en Boing.
En los siguientes años, Gato realizó otros dos largometrajes, Atrapa la bandera y Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas. Actualmente parece que está trabajando en la tercera parte de Tadeo Jones.
Bien, ¿Qué opino yo del estilo de este tipo?
Personalmente, lo que más destaco de él es su humor. Es muy característico y en sus películas siempre hay momentos muy hilarantes. Sin embargo, aunque el tono es mayormente humorístico, contiene también cierto tono aventurero.
También su animación es muy destacable, os aseguro que si me enseñáis algún diseño de uno de sus trabajos es probable que lo distinga.
En cuanto a su personaje estrella, Tadeo Jones, está bien, pero me es indiferente, nunca me ha enganchado como otros personajes animados. Creo que una de las razones es que sus películas, especialmente la segunda, tienden a caer demasiado en clichés muy repetitivos. De hecho, la historia de Atrapa la bandera, su único largometraje que no incluye al personaje, es la que más me ha gustado.
Si os van las comedias, las aventuras y la animación recomiendo ver sus obras. A mí me han entretenido, aunque no soy un fan.
FIN
El romance que más he aborrecido
(Antes de empezar, mis felicitaciones a El buen patrón por los Goya que ganó el sábado, en el Goya al Mejor Cortometraje hubo tongo y aunque no la reseñé The Monkey se merece el Goya al Mejor Cortometraje de Animación)
Hoy estamos en San Valentín, el día oficial de celebrar el amor, especialmente el amor romántico conocido por los antiguos griegos como Eros. Y por mucho corazón de piedra que parezca tener en el fondo soy un sentimental así que por este día voy a hacer algo especial.
UN ROMANCE MUY MALO
Os contare algo que me resulta gracioso. En un país en el que por estornudar alguien va a decir que estás haciendo un manifiesto político es irónico que los debates más intensos que he tenido han sido por culpa de Spiderman.
Y es que hay un montón de gente que trata la Trilogía original de Spiderman como si fuera El Padrino de las películas de superhéroes (bueno, la tercera no). Esa gente actúa como si todo lo que hubiera en ella es perfecto, y os lo voy a decir, ni de lejos lo es.
A ver, no es mala, pero honestamente su argumento es demasiado simplón, el dialogo es demasiado cursi y la historia no consigue que me importe si Spiderman triunfa o no.
Pero lo peor, lo único verdaderamente malo, es la historia romántica de estas películas. Francamente tengo la teoría de que aborrecía las historias románticas de niño gracias a esta película, y no me extraña.
Y ahora os voy a explicar porque la historia de amor entre Spiderman y Mari Jane es el peor romance de la historia del cine de superhéroes (porque el peor de la historia es esa novela sobre vampiros y hombres lobo que no viene al caso).
Personajes
Algo que hay que tener en cuenta a la hora de escribir un romance es que trata sobre cómo se desarrolla la relación entre dos personajes. Por lo que una buena caracterización de estos que nos explique porque debería importarnos que acaben juntos o no es importante.
Está claro que está trilogía no lo consigue.
-Primero empecemos con Peter Parker, más conocido como Spiderman y el protagonista de la historia.
Me da igual que lo que digáis, está versión de Spiderman es la cosa más sobrevalorada de la historia. Tobey Maguire hace un buen trabajo interpretándolo, pero es lo único bueno que puedo decir.
Lo que más detesto de él es su caracterización. Es simplemente un nerd, pero no un nerd interesante como los protagonistas de Supersalidos o Sheldon Cooper de Big Bang Theory, sus únicos rasgos distintivos son ser un pringado y estar enamorado de Mari Jane.
Lo digo en serio, todo su mundo parece girar en torno a Mari Jane; apenas parece que le importa nada más, todo su arco narrativo gira en torno a esta relación, incluso el clímax de todas las malditas películas es salvar a Mari Jane. Y por mucho que el amor sea lo más importante, si lo único que parece importarle al protagonista es su interés amoroso no es un protagonista muy interesante.
Pero Peter Parker es el mejor personaje de este dúo, tristemente.
-Por último, tenemos a Mari Jane Watson, a la que me gusta llamar La Gritona.
La Gritona prueba mi descubrimiento de la existencia de un interés amoroso arquetípico. Este interés amoroso arquetípico se caracteriza por ser (normalmente) una chica guapa, amable y cariñosa. No tiene ningún otro rasgo en su personalidad porque su papel es ser un premio que el protagonista gana tras superar sus adversidades y si tiene algún arco narrativo va a estar relacionado con darse cuenta de que el protagonista es perfecto para ella.
Que conste en acta que soy un feminista, así que está claro lo mucho que me encanta este personaje arquetípico.
Pero lo peor de La Gritona es qué se podía haber echo mejor si hubieran querido. En la película dan a entender que viene de un lugar roto y también se muestra que tiene aspiraciones teatrales, elementos que podían haberla hecho interesante si los guionistas no hubieran querido irse a lo simplón. Vale que es una película de superhéroes y no un drama social, pero en muchas películas de superhéroes que he visto con un interés amoroso este es un personaje medianamente interesante que no se siente que estuviera ahí solo para ser un trofeo.
Desarrollo
Ahora que ya he demostrado que los protagonistas de este romance son pésimos personajes, ¿cómo de malo es el desarrollo de su romance?
Aunque no se ve, la tía de Peter cuenta cuando vio a Mari Jane se enamoró a primera vista. Nadie que esté ahora mismo leyendo esto sabe cuánto aborrezco el cliché del amor a primera vista. Es básicamente la cosa más superficial existente, ves a alguien e inmediatamente es tú amor verdadero, historias más inteligentes dejan claro lo que pasa cuando te fías de ese criterio.
Pero a lo mejor esto no está tan mal, en La Sirenita y Oficial y caballero pasaba algo parecido, pero luego desarrollaban la relación entre ellos y no quedaba tan mal. Pero aquí no pasa lo mismo.
En el presente de la historia, Peter es el pringado del instituto y Mari Jane la popular que sale con un chico guay que pega a Peter. Y esto ya es una alerta roja, porque si sois expertos en historias de adolescentes lo normal al final es que el protagonista se dé cuenta de que no es compatible con la chica popular y se vaya con otra. Y esto es un problema para lo que se supone que es su gran romance porque Peter luego se va a conseguir dinero para comprar un coche, un recurso perdonable si Mari Jane fuera el falso amor de Peter que luego debe darse cuenta de que solo le importa como luce en el exterior y no como es él en el interior, no su supuesto amor.
Sin embargo, lo más insultante es que Mari Jane es la vecina de Peter, o sea que pueden verse a menudo y hablar entre ellos. Ni el mismo Cupido había planteado un escenario tan apropiado para unir a dos personas que vayan a enamorarse. Pero no, Peter apenas habla con ella de cosas importantes, la mayoría de sus conversaciones son palabras bonitas y cursis. Lo cual está mal porque, aunque palabras cursis parezcan bonitas son algo muy superficial, acaban dando lugar a una historia romántica poco creíble y lo único que sirve es para resultar empalagoso.
Luego está el amor de está trilogía a los triángulos amorosos. Generalmente no suelo tener problemas con triángulos amorosos en las historias por muy usados que estén, pero he visto más triángulos aquí que en todas mis clases de mates. Primero está el abusón del colegio, luego el amigo de Peter y por último un astronauta, que al contrario que los dos últimos su única relevancia en la historia es proveer de un triángulo amoroso.
La sobreexplotación de triángulos amorosos son un ejemplo de porque detesto este romance ¿Por qué creéis que en todos los clímax de esta trilogía siempre es que el villano ha secuestrado a Mari Jane y Peter debe salvarla? Porque los guionistas no saben desarrollar historias de amor, y como no pueden hacerlo bien prefieren ser unos cobardes y recurrir a todos los clichés que puedan encontrar y usarlos una y otra vez sin importar que se vuelva repetitivo.
Bueno, ya he dicho todo lo que tenía que decir sobre el romance que más he aborrecido en mi vida (no es el peor que he visto pero al menos esos no estropeaban uno de los mejores superhéroes de Marvel).
Posdata: nadie me va a convencer de que Tom Holland es peor que Maguire como Spiderman así que ni lo intentéis.
YO Y LAS HISTORIAS DE AMOR
Ahora os preguntareis ¿qué hace Álvaro que no termina el blog? Bueno, como era San Valentín, no quería hacer algo completamente negativo así que voy a continuar un poco más hablando sobre el amor en la ficción.
El amor romántico es tan habitual en la ficción como es en el día a día, en toda historia siempre aparece, aunque sea de forma secundaria. No todo el mundo le gusta verlo, a mí personalmente me gusta si está bien escrito.
Si me vais a dar una historia de amor, darme una historia de amor creíble. Más de uno me ha comentado la costumbre de Disney de que sus protas se vuelvan pareja a los 3 días, pero Disney la mayoría de las veces (al menos desde La Sirenita) consigue que me crea la relación.
Personalmente prefiero una relación amorosa que empiece desde el principio, así es más interesante ver como se desarrollan los personajes al extremo de querer estar juntos toda su vida. Aunque que uno de los dos ya este enamorado o ya estén saliendo también está bien.
He visto alguna que otra película romántica, no está en mis géneros favoritos, pero alguna que otra me puede gustar como Love Actually, Oficial y caballero y Cuando Harry conoció a Sally. Sin embargo, las que más preciosas me han parecido son películas animadas: La bella y la bestia (la original, pero el remake con actores está bien si estas interesado) y la animación japonesa Susurros del corazón.
Bueno, ya he terminado, Feliz San Valentín, aprovechar todas las personas que tenéis pareja. Si no tenéis, disfrutarlo también, que los antiguos griegos dijeron que había otros tres tipos de amores aparte del romántico (entre amigos, entre familia y el incondicional).
FIN
Opinión sobre El buen patrón
Muy bien, en está semana los Goya van a suceder. Originalmente habría esperado a que sucediesen para hacer esta reseña pero la semana siguiente es San Valentín y tengo algo especialmente preparado para ese día.
Antes de empezar aviso que si tenéis servicio de Movistar se pueden ver ahora algunas de las películas nominadas, además se agradece que este año hayan mejorado un poco la publicidad para cine español que no sea comedia barata, aunque sea solo para la nueva de Almodóvar, esa película llamada Mediterráneo y de la que voy a hablar ahora.
Hoy querría hablar sobre El buen patrón, la película que ha conseguido más nominaciones a los Goya este año y que yo he tenido la suerte de ver en el cine.
Cuenta la historia de un empresario dueño de una empresa que hace basculas, su empresa ha sido nominada a un premio por excelencia el cual está obsesionado por conseguir a toda costa, pero para eso su empresa necesita tener la mejor imagen posible y empiezan a suceder cosas que podían estropear esa imagen como él hecho de que un ex empleado empieza a protestar delante de la empresa y otro de sus empleados no hace bien su trabajo porque su mujer lo engaña.
Hay muchas películas que han sido nominadas a premios que me parece que no los merecían o películas que lo merecían más que no tuvieron ni nominación. Pero esta vez, si ganara al menos el Goya a Mejor Película, Dirección y/o Guion francamente me parece que lo merecía.
Ahora voy a exponer porque creó yo que es la mejor película española de 2021, o al menos una de las mejores.
La crítica social
Lo primero, vamos a dejar algo claro. Es una película española sobre un empresario nominada a varios premios y protagonizada por Javier Bardem, es más que obvio que la película va a ser una crítica social hacia él sistema empresarial.
Pero, la película evita caer en lo fácil y en vez de representar al empresario protagonista como un avaricioso que haría cualquier cosa con tal de obtener dinero, que es a lo primero que van los guionistas más mediocres, presenta otro planteamiento más original para hacer una crítica.
El titular buen patrón en la película no parece importarle el dinero, al contrario, lo que le obsesiona es su buena imagen. Su objetivo en la película es ganar un Premio a la Excedencia y para eso su empresa tiene que lucir impecable en todo incluso en detalles pequeños.
Esto aparte de ser original es un reflejo de la sociedad actual, sobre todo las empresas. Vivimos en una sociedad regida por las imágenes que se tengan de nosotros y una mala imagen puede destruirnos completamente; esto ya pasaba mucho antes, pero ha cobrado más relevancia hoy en día, ya que muchas carreras han sido destrozadas solo por una acusación de que alguien ha hecho algo terrible.
Pero hay una diferencia entre tener la imagen de ser algo y serlo de verdad (ejemplo, Disney va por ahí presumiendo que son progresistas solo por incluir dos extras homosexuales en una escena en la que apenas se ven pero luego apenas ha mostrado personajes abiertamente gays con relevancia en la historia de una serie o película, e incluso si lo ha hecho rara vez ha dejado claro que eran homosexuales en la película).
Esto último que he dicho queda claro al principio de la película, en la que está dando un discurso a sus empleados sobre como son su familia al mismo tiempo que vemos un empleado siendo despedido. Aunque no hay que ser Einstein para darse cuenta de que el discurso del protagonista no es sincero este contraste ya deja claro que el protagonista es más la imagen de un patrón que se preocupa por sus empleados como su familia que ese individuo de verdad, lo que se va demostrando a medida que avanza la película.
Caracterización del protagonista
Javier Bardem es uno de esos actores que siempre aporta algo de carisma a los personajes que interpreta y El buen patrón no es la excepción. Bardem borda con broches de oro al personaje principal
Lo interesante del titular buen patrón es que, si bien desde el principio queda claro que no es alguien bueno (habría que ser muy ingenuo para no darse cuenta de que su discurso del principio no es más que propaganda), tampoco sé podría decir que es un villano, al menos al principio.
Por supuesto, es obvio a lo largo de la película que es un hombre egoísta que lo único que parece importarle es la buena imagen suya y de su empresa, pero aún así cuando le surge algún problema intenta negociar o resolver las cosas legalmente. Es cuando algo le empuja a un determinado extremo decide actuar como el malo de la película. Por supuesto está claro que no debe caerte simpático ya que muchos de sus problemas han tenido lugar por culpa suya y ahora él está liando con las consecuencias.
Este desarrollo lo hace más interesante que haberlo presentado como alguien malo desde el principio o presentarlo como alguien que era bueno pero el poder lo va corrompiendo.
Lo más interesante de él es su arco narrativo. Su obsesión con quedar perfecto para ganar el premio lo hace preocuparse por problemas que, sí lo piensas bien deberían ser solo pequeñas molestias para él, pero su obsesión hace que para él sean el equivalente a un terremoto.
Lo mejor es el final, ¿tú esperarías que una historia como está terminaría con el protagonista pagando por las consecuencias de sus actos? Pues no, de hecho, a pesar de todas las adversidades es capaz de conseguir lo que quiere con muy pocas consecuencias negativas para él. Sin embargo, la última escena da entender que a pesar de haber conseguido ese premio va a seguir obseso con su imagen, lo cual similar a los que acaparan cada vez más y más oro, nunca va a estar satisfecho.
Recursos narrativos
El principio de la película es una gran forma de empezar la película, ya desde el principio nos dejan claro de que la película va a tratar sobre la imagen que un empresario quiere darse a si mismo.
La película también aprovecha otros recursos simbólicos. El escenario de la empresa se divide en el piso de arriba donde el patrón controla todo y el piso inferior donde está su supuesta “familia”.
El hecho de que sea una fabrica de basculas no es coincidencia, ya que la báscula al desequilibrarse se usa como símbolo de que el mundo del patrón se va a desestabilizar. Por no mencionar que su obsesión con equilibrar la bascula de la entrada simboliza su obsesión con tener una imagen 100% perfecta. Otro recurso es la pared con cuatro focos en el que en el último hay un hueco en el que piensa incluir el premio que quiere ganar, lo cual simboliza la importancia que el patrón le da.
Otro recurso curioso es que, salvo el patrón, sabemos muy poco del resto de los personajes. Todos tienen una caracterización, pero no sabemos completamente como son: no sabemos si el despido del que protesta en la entrada tuvo una justificación o no, y si el empleado deprimido tiene la culpa de sus problemas matrimoniales o no. Esto es muy simbólico, ya que esto demuestra lo narcisista que es el protagonista, ya que no se molesta en saber de ellos a no ser que le causen problemas a su mundo.
Conclusión
En fin, El buen patrón es una excelente película una crítica original y con gran relevancia en el mundo actual y con un personaje bien desarrollado, caracterizado y actuado. Francamente si tienen oportunidad véanla.
La deseó suerte en los Goya.
Deadpool adaptó bien el fénix
En el año 1980 el considerado escritor definitivo de X-Men Chris Claremont y el dibujante John Byrne nos trajeron el arco conocido como la Saga de Fénix Oscura.
En esta trama Jean Grey, una superheroína que hasta entonces su única relevancia había sido estar en un triángulo amoroso con Ciclope y Lobezno, adquiría el poder de una entidad cosmica conocida la Fuerza Fénix que la daba un poder ilimitado. Pero por graves circunstancias esta entidad la vuelve loca y el resto de los X-Men debían parar a su vieja amiga antes de que cause una gran muerte y destrucción incluso aunque esto pueda llegar a significar tener que matarla.
Este arco es para los X-Men lo que la Saga del Traje Negro es para Spiderman y lo que La broma asesina es para Batman, es la historia más influyente y popular de toda su historia y marcó un antes y un después.
Incluso a pesar de no haber tenido la suerte de leer la historia puedo entender el motivo de su popularidad: la idea de que un superhéroe se volviera un ser maligno capaz de destruir un planeta (cosa que hace en el comic) nunca se había explorado en la historia de los superhéroes y que sus amigos les preocupe tener que verse obligados a matarla por el peligro que supone la existencia de un ser así es un conflicto interesante, complejo y con muchos matices.
Naturalmente, una historia tan popular e influyente como esta ha sido adaptada varias veces, y la Saga Cinematográfica de X-Men no iba a quedarse atrás. De hecho, se intentó dos veces con las películas X-Men: La decisión final y X-Men: Feníx Oscura, pero la primera es muy pésima y la última ya os conté que mató la saga.
Pues sí, la cagaron dos veces con la adaptación. A no ser que los del UCM quieran arriesgarse una tercera vez despedíos de ver esta saga hecha justicia con una película.
Sin embargo, creedme cuando os digo que existe una tercera película de X-Men que si bien no es una adaptación del comic, irónicamente se acerca más a una buena adaptación del arco del Feníx que los dos tiros por la culata que resultaron las dos. ¿Y cual es esa película os preguntareis? Deadpool 2
Deadpool, alias el mercenario bocazas, es un personaje de Marvel el cual por crueles experimentos ganó un factor curativo similar al de Lobezno a costa de quedar desfigurado y caer en la locura. Su personalidad jocosa, su ambigua moralidad y su arte a la hora de romper la cuarta pared (termino usado cuando un personaje es consciente de que está en una obra de ficción) lo han vuelto un favorito de Marvel con una enorme legión de fans, entre los que yo me incluyo.
Este querido personaje ha recibido dos películas (3 si contamos el crimen contra la humanidad que es la versión de X-Men Orígenes Lobezno), ambas de gran éxito, al extremo de que incluso los del UCM se plantean volver a usarlo para sus películas en vez de hacer un reboot.
Ahora bien, algo curioso que he notado viendo estas dos películas es que todo elemento que salía en estas era mucho más fiel al canon de los comics que cuando el resto de las películas los usaba. Ejemplos:
-¿Los trajes de los X-Men son negros? Los de Deadpool son calcos de los que usan en los comics.
-¿Un Coloso estadounidense? El de Deadpool no solo viene de la Madre Rusia, sino que además tiene el mismo tamaño y aspecto de las viñetas.
-¿Las películas omiten la presencia de alienígenas? Deadpool incluye uno incluso aunque sea para un chiste
-¿El villano conocido como Juggernaut está casi irreconocible? Deadpool lo trae lo más fiel posible, con una mención de que Charles Xavier es su hermano incluida en el paquete.
Teniendo en cuenta este historial, es muy apropiado que Deadpool 2 nos haya regalado lo más parecido a una adaptación de La Saga de Fénix Oscura que hayamos tenido nunca.
¿Y de que trata esta película? Trata de que Deadpool conoce a un adolescente problemático con la habilidad de la piroquinesis, el cual es perseguido por un viajero del futuro llamado Cable, que quiere acabar con el chico porque hará algo muy malo en el futuro.
Antes de entrar en más detalles hay que explicar algo: ¿En qué fallaron las otras dos adaptaciones?
Bien amigos la respuesta es simple, fallaron en muchas cosas pero principalmente en Jean Grey. La historia trata sobre como este personaje enloquece por el poder cósmico que posee y el conflicto es sobre si se puede salvar o no hay más remedio que matarla, UNA BUENA ADAPTACIÓN DEBERÍA CENTRARSE EN ESTO.
Pero en La decisión final la dejan en segundo plano mientras se centran en Magneto intentando cargarse a los seres humanos y en Fénix Oscura Jean no hace nada muy destructivo que merezca la pena debatir si debe morir o no que no sea de forma forzada y al final el conflicto emocional queda relegado a favor de luchar contra los alienígenas más penosos y aburridos de la historia del cine.
No ayuda a que Jean Grey es de los peores personajes en toda esta franquicia. En la trilogía original solo es el interés amoroso, un arquetipo que pienso destrozar en San Valentín; mientras que la segunda versión de Jean tiene 0 rasgos distintivos que nos haga interesarnos por ella. Vale que no es de los X-Men más interesantes en los comics, pero seguro que ahí al menos tenía personalidad.
En Deadpool 2 el conflicto se centra en que si el chico que Deadpool protege debe morir para que no haga daño a nadie en el futuro o merece una oportunidad. Cada personaje en la película defiende porque cree que las cosas deberían hacerse de una determinada manera y el clímax consiste precisamente en intentar razonar con el chico antes de que cause lo que le volvió malo en un principio.
Ayuda además que se toman el tiempo para darle al chico un desarrollo como personaje, una personalidad, una razón para volverse malo y motivos por los que Deadpool cree que merece una segunda oportunidad. Este chico tuvo en una sola película todo lo que Jean Grey no tuvo en 5 películas, nada mal para él.
Por supuesto, la historia de Deadpool 2 es demasiado diferente para poder decir que es una adaptación de Fénix Oscura, pero aun así es la única película de X-Men que ha estado más cerca de adaptar el espíritu de la obra original, lo que ya dije que imprescindiblemente se debe mantener para considerar a una obra una buena adaptación.
Irónico que una comedia de humor negro sobre un personaje que ni siquiera había sido creado cuando salió la historia original haya estado más cerca de hacer una buena adaptación de una de las historias más oscuras y complejas de los comics por accidente que otras dos adaptaciones que intentaron hacerlo a propósito. La verdad, es bastante gracioso si lo piensas, aunque como experto en el mundo del cine que soy, te diré que ironías como estas tienden a ser más comunes de lo que parece.
(PD: de parte de Deadpool, comer muchas chimichangas)
Análisis de un cortometraje
La gala de los Goya, la versión española de los Oscar, está al caer y a los que les interesa, aunque sea un poco, están apostando que películas van a ganar; al menos las que conocen, ya que en todas las galas que he visto, siempre hay varias películas de las que no había oído ni una sola palabra y explica lo que dije en la primera entrada de este blog, que el cine español necesita mejor publicidad.
Bueno, hace poco me enseñaron un cortometraje que va a presentarse a esta gala, llamado Votamos, que había producido el hermano de un amigo de mis padres y querían promocionarlo a través del boca a boca. Debido a este contacto, pude ir a la presentación del corto en la Academia de Cine donde el mismo productor me aconsejó sobre mis metas para entrar en la industria audiovisual, lo cual se agradece mucho.
Así que en un homenaje a esta historia, voy a reseñar el corto, pero probablemente tarde menos que de costumbre, que le vamos a hacer.
La trama cuenta, en aproximadamente 12 minutos, una reunión de vecinos en la que descubren que uno de ellos va a vender su piso a un compañero de trabajo con enfermedad mental, a lo que la mayoría se opone debido a los prejuicios que tienen hacia este tipo de personas.
Por las limitaciones de un corto, es una historia sencilla que tiene lugar en un solo escenario como si de una obra de teatro se tratase.
Sin embargo, si algo se aprende de ver muchas películas, es que la mayoría de las veces en el cine lo más sencillo termina siendo al final lo más efectivo. Su sencillez se compensa con un argumento impactante que demuestra a que extremos pueden llegar los prejuicios, y explora cómo reaccionan la mayoría de la gente ante los que son diferentes a ellos. Aunque sucede en un lugar concreto, el corto deja claro que el problema de los prejuicios puede suceder en cualquier contexto.
La dirección del corto es bastante original. Toda la escena se ha grabado en un solo plano secuencia, en el que la cámara se va moviendo lentamente, mientras un personaje conversa hasta que otro personaje empieza a hablar y se mueve hacia este. Otros trucos creativos que se usan es desenfocar un personaje hasta que este habla o dejar pequeños detalles en el fondo que al final acaban teniendo gran relevancia.
La actuación es muy buena, y sin meterme en mucho detalle, para no destripar el corto para quien no lo haya visto, solo diré que, dependiendo del tipo del personaje, los actores consiguen o que empatices con él o que lo detestes.
En conclusión, me parece un buen corto tanto en guion como en dirección y actuación. No me extrañaría que ganara el Goya al Mejor Cortometraje.
Ya veremos que sucede el 12 de febrero. Quizás durante esa semana analice la película que más nominaciones presenta este año, El buen patrón. Hasta entonces, tendrán que esperar a ver que tengo para este mes.
Peores cambios del UCM
He pasado tanto tiempo defendiendo la necesidad de cambios en adaptaciones que nunca me he molestado en mencionar cuando las quejas hacia los cambios están justificadas.
Es imposible hoy en día no conocer a los personajes de Marvel, ya que las adaptaciones de sus comics es el universo cinematográfico más exitoso de la historia.
Al contrario de lo que Don "no he hecho más que demostrar que soy un esnob" Scorserse diga, esta saga ha tenido éxito gracias a la habilidad que han tenido para mantenernos interesados en sus historias, tomándose su tiempo para desarrollar los personajes que van a protagonizar la acción y mantenernos interesados hasta el final.
Sin embargo, una enorme cantidad de películas como está es imposible que no haya cometido un solo fallo en su historia. Por eso voy a recurrir al clásico top 10 para hablar sobre los peores cambios cometidos por estás películas a la hora de adaptar los comics.
Reglas:
-Van a ser de películas que he visto, así que no puedo decir nada sobre los inhumanos sustituyendo a los mutantes porque no he visto ninguna de las dos series en que pasaba eso (Leanse la página en TV Tropes sobre Inhumans y Dork age/comic books por si quieren informarse de lo que estoy hablando).
-Tienen que ser cambios que estropeen la historia de la película y haberse mantenido fieles a los comics habría evitado la catástrofe, así que no voy a criticar que Iron Man sea mentor de Spiderman porque no estropea la historia de las películas.
Comencemos.
Pero antes, aviso de spoilers para los que no las hayan visto.
10. La motivación de Mysterio
El antagonista de Spiderman: Far From Home estuvo bien adaptado a la gran pantalla salvo por un chiquito pero crucial detalle: que su motivación era vengarse de Iron Man porque lo había ninguneado.
Esto no sería un problema si no fuera porque es la misma motivación que tenía el Buitre, el antagonista de la anterior película de Spiderman, hasta me dio déjà vus cuando Mysterio explica porque odia a Iron Man.
¿Qué tenía de malo su trasfondo de los comics, dónde es un especialista en efectos especiales que buscaba fama y por eso busco vencer a Spiderman? Vale que a lo mejor era más creíble que fuera un científico pero aún así no justifica hacer un copia y pega de la película anterior.
9. Pietro Maximoff/Mercurio
El hermano de la Bruja Escarlata ha recibido el deshonor de ser el personaje peor tratado por estas películas.
El pobre hombre se muere en la misma película donde aparece sin pena ni gloria, y hasta la serie de Bruja Escarlata y Visión ni se menciona. Ni siquiera su muerte en la película impacta, casi como si se hubiese muerto un tipo aleatorio y la forma en la que lo matan es insultante para el personaje original, al menos haberlo matado luchando contra Ultron.
Admito que no era de los personajes más interesante ni de los que más relevancia tenía en las historias originales y haber tenido demasiados personajes habría sido negativo para la historia, pero aun así no merecía ser tan desaprovechado el pobre hombre.
8. El mandarín
En toda la historia de los peores engaños siempre estara incluido el mandarín de Iron Man 3.
Todos los trailers e incluso la primera mitad de la película prometiéndonos una versión imponente y aterradora del clásico archienemigo de Iron Man para que luego resulta que el individuo que vendían como el antagonista no era más que un payaso farsante marioneta de un villano aún más penoso.
Lo único positivo de esto es que Marvel tuvo que disculparse con Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, una de las mejores películas de superhéroes de 2021 y que justo ese mismo año Marvel nos dio un giro 10 veces peor.
7. Sersi
Eternals es una película que acepto en algunos elementos y fallo en otros.
Uno de ellos fue su protagonista. Sersi, la eternal principal, destaca por ser uno de los personajes menos interesantes en un película cuyo principal defecto era su exceso de personajes y una de los protagonistas más planos del Universo Cinematográfico de Marvel.
No he leído mucho sobre el personaje, pero parece que en los comics es una mujer que le encanta meterse en líos y buscar peleas con los malos para entretenerse, lo que la hace un personaje más interesante que la que sale en esta película.
6. Flash Thompson
Básicamente el personaje más inútil de toda la trilogía de Spiderman del UCM.
Flash está ahí para hacer de alivio cómico en películas que la verdad no necesita más. Además, se supone que es el rival de Peter Parker/Spiderman en el UCM, pero este lo único que hace es soltar insultos, y ni siquiera son insultos muy hirientes, solo chistes de penes.
En comparación, Flash Thompson en los comics es el abusón del colegio, pero tiene más desarrollo aparte de eso, tiene un padre abusivo y que luego se vuelve un militar. Es decir, alguien más interesante y complejo que el alivio cómico de las películas.
Lo peor es que en la versión de Spiderman protagonizada por Andrew Garfield nos dio una mejor versión de Flash aunque tuviese menos tiempo en pantalla, una mucho más fiel y más interesante que este payaso.
5. Aldrich Killian
Lo que más duele del mandarín es que nos dieron un peor villano.
De todos modos, Killian en los comics es un tipo que se suicida por la culpa, así que tampoco el personaje es mejor en los comics pero está aquí porque ponerlo como antagonista en vez de buscar otro enemigo de Iron Man fue un error.
Killian en la película se vuelve malo porque Iron Man le gasto una broma, lo digo en serio, este hombre mato a varias personas, creo una sustancia que mato a inocentes y casi asesina al presidente de EEUU solo porque un tipo le gasto una broma. No tengo nada en contra de villanos mezquinos, pero no me puedo tomar en serio un tipo cuya motivación sea tal estupidez, incluso el Doctor Doofenshmirtz lo llamaría patético.
Tampoco ayuda que me este tipo involucro a Iron Man porque quería restregar su éxito a Iron Man, lo digo en serio, fastidio su propio plan solo para fastidiar a un tipo que hace años le gasto una broma (que ni el hombre más sensible en la Tierra consideraría Bullying).
Lo peor es que este no es el peor villano del UCM. ¿Todas las críticas anteriores sobre malos villanos? Os aseguro que están completamente justificadas.
4. Los Kree (especialmente Ronan)
¿Queréis saber que es peor que apestar como villano individual? Apestar como villano colectivo.
Todo Kree que aparece en una película de Marvel no es más que un nazi espacial, sin ningún otro rasgo en su maldita personalidad.
Lo que hace esto un mal cambio es que, en los comics, aunque también son una raza extraterrestre malvada su cultura es más interesante y todos los personajes individuales tienen personalidad propia.
El peor, que ya es decir bastante, es Ronan el Acusador, el principal antagonista de Guardianes de la Galaxia, en los comics es un personaje más complejo, siendo un individuo que realmente no es malo, pero está atado por la leyes de su pueblo. Mientras que en la película solo es un genocida gruñón que no para de gritar sobre matar a todo el mundo.
3. Malekith
Si hay una razón por la que Thor el mundo oscuro es considerada de las peores de Marvel es por su villano.
El rey de los elfos oscuros en los comics es un psicópata sádico que se regocija del daño que hace, conocedor de magia poderosa entre la que se incluye el poder de convocar una jauría fantasma de perros y alguien que si bien no es muy poderoso, es capaz de enfrentarse a Thor usando la astucia y fue capaz de conseguir su objetivo en su primera aparición.
Pero en la película es un tipo serio que nunca sonrie, lo único que sabemos de él es que quiere llenar el mundo de oscuridad sin razón aparente, su estrategia contra Thor se basa en atacarle directamente, su única magia es por una gema del infinito y perdió ante unos palos de teletransporte.
Sobran las palabras con este.
2. Justin Hammer
Increíble, Iron Man nos dio 3 villanos horribles, esto es un récord.
Justin Hammer es un sujeto que apareció en Iron Man 2. En los comics es una legítima amenaza, pero en la película es un alivio cómico.
Lo que le hace peor que los anteriores es que encima es un personaje de relleno que solo está para que Whiplash un villano mucho más interesante y mejor adaptado pierda el tiempo en tonterías. Así que sirvió para estropear la adaptación de dos villanos, uno que ni siquiera estaba mal adaptado pero el mal guion que le dio tiempo en pantalla a Justin lo estropeo.
Sin embargo, nada puede superar al que viene a continuación.
1. Taskmaster
Sí, Black Widow, una de las últimas películas es la que tiene el peor cambio.
Taskmaster es un villano secundario en la película, que al final resulta que es la hija del malo principal a la que este ha lavado el cerebro para que la obedezca ciegamente. La versión en los comics no solo es un tío, sino que es un mercenario que mata voluntariamente y se ha enfrentado a varios superhéroes, siendo el más destacado el mercenario bocazas Deadpool.
¿Y qué tiene de malo está interpretación? Qué tiene de bueno más bien:
-Al contrario que el giro del Mandarín, que al menos fue inesperado, este giro lo pude deducir con las pocas pistas que me dieron.
-El personaje es inútil para la trama. Solo sirve para hacer más malvado al villano, como si esclavizar y torturar a niñas no fuera lo suficientemente malvado.
-Pero lo peor es que es una copia de Bucky Barnes/el Soldado de Invierno, un antagonista del Capitán América en su segunda película. Es básicamente el mismo personaje, pero hecho peor: alguien del pasado del protagonista que creía que murió por su culpa, pero resulta que sus enemigos le lavaron el cerebro y en el clímax de la película intenta librarlo de su control mental. Pero Taskmaster es solo alguien que la Viuda Negra creyó haber matado, pero nunca conoció; mientras Bucky era el mejor amigo del capitán América. Y en vez de una intensa pelea en la que intenta hacerla entrar en razón, aunque esta lo mate como hizo el Capitán la Viuda Negra simplemente tiene que echar un gas para liberarla, lo que elimina la intensidad de la pelea.
Así que sí, este el peor cambió del UCM, el antagonista más innecesario, nada original y aburrido de la historia. Solo el todopoderoso Deadpool podría salvar de la deshonra al personaje original.
Conclusión
Bueno, esto son en mi humilde opinión los peores cambios del UCM hasta ahora, creedme, seguramente vengan más.
Está claro que ninguna adaptación es perfecta (menos la que menciono en el blog de abajo). Quizá un día haga un top de mejores cambios o las ordene de peor a mejor, hasta entonces ya nos vemos.
FIN
La mejor adaptación de todos los tiempos
He hablado mucho de adaptaciones cinematográficas, aunque teniendo en cuenta que últimamente hay a patadas quien me culparía.
En el blog que hablaba sobre Harry Potter mencione como buenas adaptaciones el Universo Cinematográfico de Marvel y El señor de los anillos. A lo mejor pensareis que me parecen las mejores y aunque se acercan sin embargo, hay una adaptación mucho mejor que estas y es, creerlo o no, una película española. Estoy hablando de Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo.
Por si por pura casualidad alguien que esta leyendo esto no lo sabe Mortadelo y Filemón es una serie de comics creados por el historietista Francisco Ibáñez sobre un par de incompetentes agentes secretos, uno se caracteriza por su habilidad para disfrazarse de cualquier cosa mientras que su compañero se caracteriza por tener mal genio y poca paciencia con su compañero.
Es el comic español más popular de la historia, y ha tenido varias adaptaciones a cine y televisión a lo largo de la historia, siendo la película de animación de la que trata este blog la última en realizarce.
Ahora que hemos explicado todo para que nadie se pierda voy a explicar porque esta es la mejor adaptación de todos los tiempos para mí, a través de los puntos que yo considero debe tener una buena adaptación.
Respeto al espíritu de la obra original
Francamente en lo que a mí respecta una adaptación puede cambiar la historia, la ambientación e incluso la personalidad de un personaje. Lo que no debe cambiar nunca si quieren que las califiquen de buena adaptación es la identidad de está, lo que diferenció a la obra original del resto y atrajo a todos desde el principio.
Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo es una película con el alma del Mortadelo y Filemón original: su sentido del humor marcadamente visual que han disfrutado tanto niños como adultos durante generaciones. Todos los elementos del comic aparecen: gags visuales, nombres parodicos, slapstick... Ayuda que el director Javier Fesser claramente es un fan de estos e incluso hizo años atras una adaptación al cine pero con actores.
Adaptación al nuevo medio
Lo que los idiotas que critican cualquier leve pero pequeño cambio son incapaces de darse cuenta, es que cuando una obra es adaptada a un medio distinto tiene que adaptarse a las convecciones y normas del medio. Por ejemplo, si mantenemos la exposición de un libro en una película la audiencia se va a aburrir.
Al ser la adaptación al cine de un comic, tiene que jugar con las reglas del cine. Cosa que hace con matrícula de honor. La película aprovecha muy bien el sonido, el único recurso que no existe en el medio del comic, para hacer los mejores chistes sonoros que podían pensar. Un ejemplo de ello es una secuencia en la que Filemón se imagina a sí mismo como un super agente, y durante esta secuencia él se imagina a si mismo con la voz del doblador español de Bruce Willis.
De hecho, si se adaptara el argumento a un comic no tendría la misma gracia porque gran parte de los chistes no funcionarían sin el sonido.
Su propia identidad
Algo que mucha gente ignora es que si das la misma historia a dos directores de cine para que la adapten ninguno lo va a adaptar de la misma manera. La prueba de ello es la saga de Harry Potter, en la que se nota que hubo cuatro cambios de director en toda la saga.
Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo no se queda lejos, aunque se esfuerza en ser lo más fiel posible al estilo de los comics aun así tiene su estilo propio.
La animación usada se diferencia tanto de los comics como del resto de animación española. También se pueden ver ciertos elementos que son más propios de la filmografía de Javier Fesser, un ejemplo de ello es que Fesser tiende más a incluir en sus películas elementos de la vida cotidiana española que Ibañez.
Todo esto funciona a favor de la película porque la diferencia tanto de demás películas de animación española como de otras adaptaciones de Mortadelo y Filemón.
Su valor como historia individual
Como dije antes, en lo que debería centrarse un creador al adaptar algo no es en incluir todos sus elementos sino en hacer que la adaptación funcione como obra individual, independientemente de la adaptación.
Siendo honestos, Mortadelo y Filemón no tiene precisamente una historia compleja difícil de adaptar. Aun así, merece el merito por todo lo ya mencionado y por su guión.
El guion de esta película es una joya magistral de la comedia con cada gag que sale siendo inolvidable. Incluso su historia está planteada de forma inteligente y original para una historia de Mortadelo y Filemón.
Así que sí, Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo es la mejor adaptación de todos los tiempos por su gran mezcla entre fidelidad y originalidad.
Fin
La mejor del año
Con el COVID aún presente en nuestras vidas el cine ha luchado por mantenerse a flote y ha ofrecido buenas películas este año. Así que para celebrar el Fin de Año voy a analizar la que me parece que ha sido la mejor que ha salido este año.
Dune es una película de ciencia ficción dirigida por el cineasta canadiense Denis Villenueve que cuenta la primera mitad del libro del mismo nombre escrito en los años 60 que, según las leyendas, fue una de las inspiraciones para Star Wars (no os hagais los sorprendidos que similitudes tienen ambos).
Su trama es esta: en un futuro en que la humanidad ha conquistado el espacio y ha vuelto al feudalismo por vete tú a saber qué razón el Duque Leto Atreides, líder del a Casa Atreides, ha recibido por parte del Emperador de la Galaxia (os dije que había similitudes) el control del planeta Arrakis, hogar de un pueblo conocido como los Fremen y donde abunda la Especia, una sustancia de gran importancia. Debido a esto el Duque viaja al planeta acompañado de su hijo Paul, que hace poco que tiene visiones futuras sobre el planeta y sus habitantes. Pero el Duque sospecha que es una trampa maquinada por el Emperador y la pérfida Casa Harkonnen, antigua gobernante de Arrakis y enemigos jurados de los Atreides, para acabar con su familia.
Muy bien, ahora que ya os he explicado de que va todo esto para quien no lo sepa, vamos a empezar con el análisis.
Diseño de producción y dirección
El aspecto visual de una película es uno de sus detalles más importantes, le sirve para atraer a los espectadores y diferenciarse de las demás películas. Las películas tienen que atraer visualmente a través de los planos, vestuario, diseños de criaturas y/o escenarios, e incluso el color de la imagen.
Villenueve es un director que claramente sabe de este principio, por lo que hace de Dune un regalo para los ojos. Cada plano en esta película es una obra maestra.
Todo esto se lo debemos al diseño de producción de la película que ha adaptado el mundo de la novela en un espectáculo digno de ver y a los planos que muestran este universo en toda su gloria. Es tan bueno que ha hecho que me plantee mirar más películas de Denis Villenueve, un director que apenas sabía que existía antes.
Personajes y caracterización
Si algo se ha aprendido de Avatar es que un espectacular universo sin personajes interesantes al principio gusta, pero luego la gente se olvida de él y al hacerle una revisión ya no le interesa. Por eso personajes de los que la gente se acuerde, se identifique y desee verlos triunfar son importantes incluso en historias en la que los efectos visuales son lo que más destaca.
Por suerte Dune no falla en esto, todo personaje que sale en la película está lo suficientemente desarrollado y caracterizado para evitar que se pierda el interés.
Ayuda mucho el reparto que tiene. El casting de esta película ha conseguido actores muy buenos que encajan en el papel que interpretan o actores como Javier Bardem y Jason Momoa que aportan carisma a sus interpretaciones.
Hay que mencionar la caracterización de estos, el vestuario, peinado y maquillaje de cada respectivo personaje hace una idea de cómo es cada personaje.
Destaca especialmente la caracterización de los villanos, especialmente el Baron Harkonnen, el principal antagonista. Pensarías que un hombre gordo que flota en el aire no es precisamente muy intimidante, pero la actuación de Stellan Skargard y la caracterización de este le dan una presencia que no tiene que envidiar a la que el Emperado Palpatine y Darth Vader tenían en Star Wars.
Argumento
A decir verdad, está es la parte que falla un poco en Dune seamos sinceros. El problema que tengo es en la exposición de esta, por lo que oído Dune es un libro con una exposición muy densa y se nota la verdad, la película tiene demasiados detalles que necesitan explicarse y se nota, lo que la hace lenta al menos al principio.
Otro problema es que Paul tiene muchas visiones sobre el futuro, a lo que dedican mucho tiempo y no paran de salir cada dos por tres. Si las hubieran quitado o acortado la película no se perdería nada importante.
Aparte de estos pequeños detalles que no llegan a estropear la historia el argumento está bastante bien. Se toman el tiempo para desarrollar a los personajes y aunque la exposición es algo pesada lo compensan presentando o desarrollando a los personajes o con un plano interesante. Algunos se quejaron de que la película no tenía exactamente un clímax, pero yo no tengo ese problema y me parece que el final estuvo bien.
Conclusión
Dune es una película con un excelente reparto, dirección y diseño de producción.
Lo que hace destacar a Dune como lo mejor de este año se debe a que aporta algo distinto para estándares de los blockbusters que estaban incluso desde el principio de la era del blockbuster más allá de la lejana era de finales de los 70.
Todo blockbuster típico se caracteriza normalmente por épicas escenas de acción y un tono mitad serio mitad desenfadado.
Por el contrario, Dune tiene un tono serio, casi introspectivo, y aunque tiene escenas de acción es la dirección lo que hace espectacular, la acción solo es parte de ella.
Salvo algunos elementos que podían haberse acortado es una estupenda película que merece la pena verse en el cine.
Fin
El filme sobre los Reyes Magos
La Navidad está al caer y, por lo tanto, me parece más que apropiado mencionar una ventaja que tenemos los españoles sobre los estadounidenses.
Veréis, la Navidad estadounidense acaba el 1 de enero mientras que la nuestra acaba el 7 como mínimo. ¿Queréis saber la razón? El título de esta entrada en el blog responde a la pregunta, los Sabios de Oriente más conocidos popularmente como Los Reyes Magos, esos tres hombres que visitaron al Mesías cuando nació y traen cada año regalos el día 6 de enero.
Aquí Los Reyes Magos son como Papa Noel, una figura asociada explícitamente a la Navidad y como tal han salido o han sido mencionados en alguna que otra obra de ficción. Hoy querría hablar de una película en la que estos son protagonistas.
Ya mencione al principio de este blog que una de mis opciones para mejorar la recepción de nuestros compatriotas al cine nacional sería hacer un mayor numero de películas familiares para así atraerlos más desde niños; así que me gustaría empezar a hablar sobre las películas familiares que ya tenemos, analizando que hacen bien y mal.
La película es una obra animada estrenada el año 2003 y cuenta el relato bíblico de los Reyes marchando a ver al niño Jesús, aunque tomándose ciertas libertades. En esta versión los magos deben primero ir a un templo a recoger los regalos que señalaran al rey de reyes. Pero Herodes, ayudado por lo que supongo es un demonio llamado Belial, planea hacerse con ellos para mantener su despótico reinado.
Lo primero hablaremos de lo que claramente es lo primero que se va a notar en una película animada: la animación. Está luce espectacular y su diseño busca ser distintivo sin parecerse demasiado al de otros estudios de animación. A simple vista se nota que no tiene el mismo presupuesto de una película estadounidense (que película española no tiene ese problema) pero se las arregla para lucir igual de bien. Destaca mucho la animación y diseño de los elementos fantásticos que aparecen en esta.
En cuanto a la historia, es básicamente una de esas historias de aventura en la que unos personajes que no se conocían antes deben encontrar un macguffin juntos y congenian en el camino. Está bastante bien y mantiene más o menos el interés de la audiencia, dando un perfecto balance entre el desarrollo a los personajes y la aventura, pero no es una que destaque mucho entre propuestas similares. Destaca más por el giro que da a la historia de los Reyes Magos, manteniendo lo suficiente de la historia original, pero añadiendo elementos nuevos (lo cual me parece que es lo que debería tener cualquier historia que adapte algo, no importa lo que sea).
Por último, hay que hablar de los personajes. Los mejores de la historia son obviamente los titulares Reyes Magos. Desde el principio sus distintas pero complementarias personalidades están bien establecidas y la historia se toma su tiempo para darles un desarrollo y una evolución. Los demás personajes que aparecen en la historia también tienen un desarrollo y personalidades distintivas. Los únicos que fallan un poco son los dos villanos, Herodes tiene una personalidad de niño malcriado que está ahí solo para reírnos de él y su socio Belial es básicamente un genérico villano que hace el mal por buscar poder sin ningún otro rasgo de personalidad aparte de que le avergüenzan las payasadas de Herodes
Los Reyes Magos es una película de animación más que disfrutable. Es más recomendable verla de niño cuando aún esperas ilusionado la llegada de Los Reyes Magos en Navidad y prefieres historias más simples. Aún así se puede disfrutar si eres adulto, aunque sea solo por la preciosa animación. Recomiendo verla si un día tienen tiempo estas Navidades.
Fin
La dualidad en Pesadilla antes de Navidad
La Navidad se acerca y con ello viene el visionado de películas navideñas. Desde típicas como Solo en Casa, Que bello es vivir y las tropecientas versiones de Cuento de Navidad, hasta ironicas como Jungla de Cristal y Gremlins.
En estas fechas me gustaría comentar Pesadilla antes de Navidad; más conocida como la película que todos dicen que es de Tim Burton, pero aunque se basase en una idea suya Tim Burton no dirigió, pero tiene su nombre en el titulo porque cuando se estrenó su nombre ya era rentable.
Muchos dicen que tiene más sentido considerarla como un especial de Halloween, ya que la historia va sobre un esqueleto con el titulo del rey de Halloween que quiere hacerse con la Navidad.
Pero haciendo un detenido análisis no se si irónicamente, por mucha temática de Halloween en la película, se puede considerar más una película de Navidad.
Para demostrarlo os voy a comparar las diferencias entre un especial de Halloween y uno de Navidad
-Especial de Halloween: siempre van a referenciar monstruos clásicos como zombies y vampiros; o nos dignan con su presencia en el especial, aunque en series más realistas generalmente hay una explicación lógica a lo sobrenatural (ejemplo, un sueño). Siempre el argumento va a ser una referencia a una película de terror o como minimo van a referenciar una película de este tipo en la historia (ejemplo de ello el cameo de Nosferatu, el primer vampiro conocido de la historia del cine, en Bob Esponja). Gracias a Los Simpson, es común los especiales en los que uno o más personajes cuentan historias sobre ellos que rara vez son canon en la serie. La ambientación de estos casi siempre es muy sombría y tenebrosa, en honor a la temática de esta fiesta. También hay una variedad de estos que consisten en los protagonistas celebrando Halloween, aunque esto no es obligatorio.
-Especial de Navidad: siempre van a ser de personajes celebrando la Navidad, o como mínimo una historia que sucede durante la celebración de estas fechas. Su argumento casi siempre va a incluir una moraleja, la más habitual valorar a las personas que tenemos en nuestra vida. Otra moraleja común es sobre la importancia de ser generosos y buenos con nuestros semejantes. La ambientación va a ser muy iluminada y colorida, a no ser que les dé por hacer una versión retorcida de la Navidad. Frecuente la aparición de un personaje asociado a la navidad, siendo el más probable en concedernos su aparición Papa Noel. No suele haber referencias a películas a no ser que explícitamente quieran parodiar una, son muy comunes parodias a Cuento de Navidad y Qué bello es vivir.
Muy bien, ahora comparemos.
¿Qué tiene de especial de Halloween Pesadilla antes de Navidad? Bueno, incluye monstruos clásicos como vampiros, brujas, hombres lobo, etc. Incluso su protagonista es un esqueleto andante cuya novia es una versión femenina del monstruo de Frankenstein. La atmosfera cuando están en Ciudad de Halloween es tenebrosa, y la mayor parte de la historia sucede en esa Ciudad. Y la mayoría de los personajes básicamente viven para celebrar Halloween.
¿Y de especial de Navidad? Bueno, Papa Noel tiene un papel relevante en la historia. La atmosfera cuando el protagonista viaja a Ciudad de Navidad es iluminada y colorida. La celebración de Navidad es relevante en la historia y la última parte de esta tiene lugar durante Nochebuena. Pero lo más importante, el protagonista aprende dos moralejas: una, porque le guste algo no quiere decir que sea bueno haciendolo; la segunda, ya adivinasteis, aprender a valorar a los que tiene en su vida.
Conclusión
Tras hacer el análisis he llegado a esta conclusión: Pesadilla antes de Navidad tiene una estética que se acerca más a un especial de Halloween pero una historia más cercana a un especial de Navidad.
A que fiesta se acerca más depende de si le das más importancia a la estética o a la historia. Yo personalmente le doy más importancia a la historia, así que me parece que se acerca más a la Navidad, pero solo por muy poquito ya que los elementos de Halloween no se pueden separar de la historia lo mires como lo mires.
Además, como fan de Tim Burton que soy hay que mencionar que su temática más habitual es sobre criaturas que lucen aterradoras, pero en el fondo son gente muy agradable cuando los conoces más a fondo. Por lo que me parece poetico que una película escrita por él luzca como un especial de Halloween pero tenga el corazón de un especial de Navidad.
Aun así, independientemente de a que fiesta se acerca más Pesadilla antes de Navidad puede presumir de ser la única película que es capaz de mezclar los mejores elementos de dos fiestas completamente opuestas en una película divertida, creativa y preciosa a partes iguales.
Historía de las adaptaciones de Zipi y Zape
Si hay algo que la cultura popular española no tiene que envidiar a la estadounidense es sus comics, gracias a la colección conocida actualmente como Magos del Humor. Las historías de Mortadelo y Filemón son tan iconicas como las historías de Spiderman y Batman.
Estos comics han sido una gran influencia para todo español, la prueba de ello es la existencia de calles con nombres de personajes de comics y el hecho de que las películas españolas que más interés han despertado entre la gente que conozco han sido adaptaciones de estos queridos personajes.
Pues bien, ahora me gustaría analizar las adaptaciones del segundo comic más conocido en nuestra patria, solo superado por los legendarios Mortadelo y Filemón. Estoy hablando, por supuesto, de Zipi y Zape.
Zipi y Zape cuenta las aventuras de unos gemelos completamente idénticos salvo por el detalle de que uno es rubio y el otro moreno. Estos se caracterizan por meterse en mil y un líos, ya sea por traviesos o por malinterpretar algo que les pedían los adultos, lo que generalmente acaba con ellos siendo perseguidos por su padre.
Ahora bien, el comic es (o fue) muy popular y por lo tanto ha habido adaptaciones. Sin embargo, estas adaptaciones se han caracterizado por ser completamente diferentes al comic original.
-La primera adaptación, o al menos la que mis investigaciones han descubierto, data de 1981. Nunca la he visto y por lo que he oído he hecho bien porque dicen que está al nivel de la filmografía de Ed Wood (que para quien no lo conozca tiene el título de peor director de la historia).
-La segunda adaptación fue otro comic dibujado entre 2001 y 2002 por dos historietistas conocidos como Juan Carlos Ramis y Joaquín Cera. En este comic, que leí, mantiene la familia, el profesor, el caco enemigo recurrente de los gemelos y dos compañeros de colegio, pero añade uno o dos personajes nuevos y las historias (al menos las más largas) tienden más a la fantasía y ciencia ficción (las originales de Zipi y Zape tiraban más a aventuras tipo comedia costumbrista o thriller policiaco). El tipo de humor también cambia, siendo más similar al humor de Ramis y Cera (véanse los comics de Pafman y Los Xunguis para hacerse una idea) que al del autor original (José Escobar).
-La tercera adaptación fue una serie animada durante 2003 y 2005 (de la que viene la portada de esta entrada). Se mantuvo los mismos seis personajes, aunque los dos compañeros se fusionaron en 1, el humor también se cambió, siendo más propenso al humor absurdo, y con argumentos más locos y fantasiosos (en el original también había elementos fantasiosos, pero rara vez salían). También destaca que en esta adaptación se añadieron personajes secundarios femeninos mientras que en el original apenas participaban chicas, sin contar la madre de los gemelos. También destaco el opening de la serie por ser muy pegadizo.
-En 2005 salió una película basada en la serie titulada Las monstruosas aventuras de Zipi y Zape, que consistía en que los gemelos y sus amigos tenían que luchar contra monstruos que habían escapado de otra dimensión. La película está bien a pesar de que la mayoría de ella solo son capítulos de la serie juntados para hacer una película. De todos modos resume más o menos como era la serie por si algún día la encontráis y queréis haceros una idea.
-En 2013 salió una película con actores llamada Zipi y Zape y el club de la canica. Está quita todos los personajes menos los gemelos y cuenta como estos son enviados a un internado en el que descubren un secreto que puede llevarlos a un tesoro. A pesar de que su argumento y tono recuerda más a Los Goonies que a un comic de Magos del Humor, es irónicamente la adaptación más fiel a la obra original, contando una historia que el mismíso Escobar podía haber escrito y manteniendo el punto de vista infantil de la sociedad española de entre los años 50 y 70.
-En 2016 salió una secuela titulada Zipi y Zape y la isla del capitán. Francamente no vi esta porque no estaba muy interesado, parecía ser muy similar a la anterior y estoy seguro de que he predicho todo el argumento basado en lo que he visto en los trailers. Si algún día la veo quizás haga una crítica en este blog, hasta entonces no puedo decir nada.
Personalmente todas las versiones que he visto me han gustado, pero me gustaría adivinar porque Zipi y Zape reciben adaptaciones tan distintas a sus comics mientras las de Mortadelo y Filemón son más fieles al texto original.
Una interpretación es que Escobar ha muerto mientras Ibáñez aún sigue con vida, por lo que los que adaptan su obra no le tienen a él para pedirle consejo o simplemente tienen carta blanca para hacer lo que quieran con las adaptaciones porque Escobar no va a quejarse.
Pero yo creo que la razón está relacionada en que los dos comics son muy diferentes. Los comics de Zipi y Zape tenían la intención de satirizar como era la sociedad de la época a traves de los ojos de los niños, por lo que la mayoría de elementos del comic forman parte de la sociedad de ese momento, si una futura adaptación quisiera ser lo más fiel posible debería o hacer una película de época o adaptarla al mundo actual. Mientras tanto, los elementos de Mortadelo y Filemón se pueden adaptar a cualquier década que se quiera.
Pocahontas es lo peor
Muchos fans de Disney, entre los que no tengo ningún problema en incluirme a mí, consideran el periodo entre 1989 y 2000, conocido como el Renacimiento de Disney, la mejor etapa de la compañia.
Y tiene mucho sentido, Disney en todas sus etapas ha fallado siempre en algo: en sus personajes principales, en su música, en sus villanos e incluso en su animación. El Renacimiento de Disney es la única época en la que ha tenido perfecto todo. Pero si sabéis de la historia del estudio después de El Rey León empezó a decaer su crítica y taquilla. Las películas posteriores como El jorobado de Notre Dame y Hércules fueron mejor vistas al pasar de los años, pero hay una que si bien no es odiada es vista como una película más floja o la gente no la reivindica tanto como las demás de este periodo y es, apropiadamente, la que empezó esta decaída. Estoy hablando, obviamente, de Pocahontas.
¿En qué falla está película? Bueno, es lo que mi análisis va a explicar ahora:
-Mundo inconsistente:
En la mayoría de las películas de Disney hay elementos mágicos, pero siempre están establecidos desde el principio y de una forma que puedes entender cómo funcionan en ese mundo.
Pero en Pocahontas hay una escena en la que los protagonistas se encuentran y tú piensas: bueno, como no hablan el mismo idioma no se van a entender. Pero entonces, aparecen unas hojas (o lo que sea, no recuerdo bien) mágicas que los rodean e inmediatamente se entienden perfectamente.
Vale, ¿qué demonios acaba de pasar? Es la mayor conveniencia que he visto en el cine, y os lo dice un tipo que se ha visto 4 de Almodóvar. O sea, que gran casualidad que justo aparezcan unas hojas mágicas y les permitan hablar.
Lo malo es que esto sale de la nada sin explicación alguna y menos la abuela árbol no hay ningún otro elemento mágico en la película. A lo mejor lo podían haber presagiado, como hacer que esta magia permita a Pocahontas hablar con sus amigos animales o mejor aún, no hacerlo y que tengan que aprender ambos el idioma del otro, algo similar a lo que harían después en Tarzán.
Queda muy raro hacer esto porque no es consistente con lo demás que aparece en la película y te extraña porque eso no aparece con los demás colonos e indios. Hablando de los colonos.
-El peor villano Disney:
Para una franquicia notoria por sus grandes villanos, el gobernador Ratcliffe es, como decirlo, decepcionante.
Lo primero, su diseño es bastante malo. Un villano Disney siempre luce impresionante, pero el diseño de este se acerca más a un personaje cómico que a un antagonista.
Mucha gente que critica a este villano se centra en que su motivación es solo conseguir dinero, pero honestamente me parece que ese no es el problema ya que todos los villanos de Disney buscan poder, una motivación igual de generica y simple como hacerse rico. El problema es su plan.
Este sujeto viene a América buscando oro inspirado por los conquistadores españoles. Pero este no se debió enterar que los conquistadores españoles sacaron el oro de saqueos de imperios y cree que con cavar en un sitio aleatorio va a encontrar pepitas. Luego, cuando para sorpresa de nadie no encuentra nada, se basa sin ninguna prueba salvo especulaciones que los indios tienen el oro y decide atacarles sin estar completamente seguro de que tienen el maldito oro. Francamente si este fuera un empresario su empresa quebraría al segundo día.
Lo que me molesta es que todos los villanos de Disney tienen un plan bien calculado para conseguir sus objetivos y si no fuese por la intervención de los héroes se habrían salido con la suya. Este incluso si hubiese ganado no habría conseguido nada, lo que lo hace menos intimidante como antagonista.
Pero lo peor de él es que es innecesario para la historia. Los villanos de Disney en las peliculas son los que mueven el conflicto, por lo que su presencia en la trama está justificada. Pero en Pocahontas, el conflicto es el prejuicio entre los indios y los colonos, cosa en la que Ratcliffe no tiene relevancia en toda la película. Incluso en el clímax la guerra entre los dos bandos va a estallar porque los indios van a matar a John Smith, no por nada que Ratcliffe haya hecho.
La única relevancia es herir a John Smith en el clímax, que solo sirve para que los protagonistas se tengan que separar. Hablando de protagonistas.
-La princesa más sosa
Sin contar la bella durmiente (y quizás Blancanieves si me lo discutís) Pocahontas es la princesa más plana de la historia de Disney.
Pensar en su motivación, ella dice que quiere hacer algo más de lo que le imponen en vida, lo normal en las princesas de Disney, pero en vez de ser algo interesante Pocahontas dice algo vago de que tiene un sueño con una flecha y nada más, no se explora que quiere más de su vida y por qué. No ayuda que no tiene un rasgo que la caracteriza o la hace interesante como las princesas anteriores: a Ariel le fascinan los objetos humanos, Bella lee libros, Jasmine es astuta. Pocahontas no tiene ningún rasgo memorable en su personalidad quedando una princesa generica con una motivación poco establecida..
Por no mencionar que no se desarrolla como personaje en la historia. Es básicamente la misma mujer del principio a fin y no aprende nada nuevo en toda la película. Compararlo con Simba, el personaje del El Rey León, qué durante su película crece, aprende cosas y al final es un personaje distinto a cómo empezó.
Incluso aunque no todas las princesas aprendían algo al menos la mayoría hacían algo para mejorar las cosas y ayudaban a que las cosas cambiasen para mejor, pero Pocahontas no hace nada hasta el final de la película. Hablando de cosas
-Moraleja que no se gana
La moraleja de la historia sería la de evitar los prejuicios. El problema es que no se ejecuta bien.
Hace poco comenté sobre como la moraleja de El Rey León era no olvidar tus responsabilidades. En esa película nos muestran claramente lo que sucede cuando no tenemos en cuenta nuestras responsabilidades. Mirar el horror de Simba al volver a su hogar y verlo destrozado, esta imagen es importante porque tanto el protagonista como la audiencia ven las consecuencias de no seguir está lección.
Pocahontas, por el contrario, en el clímax cuando Pocahontas le dice a su padre que mire lo que está pasando solo hay unos tipos mirándose mutuamente. Está escena funcionaria si hubiera empezado ya una pelea y viésemos gente herida o arboles quemados. Algo que quedaría impactante, pero no lo hacen y en la escena no se siente ganado que el padre decida finalizar los conflictos.
Hablando de escenas.
-Animación estática
La animación de esta película está bien hecha, el problema es que han ido demasiado al realismo.
Tanto los fondos de la película como los movimientos de los personajes intentan verse lo más cercanos a la realidad posible, solo cambiando la iluminación, pero aun así se ve realista porque luce como si viniera de elementos de la escena como las antorchas o el alba.
El problema es que esto afecta negativamente a la animación. En la mayoría de las películas de Disney la animación es rápida, fluida y la ambientación cambia dependiendo de lo que mejor representa las emociones de la escena. Pero en Pocahontas al intentar lucir realista la animación el ritmo en las escenas musicales es más lento y las escenas se ven menos llamativas como en otras películas de Disney.
Conclusión:
Pocahontas intentó ser un romance con toques épicos que acabó fallando porque no desarrollaron ni el mundo ni los personajes, se preocuparon tanto por hacer realista la animación que se olvidaron hacerla interesante y no le dieron impacto al mensaje.
Por suerte, hay una mejor versión de esta historia. La película de Estudios Ghibli La princesa Mononoke. Todo lo que he contado como mal en esta película está bien hecho en esa: la protagonista tiene un mejor desarrollo y una personalidad interesante, la magia del mundo está mejor establecida, la animación luce mejor, el conflicto está mejor hecho y hay consecuencias; incluso tienen un tipo feo avaricioso, pero este es más interesante, su plan no es estúpido y afecta a la historia.
Mi consejo, si os da un día hacer un maratón del Renacimiento de Disney evitar Pocahontas y mejor ver Goofy e hijo, una película infravalorada con mejores elementos y que merece que le quite a Pocahontas el puesto que tiene como parte del Renacimiento de Disney.
Mi experiencia con Almodóvar
Pedro Almodóvar, todo español cuya vida no se extinguiese antes de los años 80 ha oído ese nombre más de una vez en su vida incluso si no ha visto sus películas. Y no sin razón, este tipo es alabado casi como un dios tanto en España como en el extranjero.
Yo durante mucho tiempo no vi ninguna de sus películas, pero si oí su nombre y la reputación que le precedía. Por supuesto, un tipo como yo deseoso de entrar en el mundo del cine español, tenía que ver las películas de este tipo para saber de qué va y porque atrae a tanta gente.
La oportunidad me llego cuando en la universidad me pidieron como tarea ver Todo sobre mi madre, la vi y no me gusto. Era una película ridícula en la que una mujer que acababa de perder a su hijo decide volver a su ciudad natal por una razón bastante tonta y nada más llegar ahí le suceden un montón de conveniencias y casualidades que rozan el absurdo, por no hablar que el final es tonto y no tiene ningún sentido.
Después vi otra película llamada Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, qué tampoco me gusto. Ahí la trama no estaba movida por conveniencias, pero si por personajes que actuaban de forma tan irreal que hasta unos extraterrestres habían encontrado raro su comportamiento.
Entonces parecía que Almodóvar iba a ser de esas cosas que me parecían sobrevaloradas como el Spiderman de Tobey Maguire.
Entonces vi Mujeres al borde de un ataque de nervios, que al contrario de las anteriores me gusto, me creía a los personajes y era una excelente comedia. Tras verla pensé que quizá tuve la mala suerte de pillar sus malas películas y que a lo mejor su filmografía sí merece la pena verla.
Pero entonces vi Volver y volví a tener el mismo problema que con Todo sobre mi madre. La historia tenía demasiadas casualidades y conveniencias (no tan malas como Todo sobre mi madre y al menos en Volver podía entender porque los personajes actuaban de alguna manera) que estropeaban la historia para mí y evitaban que me enganchase a esta.
Salvo Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, la razón por la que no me gustaron la mayoría de películas que he visto de Almodóvar es clara: los argumentos de sus películas son demasiado arbitrarios y su desarrollo se basa demasiado en enormes casualidades para que terminen de funcionar, al menos para mí.
Un argumento arbitrario funcionaría mejor en una comedia; ya que la mayoría de las comedias se basan en el absurdo por lo que muchas casualidades son aceptables, lo cual explicaría porque la única que me ha gustado son Mujeres al borde de un ataque de nervios. Pero Volver y Todo sobre mi madre son dramas, por lo que el argumento arbitrario evita no solo que tomemos la historia en serio, también evita que nos enganchemos.
¿Entonces Almodóvar es un mal director y está sobrevalorado? La verdad, a pesar de lo que he dicho no me parece un mal director. Todas sus películas están bien dirigidas, sus actores son excelentes, tienen excelentes planos y metáforas visuales y narrativas. Me parece que el problema que tengo con el señor Almodóvar es simplemente que no me gusta su estilo.
Lo desarrollare un poco más. Los mejores directores de cine tienen una marca personal, un conjunto de características visuales y/o narrativas que salen en todas sus películas (o al menos en la mayoría) . Ejemplo de ello pueden ser los ambientes exageradamente oscuros de Tim Burton y las peculiares conversaciones de Quentin Tarantino. El estilo de Almodóvar, al menos por lo que he visto, consiste en historias regidas por la casualidad y también una atmosfera y escenarios predominantemente coloridos y con una estética de revista.
¿Entonces, por qué Almodóvar atrae a tanta gente? Meditándolo se puede decir que es el mismo motivo por el que a mí me atrae el estilo de Tim Burton.
El estilo de Almodóvar es un estilo muy característico, si ves una película suya lo probable es que adivines en poco tiempo que sea de Almodóvar por los elementos tanto visuales como narrativos de sus películas. La gente que adora el cine solemos tener preferencia por películas que destacan por un estilo propio que las hagan destacar sobre los demás.
Alguna vez en su vida un cinéfilo se va a encontrar al menos un director con un estilo que a él no le va a gustar y yo he encontrado el mío en Almodóvar. El cine es un arte, y como todo arte va a tener sus admiradores y sus detractores.
Análisis del Rey León
De pequeño como casi todos, veía muchas películas de Disney, y una de las películas que solía ver era El Rey León. La veía muy a menudo porque me gustaba bastante, pero hubo un tiempo en que la deje de ver y para cuando la volví a ver ya había crecido y me había vuelto un hombre.
Quien me conozca le parecerá raro porque nunca deje de ver dibujos animados, y más de un vez veía una vieja película de Disney, pero El Rey León nunca la pillaba en la Tele. Durante el tiempo en que no la vi me enganche a unos videos llamados Disneycember que reseñaban películas de Disney, en el video de El Rey León mencionaba que la moraleja de la película, que supuestamente es aprender del pasado en vez de huir de él, quedaba estropeada porque Simba no había sido responsable de aquello de lo que huía pero en el climax nadie lo apoyaba hasta que Scar reveló la verdad.
Tiempo después volví a ver la película y ¡oh, dios! hice mal en no verla durante tanto tiempo porque cuando uno tiene la perspectiva de un cinéfilo que disfruta del buen cine es fantástica. La animación, la historia, las canciones, los personajes, era todo maravilloso en su ejecución, básicamente se volvió mi película favorita de Disney y teniendo en cuenta lo mucho que me encanta El Jorobado de Notre Dame es un gran logro.
¿En ese caso si es tan genial que pasa con la escena que rompe la moraleja? Bueno, no me parece mala ni tampoco que se carga la moraleja porque aprender del pasado no es la moraleja, la moraleja de El Rey León es la misma moraleja que la de Spiderman: Un gran poder conlleva una gran responsabilidad.
¿No me creéis? Vamos a analizar la película.
Al principio de la película Mufasa, el león rey de la sabana donde sucede la historia, pasa los días enseñando a su hijo Simba las responsabilidades que conlleva ser rey, siendo la más destacada mantener el ciclo de la vida (un principio que obedecen tanto animales herbívoros como carnívoros para mantener el ecosistema), pero a Simba lo único que le interesa es el poder que obtendra cuando sea rey. Al mismo tiempo Scar, hermano de Mufasa, ansía hacerse con el trono y para ello planea asesinar a su hermano y a su sobrino. Analicemos los 3 personajes: Mufasa, el que ostenta el cargo de rey, es alguien que sabe que la vida de mucha gente depende de su supervisión, por lo que ostenta el cargo como si fuera un servicio público e instruye a su hijo para que él lo vea así; Simba y Scar, por otro lado, solo ven el trono como un premio que conseguir, ignorando las responsabilidades que tendrían si se volviesen reyes.
Luego a más o menos la mitad de la película, Scar consigue asesinar a Mufasa y Simba cree que él tuvo la culpa de su muerte, sentimiento que se incrementa cuando Scar lo manipula y lo insta a huir, cosa que hace y huye del reino. En esta situación lo responsable habría sido admitir su culpa, claro que no podemos culpar a Simba ya que es un niño y acaba de perder a su padre, pero lo más responsable habría sido aceptarlo que teniendo en cuenta que es un niño habría sido un shock para los demás al principio, pero todos habrían entendido que fue un accidente con el tiempo.
Tras huir, se encuentra con Timon y Pumba, un suricata y un facóquero que tiene una filosofía conocida como Hakuna Matata, que consiste en no preocuparse por los problemas. Hakuna Matata es la canción más conocida de la película, pero su popularidad ha hecho que la gente no se dé cuenta de que en el contexto de la historia es algo negativo, a pesar de no tener mala intención Timon y Pumba están instando a Simba a no hacer algo que debería hacer. Hakuna Matata es un buen consejo solo cuando no tú no puedes solucionar el problema (ejemplo, el clima), pero si puedes solucionarlo deberías ir inmediatamente a solucionarlo.
Entonces pasan los años. Scar se volvió rey, pero ha ignorado sus responsabilidades y por lo tanto el Ciclo de la Vida se ha roto y ahora el reino es una tierra infértil. Mientras tanto Simba se encuentra con su amiga de la infancia Nala, que le cuenta lo que está pasando en su hogar y le insta a volver. Pero Simba, tras años intentando ignorar su pasado y aún con remordimientos se niega a volver a pesar de que puede hacer algo y sería lo más responsable ayudar.
Pero entonces se encuentra con Rafiki, un viejo amigo de Mufasa y maestro de ceremonias, que lo reúne con el fantasma de su padre, que le recuerda que es el verdadero rey y que debe reclamar el lugar que le corresponde. Tras esto Simba vuelve a su hogar y ve horrorizado como el reinado de Scar lo ha destrozado.
Tras esto se enfrenta a Scar, pero este le hace contar que supuestamente fue responsable de la muerte de Mufasa, lo que deja a su madre y las demás leonas en shock, lo que Scar aprovecha para arrinconar a Simba y casi matarlo, por suerte Scar comete el error de revelar ser el auténtico culpable, lo que hace que Simba recupere sus fuerzas. Esta es la parte que dice que rompe la moraleja, pero como ya hemos dicho la moraleja no es aprender del pasado, sino no olvidar tus responsabilidades, Simba nunca fue responsable de la muerte de Mufasa por lo tanto eso no rompe la moraleja. Lo único malo que cometió fue huir y ya pago con eso dejando a sus aliados en shock por un momento, cosa que claramente no habría pasado si hubiera tenido el valor de admitirlo antes (bueno, quizás Scar lo hubiese matado antes, pero no vamos a ponernos a analizar realidades alternativas de una película).
Tras esto Simba derrota a Scar, se proclama rey y restaura el Ciclo de la Vida, devolviendo el reino su verdadero esplendor.
¿Por qué alguien creyó que la moraleja era sobre aprender del pasado en vez de las responsabilidades? Bueno, en la escena posterior a la que Simba habla con el fantasma de su padre, Simba le cuenta a Rafiki este dice que no se atreve a volver por lo que sucedió en el pasado y este le cuenta que se puede aprender de él. Por eso, más de uno interpreta esta escena como la moraleja de la película mientras la verdadera moraleja se muestra de forma más sutil dentro de la historia a través de como actúan los personajes.
Esto quizás es una prueba del poder de los grandes creadores de historias, que son capaces de confundir a aquellos que no analizan con profundidad la película. También puede ser que yo simplemente estoy haciendo una interpretación alternativa de una película que me gusta mucho, pero de todos modos muchas grandes historias se pueden interpretar de diversas maneras.
¿Qué opináis? ¿Estáis de acuerdo conmigo?
CRITICA DE VENECIAFRENIA
Al principio pensaba hacer un análisis sobre Almodóvar, pero entonces descubrí que la filmoteca española iba a hacer un preestreno de la última película de Álex de la Iglesia, Veneciafrenia, que tristemente no va a salir hasta el año que viene.
Si han leído mis páginas anteriores, sabrán que Álex de la Iglesia es de mis directores españoles favoritos. Claro que tiene algunas películas malas, pero eso sucede hasta con los mejores directores e incluso sus peores películas tiene algo memorable que ver.
Debido a esto, decidí ver la película y hacer una crítica al día siguiente, así quien leyera esto se salvaría de verla en caso de que fuese una mala película. Además, debido a que era un slasher (un subgénero de terror que consiste en que un asesino, preferiblemente enmascarado, va matando gente a puñaladas) serviría también como especial de Halloween atrasado.
Así que ya la he visto y aqui va la reseña:
La trama va de un grupo de turistas españoles viajando a Venecia para la despedida de soltera de una de ellos. Pero lo que no saben es que un grupo de venecianos, hartos de ver como los turistas destrozan su ciudad, han decidido contratacar matando y secuestrando turistas.
Tengo una opinión peculiar con los slashers, por un lado la idea de un asesino acechando entre las sombras me parece la idea más aterradora para una película; pero por otro, este tipo de películas son muy simplonas y repetitivas. Son básicamente adolescentes estando en un sitio en el que aparece un psicópata sediento de sangre, la trama es así de simple y los personajes siempre son planos y genéricos, hasta el mismo asesino destaca más por su diseño y forma de matar que por la personalidad de este. No ayuda que en este subgénero rara vez se innova, al menos con la trama, hasta varios slashers admiten que llegan a ser repetitivos.
Al principio la película parece ser este tipo de slasher. Empieza con un grupo de amigos llegando a Venecia y actuando como idiotas, básicamente todo típico protagonista. La diferencia es que son adultos en vez de adolescentes, lo que hace que su comportamiento estúpido e inmaduro sea más irritante. De hecho, hay veces en la que esperas al momento en que los corten en cachitos, aunque probablemente haya sido a propósito, teniendo en cuenta que se supone que la película también es una crítica al turismo.
Por suerte, el momento en que desaparece uno de ellos dejan de actuar de esta forma y la película se vuelve interesante, ya que trata sobre intentar averiguar que paso y quienes son los que están matando discriminadamente a turistas.
De hecho, la trama a partir de ese momento recuerda más a un thriller que a un slasher. Tiene una investigación, tiene pistas que hay que seguir, tiene revelaciones que se van descubriendo hasta llegar al final. A veces la trama parece similar a la de una pelicula de Alfred Hitchcock, lo cual prefiero a simplemente ver un asesino matando. No se preocupen, fans del slasher, aun hay dementes disfrazados y muertes creativas y sangrientas en la película, así que si os va ver asesinatos violentos en películas nadie se va sentir decepcionado.
Lo mejor de esta película son los villanos de está, que no tienen nada que envidiar a villanos slasher clásicos como Jason Voorhees debido a lo original de la propuesta.
El diseño de estos, inspirados en trajes tipicos del Carnaval Veneciano, dan originalidad a la cinta y lucen muy cool en pantalla grande. También destacan de otros clásicos villanos en sus motivaciones; la mayoría de los asesinos matan por simple locura o una venganza bastante absurda, pero los villanos en Veneciafrenia tienen una motivación interesante y entendible al 100%. Se puede decir que son más un grupo terrorista radical que unos psicópatas que matan por placer, lo cual lo hace más aterrador y original.
Venecia como escenario para la película es perfecta. El hecho de que los asesinos puedan pasear con sus mascaras puestas y matar por la ciudad sin que nadie, ni siquiera sus futuras victimas sospechen nada, es una idea que solo podía funcionar en una ciudad tan abrumada por el turismo como Venecia. Venecia además sirve como un escenario muy adecuado para hacer a la vez un slasher y una crítica a un elemento de nuestra sociedad sin que resulte forzada y molesta (como tristemente le paso a Álex con Balada triste de trompeta).
La única pega que tengo es que el final es un poco decepcionante. No es que me parezca malo y por lo tanto un ejemplo de la maldición que Álex de la Iglesia tiene con los finales de sus películas, pero es que normalmente tiene la costumbre de reservar la mayor locura de sus películas al final de esta, por lo que la película acabe de una forma tan simple decepciona un poco la verdad.
Además, si alguno está esperando el humor negro marca Álex de la Iglesia, es posible que se decepcione, tiene algún momento cómico pero la película en sí se toma en serio. Lo cual no me molesta ya que los slashers que incluyen comedia en la película normalmente se burlan de los chicles del género, lo cual me parece más un vago que cree que admitiendo que no es original va a parecer inteligente, cosa que tristemente la gente se traja.
Aun así, si te va Álex de la Iglesia, las tramas con intriga, los villanos enmascarados y no eres muy sensible con la sangre, recomiendo ver Veneciafrenia cuando se estrene en abril, es un slasher muy entretenido de ver, muy original para un subgénero que rara vez innova. Se pasa bien viéndola incluso aunque no seas fan de los slashers.
FIN
LA CAÍDA DE LOS X-MEN
Algo irónico de mí es que en los tiempos antes del UCM no estaba muy interesado en superhéroes. Veía algo de vez en cuando, pero salvo Batman no estaba especialmente interesado.
En aquella época no veía en ese genero más que a un tipo vestido de forma rara luchando contra otro tipos vestidos de forma rara que causaban el caos en una ciudad, estaba bien para pasar el rato, pero no era algo muy interesante para mí que me llamaban más la atención las comedias o las historias de aventuras. No ayudaba que la trilogía de Spiderman fuesen las películas más conocidas en aquel entonces, ya que su argumento de caricatura de los años 80 alimentaba esa opinión negativa en mi.
Pero todo eso cambió cuando vi la primera película de los X-men. La idea de unos marginados buscando aceptación en un mundo hostil mientras luchaban contra otros como ellos que buscaban venganza contra la humanidad me pareció una idea muy interesante, y me abrió a la idea de que las historias con superhéroes podían ser algo más que unos tipos con ropa colorida pegándose entre ellos.
Se puede decir que fue el primer paso para que me interesaran los superhéroes tanto como ahora, igual que les paso a muchos de la generación de los 2000. Sin embargo, aunque abrió las puertas al cine actual de superhéroes, estas películas han caído casi en el olvido, y la saga terminó de forma poco agraciada con películas olvidables como Dark Phoenix y New Mutants.
¿Qué paso para que una saga que influyó tanto acabase así? Para eso vamos a analizar la historia cinematográfica de los X-men.
Todo empezó el año 2000 con la primera película, la cual se bautizó simplemente como X-Men. La película fue un éxito tanto en critica como en taquilla. Sin embargo, ya presentaba dos problemas que terminarían haciendo tropezar la saga al final de esta.
Todos ya han comentado sobre los inefables trajes negros, ya que como estaba en pañales el cine moderno de superhéroes y querían que su historia de intolerancia se tomara en serio, sustituyeron los coloridos trajes de los comics por unos negros genéricos. Pero hay otro problema que muy pocos han mencionado: los X-Men de la película salvo Xavier, Pícara y Lobezno eran personajes muy genéricos y sin personalidad distintiva; lo cual está muy mal porque lo interesante de los X-Men es que son un equipo y, por lo tanto, distintivos entre sí. Comparémoslos por ejemplo con otro grupo de superhéroes, los Guardianes de la Galaxia (usar Los Vengadores sería hacer trampa), estos en las películas tienen personalidades distintivas mientras que Ciclope, Jean Grey y Tormenta son intercambiables en esta película.
Estos dos elementos, junto al hecho de que las peleas eran muy olvidables, han hecho que la película no haya envejecido bien y quizás explica porque la trilogía de Spiderman tuvo más éxito, ya que al menos esta se molestó en ser más fiel visualmente a los comics y tuvo mejores escenas de acción. Aun así, a pesar de estos problemas el público la acepto por las actuaciones que no eran genéricas (especialmente Hugh Jackman como Lobezno), la historia y porque no había nada con lo que comparar.
Luego llego la segunda parte, que fue un mayor éxito y en mi opinión ha envejecido mejor que la segunda gracias a la mejora en las peleas. Pero entonces llego X-Men: La decisión final, la tercera entrega, y todo se fue al garete. Leí que la producción fue problemática y se nota. Es una película con dos tramas que apenas tienen relación y la resolución de ambas termina siendo tan decepcionante como el trato que reciben algunos personajes. Solo hay que ver lo que hicieron con Pícara, yo no había leído los comics en aquella época, dónde se supone que es un personaje más interesante y activo en la acción, pero incluso yo pensaba que hacerla tomar la cura fuera de cámara y no incluirla en una escena de acción a pesar de ser un personaje que estaba desde el principio de la historia era una resolución decepcionante para el personaje.
Entonces llego la peor de todas, X-Men origenes Lobezno, lo cual con algo de vergüenza he de admitir que fue la primera que vi y me pareció decente al principio, sobre todo me gustó la interpretación de Liev Schreiber como Dientes de Sable. Pero francamente lo que hicieron con Deadpool fue más imperdonable que el Avada Kedavra de Harry Potter. Normalmente intento ser abierto a cambios que no afecten negativamente a la trama, pero esa deplorable interpretación demuestra que actuaron con odio hacia un querido personaje y que encima no tenía porqué haber estado en esta película.
Esto parecía el fin, pero en 2011 llego X-Men primera generación, la mejor película de la saga sin contar sus spin-offs de Lobezno y Deadpool y la unica precuela en la historia del cine en la que ni un solo elemento apesta. El director de la pelicula Matthew Vaughn (muy recomendable su filmografia) incluyó elementos más bombasticos y extravagantes de los comics que las anteriores, como trajes más coloridos, y dió más personalidad a todos los miembros del equipo. La pelicula fue un exito y devolvió parte de la dignidad perdida a la saga tras las dos decepcionantes entregas anteriores. Tras esto Vaughn planeaba hacer una trilogia que terminaria con la adaptación de Días del futuro pasado, un arco de los comics en la que un X-men viajaba en el tiempo para evitar un futuro en el que poderosos robots habían subyugado tanto a humanos como mutantes.
Pero el año siguiente se estrenó Los Vengadores, la película que consagró el llamado Universo Cinematográfico de Marvel como la adaptación de superhéroes más exitosa de la historia. Las adaptaciones de superhéroes estaban empezando a perder el miedo de adaptar los elementos que años antes no se querían adaptar por miedo a lucir ridículos sin la necesidad de perder seriedad en sus historias. La saga de los X-Men, si quería sobrevivir debía ir con cuidado.
Sin embargo, Fox, la compañía que tenía los derechos de los personajes, cometió el primer error que llevaría a la saga a su trágico final. Vaughn fue echado de la silla de director y colocaron de nuevo a Bryan Singer, director de las dos primeras películas de la saga que quito casi todas los trajes y personalidades más llamativas que había aportado Vaughn y volvió al estilo de las anteriores con todos sus defectos incluidos. Tras otra película de Lobezno en 2013 (entretenida, pero si no la ves tampoco te pierdes mucho) fueron directamente a adaptar Días del futuro pasado, esta jugada en principio no fue una mala decisión porque también resulto ser una película rentable y gustó tanto a audiencia como critica.
Entonces llego Deadpool en 2016, una de las mejores películas de esta saga solo superada por Logan, esta película nos presentó un Deadpool como Dios manda y además tenía más elementos que se esperarían más de una adaptación de comics. Además, el hecho de que la película fuese para mayores de 18 años le dio un toque original que el UCM no podría dar por cierta reticencia por Disney, la compañía que actualmente posee los derechos de los personajes de Marvel.
Parecía que la franquicia iría a mejor, pero entonces llego el descenso a los infiernos con X-Men Apocalipsis, una de sus peores películas. Singer, el director de nuevo, falló completamente en la dirección de esta película con un guion muy malo. Lo que mató a esta película fueron muchas cosas, como la inclusión elementos que ya habían funcionado antes (el pasado de Lobezno, Magneto como villano) de forma forzada en la historia y un nuevo un grupo de X-Men sin carisma ni desarrollo. Sin embargo, el mayor error fue el villano de la película, Apocalipsis; para aquellos que no sepan del personaje original se supone que es un villano tipo Darth Vader o Thanos, un señor oscuro cuya mera presencia ya impone e intimida. Sin embargo, en la película luce como Calamardo si Calamardo decidiese fundar una secta, por no mencionar su genérica personalidad.
Esta película hizo perder el interés que le quedaba a la audiencia con esta saga, pero no fue el final. Al principio parecieron resarcirse con Logan, la mejor de la saga, y Deadpool 2, tan divertida como la primera parte.
Sin embargo, Logan marcó ya el principio del fin. Hugh Jackman, el actor más popular de estas películas gracias a su papel como Lobezno, dijo abiertamente que tras está película no volvería a interpretar a su personaje, lo cual era un duro golpe para esta saga porque Lobezno había sido el elemento más alabado de la saga y sin él la saga estaba desnuda a la intemperie. Su única esperanza era recuperar el interés de la audiencia.
Su siguiente película sería Dark Phoenix, que adaptaría la legendaria Saga del Fénix, el arco más popular de los comics originales y que X-Men: La decisión final ya había intentado adaptar. Entonces Disney y Fox decidieron fusionarse, lo que significa que el UCM podría incluir los X-Men en sus películas, lo que se le había negado antes. Esto significaba el fin de la saga a no ser que pudieran demostrar que seguían siendo rentables.
Pero en vez de salvar la saga, Dark Phoenix fue el golpe de gracia que la mato definitivamente con su estrepitoso fracaso en critica y taquilla (salió Los Nuevos Mutantes años después, pero el daño ya estaba hecho y la película tampoco tuvo éxito de todos modos).
El gran fracaso fue por mantener los errores de la primera película. Los trajes eran negros de nuevo (tenían algo de amarillo en ellos, pero tampoco era una gran diferencia en comparación con los trajes originales) y los X-Men tenían personalidades planas de nuevo. Pero esta vez, sin Lobezno y tras varias películas de superhéroes con trajes más fieles a los comics y personajes más interesantes, estos errores eran imperdonables en 2019. La taquilla demostró que ya se habían cansado de la formula, dando un triste cierre a una saga que irónicamente pavimentó el camino para el cine de superhéroes actual.
La razón de que acabara así es fácil de explicar: a esta saga no se le permitió evolucionar. Todos los proyectos exitosos tras la trilogía original como Deadpool o Logan probaron algo nuevo, pero la saga en sí se negó a salir de su zona de confort creada por las películas anteriores hasta que la gente se cansó y si evoluciono se negó a cambiar las imperfecciones que tenía y no parecían ser conscientes de que las nuevas películas de superhéroes no presentaban estos problemas.
Esto es lo que la mato, el orgullo de creer que su fórmula sería rentable hasta la eternidad y que la gente perdonaría sus errores solo con pequeños cambios para actualizar la formula. Pensad por ejemplo en el UCM, la llamada Fase 3 es completamente distinta a la Fase 1, porque cambiaron lo suficiente para seguir despertando el interés. Además, hicieron caso a las críticas que tenían como sus genéricos villanos y la falta de autentico riesgo para sus personajes y las arreglaron. Lo mismo paso con las películas de DC Comics, al principio sus películas no terminaron de convencer, pero notaron los problemas, probaron cosas nuevas y han conseguido mantenerse más o menos a flote. Sí hubieran seguido cometiendo esos errores es muy posible que las audiencias se hubieran hartado también de ellos.
Está vez a Icaro le mato no atreverse a acercarse más al sol.
Mis Recomendaciones
El primer texto que salió en este blog, que no será fácil de olvidar ya que es un texto reciente, es una defensa al cine español y de porque no se debía subestimar y pensar que es una abominación.
Pues bien, algo que caracteriza a todo cine son sus directores. Personas que dirigen el equipo y los mejores de ellos dejan un estilo particular en sus películas.
El cine español no es ninguna excepción por mucho que ciertas personas digan. Por eso este texto va a recomendar 5 directores españoles que gente que no está muy metida puede ver. Por supuesto, no todo lo que hace un director es una obra de arte así que puede que también recomiende que no ver de ellos.
(PD: no voy a meter a Almodóvar por muy popular que sea, ya hablare de él en otro post)
-N.º 5: Álex de la Iglesia
Director conocido por su humor negro y por ser uno de los pocos exponentes del cine fantástico en España. Es un director capaz de crear mundos muy imaginativos y originales. Los diseños de sus criaturas y mundos, con la personalidad que solo él puede darles, no tienen nada que envidiar a Guillermo del Toro.
Por supuestos sus propuestas más "realistas" tampoco tienen nada que envidiar a sus más fantasiosas, con sus argumentos originales y sus momentos tan retorcidos y a la vez tan humorísticos y memorables.
Sin embargo, lo pongo el último en la lista por varias razones.
La primera es que peca de uno de los pecados que mencione del cine español: fanservice innecesario. Muchas de sus películas tienen desnudos o semidesnudos de mujeres innecesarios que solo están ahí para ser chocantes de una forma vaga.
Lo segundo es los finales de alguna de sus obras. Si de la Iglesia mete la pata en una película estar seguros de que probablemente sea en el final de esta. No sé cómo lo hace, pero se las ha arreglado para poner los peores finales que jamás he visto, que van de absurdos a plantear una idea final espantosa. La única excepción es 800 balas que mete la pata en varios lugares, pero el final está bien, y Balada triste de trompeta que la película es básicamente mala desde el principio.
Películas que no recomiendo ver: Balada triste de trompeta, 800 balas, Las brujas de Zugarramurdi y Crimen ferpecto (solo el final de esta, el resto está muy bien, al momento en que el protagonista diga que todo para él es ferpecto, quiten inmediatamente la película y se ahorraran un final absurdo).
-N.º 4: Javier Fesser
Una opción para aquellos que disfruten del humor negro y absurdo, pero no quieran aguantar la crudeza de Álex de la Iglesia o arriesgarse a un final odioso.
Fesser es un director de comedias con un estilo fuertemente inspirado en los comics de magos del humor. No en vano ha dirigido dos adaptaciones de Mortadelo y Filemón (recomiendo más la versión animada, es más graciosa y memorable).
No hay que olvidar también sus cortometrajes como Aquel Ritmillo y El secdleto de la tlompeta que consiguen ser igual de graciosos que sus largometrajes.
También es importante tener en cuenta la película Campeones. Si bien su argumento es la típica película de deportes, destaca por su importancia en la representación de personas con discapacidad intelectual, ya que es de las pocas (a lo mejor hasta la única) que utiliza autentica gente discapacitada, en vez de un actor interpretando a un discapacitado, para interpretar un reparto coral icónico. Algo que irónicamente Hollywood aún no se ha atrevido a hacer.
-N.º 3: Luis García Berlanga
Bueno, un verdadero cinéfilo en algún momento tenía que mencionar un director de cine clásico.
Berlanga puede considerar uno de los pioneros del cine español, al menos en la posguerra. Es el responsable de grandes clásicos de nuestro cine como Bienvenido Míster Marshall y El verdugo.
Un cine cómico que a pesar de la censura de la dictadura franquista siempre encontró formas sutiles de mostrar la realidad social del país y reflexionar sobre ella a través de inolvidables personajes cuyo mayor objetivo era salir adelante de las situaciones en las que se metían.
-N.º 2: Alejandro Amenábar
Director a veces criticado por caer en el cine de género, sin embargo, este señor nos ha dado propuestas muy originales sobre los géneros que ha tocado.
Amenábar es un director que ha destacado por originales propuestas siendo un ejemplo de ello su opera prima Tesis, un thriller sobre el descubrimiento de un mercado de películas en las que un asesino graba como tortura a sus víctimas. Otro elemento en el que han destacado sus propuestas es en los giros de las mismas, sino hay que comprobar Abre los ojos y Los otros, que son tanto inesperados como bien construidos en la historia para que no surjan de la nada.
Quisiera destacar también en él que sabe aprovechar los escenarios, objetos y ambientes de sus películas para darte idea de cómo son los personajes y establecer elementos que terminan siendo relevantes.
-N.º 1: Juan Antonio Bayona
Director más reciente que los anteriores, o con una filmografía más corta que los ya mencionados.
Sin embargo, destaca como el n.º 1 en esta lista por tener una habilidad que los anteriores no han sido capaces de hacer. Una habilidad que escasea en el cine español y le vendría bien tener para atraer más audiencia que el despistado de mi se le olvidó mencionar en el blog anterior como una falla que se podía mejorar: es capaz de emocionar al espectador.
O sea, hay muchos thrillers y muchas más comedias en el cine español, pero hay muy pocas películas lacrimógenas. Un monstruo viene a verme, aunque no es una película super deprimente sí que te hace llorar en muchas parte de esta. En mi opinión, las mejores historias son las que consiguen emocionarte, ya sea por tristeza o por felicidad. Por eso considero a Bayona el mejor director español, al menos de los que he visto a día de hoy.
También hay que destacar su habilidad para crear atmosferas ideales para el suspense. Es lo único en Jurassic World: El reino caído que no es mediocre (es la única película que no podemos considerar buena de su filmografía).
FIN
Cambios que podían haber mejorado Harry Potter
Ah, las adaptaciones, armas de doble filo para guionistas y directores. Por un lado, te dan la historia y los personajes ya desarrollados y tú solo tienes que hacer que funcione como película. Pero por otro, hay que ir con cuidado con lo que cambias en la adaptación o si no te odiaran.
Y es que cuando se adapta algo, los fans de la obra original pueden ponerse furiosos por un cambio por pequeño que sea. Por ejemplo, hay muchos fans que se cabrearon porque en Harry Potter y el Cáliz de fuego Dumbledore pregunta furioso a Harry una pregunta que en el libro hace más tranquilo, tened en cuenta que esa escena solo dura 5 segundos máximo y fue suficiente para cabrear a los fans.
Así qué es mejor mantenerse lo más fiel al libro, ¿no? En realidad, no, cuando adaptas algo estás haciendo una película no una recreación, no deberías tener miedo de cambiar cosas si crees que funcionara mejor como película. Ejemplo de ello son la Trilogía de El Señor de los Anillos y el Universo Cinematográfico de Marvel, si leéis las historias originales veréis que las películas tienen muchas diferencias, pero aun así son tanto buenas adaptaciones como excelentes películas.
Lo único importante de conservar en una adaptación es el estilo y tono de la obra original y aun así no es garantía de que incumplir esto significa que vayas a hacer una mala película como Disney ha demostrado con sus versiones de El Libro de la Selva y El Jorobado de Notre Dame.
Tras dejar claro esto voy a hablar sobre la saga de Harry Potter, que han sido siempre de mis películas favoritas. Mucha gente ha criticado la omisión de ciertos elementos en las películas para disminuir el tiempo, elementos que terminan siendo importantes después y su omisión hace que la película avance casi de la nada porque importantes detalles no han sido introducidos o desarrollados correctamente.
Para probar los puntos sobre los cambios que he contado os voy a contar 4 cambios que habría hecho yo si hubiera sido el guionista de las películas y que creo que podían haber ayudado a que funcionasen mejor como obras individuales.
-N.º 1: cambiar a Bill y Delacour por Lupin y Tonks
Algo que me pareció raro es que en la escena en que Harry habla con los fantasmas de sus seres queridos Harry le habla a Remus Lupin sobre el hijo de este, al que no se ha mencionado ni visto en ningún momento.
Esto es los restos de una subtrama en el libro en la que Tonks, la mujer de Lupin, queda embarazada. Lo que hace que Lupin, preocupado del futuro de su hijo, quiera marcharse de casa hasta que Harry lo convence de quedarse con su familia. Debido a eso luego Lupin nombra a Harry padrino de su hijo.
Bien, antes de la escena de los fantasmas, tras ser rescatados de los mortifagos por Dobby se quedan un rato en una casa habitada por el hermano mayor de Ron, Bill, y su mujer Fleur.
Pues bien, se me ocurre que en vez de esos dos personajes los que los acogen en la casa sean Lupin y Tonks, ya que Bill y Fleur no hacen nada importante después de su boda y quitarlos de esta escena no afectaría negativamente a la historia. Ahí nos muestran brevemente a su bebe y añadimos una escena similar a la del libro en la que Harry convence a Lupin de quedarse con su familia.
Así mantenemos algo de la subtrama y nos ahorramos que la audiencia se pregunte ¿desde cuándo Lupin ha tenido un hijo?
-N.º 2: más tiempo en pantalla para Colagusano y Barty Crouch Jr
Colagusano y Barty Crouch Jr son los principales artífices de la resurrección de Voldermort en El cáliz de fuego. Pero el último no vuelve a aparecer tras haber sido descubierto y el otro queda relegado a personaje de fondo que desaparece tras haber sido noqueado por Dobby.
La desaparición de Barty tiene sentido ya que al final del cuarto libro muere a manos de un dementor y originalmente Colagusano moría a manos de la mano que le dio Voldemort en la mazmorra de los Malfoy. Omitir sus muertes es decepcionante para una narrativa cinematográfica, ya que estos dos son responsables de todo lo malo que sucede tras la cuarta película y no tenemos ni idea de que pasa con ellos.
Sino no iban a adaptar sus muertes una mejor opción habría sido perdonarles la vida hasta la Batalla de Hogwarts. Una película se beneficia más de antagonistas reconocibles, así que meterlos en escenas que no salían en los libros como la Batalla en el Ministerio haría más interesante los combates que simplemente luchar contra los esbirros genéricos y aleatorios que son la mayoría de mortifagos. En las películas hacían lo mismo con Bellatrix en la escena de la muerte de Dumbledore, porque no con ellos.
Luego, cuando llegue la batalla final haberlos matado durante la pelea de una forma épica que sea digno de ver, así les damos un mejor final a antagonistas con gran relevancia en la historia que hacerlos desaparecer sin explicación alguna.
-N.º 3: Ginny y Harry van juntos al baile de Navidad
Un problema que tuve con las películas es que la relación amorosa entre Harry y Ginny surge un poco de la nada. Al principio pensé que en el libro lo harían mejor, pero, aunque se desarrolla más, también sale casi de la nada en los libros.
Por si no recordáis, en El Cáliz de fuego hay un baile en el que Harry va con una chica de origen hindú. Se me ocurrió que el amor entre Harry y Ginny se habría podido establecer mejor si en la película quitamos a la hindú, que no tiene ninguna relevancia salvo esta escena, y hacemos que vaya con Ginny.
Ahí en el baile pueden hablar entre ellos sobre quidditch, de otras cosas que les interesen a ambos o sobre sus vidas, lo que les hace congeniar y establecer un vínculo que aún no llega a relación amorosa porque Harry aún está interesado en Cho Chang en ese momento. Tras esto se despiden y uno sugiere quedar un día para jugar a quidditch o hacer otra actividad juntos.
Así con esta escena la relación sale menos de la nada en El misterio del príncipe y los espectadores tienen una idea de porque Harry de pronto está interesado en la hermana de Ron.
-Nº 4: Dobby en el papel de Kreacher
Leí una vez que el director de La Orden del Fénix quería quitar a Kreacher de la película, a lo que Rowling se negó porque Kreacher iba ser importante luego. Francamente, con lo poco que hizo mejor haberle quitado.
Kreacher es protagonista en los libros de una subtrama en la que Harry hereda de Sirius Black a Kreacher como su elfo doméstico y de mala gana él se lo queda. Al principio se llevan mal, pero luego Harry descubre su pasado con su antiguo amo Regulus Black, la triste historia de la muerte de este y la culpa de Kreacher por fracasar en la tarea de destruir el horrocrux que Regulus le pidió antes de morir.
Una opción podía haber sido dar los elementos de la relación con Regulus Black a Dobby. Tiene mucho sentido, Dobby es un personaje ya establecido desde la segunda película y tendría más sentido para la audiencia explicar su pasado que un personaje que solo aparece dos segundos.
La escena podría suceder así los protagonistas lo encuentran de la misma forma en la que encuentra a Kreacher en la película, Dobby les explica que visitaba la casa de su antiguo amo, Regulus Black, con quien al contrario que los Malfoy le trató siempre como a un hermano. Tras esto le preguntan sobre el guardapelo y Dobby cuenta que Regulus murió consiguiéndolo y le pidió destruirlo, tarea que no pudo hacer.
No hace falta cambiar mucho para justificarlo, Narcissa Malfoy era Black antes de casarse, podemos inventarnos que Dobby fue un regalo de bodas.
Haber hecho esto daría más profundidad a Dobby y daría mayor significado que intentara salvar a Harry en su segundo año y que luego diese la vida por él. Estaría compensando no haber podido salvar a Regulus y hacer que su muerte no sea en vano.
Conclusión:
Y aquí va mi sugerencia de cambios que podían haber mejorado las películas de Harry Potter. Me siguen pareciendo muy buenas y se pueden más o menos entender y disfrutar sin necesidad de haber leído los libros, pero ha quedado claro que se podían mejorar algunas partes.
La lección que intento dar a futuros cineastas, sí alguna vez leen esto, que un día quieran realizar una adaptación es que no deberían tener miedo a cambiar elementos en los libros si creen que modificar un detalle en una adaptación haría funcionar la historia mejor como una película, que es lo que supone que estás haciendo.
No todo cambio va a ser siempre una buena idea, pero la creación de grandes historias siempre conlleva un riesgo consigo.
Analisis del Cine Patrio
¿Qué problema tenemos los españoles con nuestro cine nacional?
Es muy común oír a un español decir "solo 1 de cada 10 películas españolas son buenas" o simplemente " el cine español es una basura". Pues la verdad, o yo he tenido la suerte de encontrar solo las 1 de cada 10 o alguien aquí está exagerando.
A ver, no todas las películas españolas que he visto son obras maestras, pero muy pocas son malas. Entonces, ¿cuál es el problema?
La mayor parte del desdén es por los actores o directores de estas películas. La mayoría se meten mucho en política, y más de una vez predican pero no dan ejemplo, lo que causa un desdén hacia estos y a sus trabajos. Pero comparémoslo con Hollywood, la mayoría también hace lo mismo que en España, pero la diferencia es que ahí parece haber más variedad de opiniones al ser una empresa audiovisual que mueve más gente a pesar de que la mayoría sean de izquierdas; también ayuda que la mayoría de las opiniones son sobre la política de su país, que rara vez nos afecta a nosotros; otros factores posibles serían que las productoras no se financian con subvenciones del gobierno y ha tenido una política menos complicada el pasado siglo. Por estos motivos la gente ve a los artistas españoles como "parásitos" que viven del dinero público y actúan como una mafia en la que solo aceptan lo que piensen ellos. Así se explican las diferentes reacciones a los dos sistemas cinematográficos por muchos españoles a pesar de que irónicamente ninguno actúa mejor o peor que el otro.
Otra razón de este desdén la podemos entender con esta frase sacada de un libro de Mortadelo y Filemón: "En un 99,9% de las películas españolas una chica se tiene que desnudar". Esto es un tópico bastante cierto siendo sinceros, en muchas películas españolas un personaje femenino acaba desnudo o semidesnudo, y la mayoría de las veces no tiene justificación en la trama y solo está ahí para fanservice. Por ese motivo mucha gente erróneamente cree que en todas las películas españolas sucede esto y por eso las ven como de mal gusto o películas de explotación. Irónicamente el origen de esto empezó con el destape, un tipo de películas surgidas tras la Transición como una respuesta a la obsesión por la modestia y el recato del franquismo; esto irónicamente se consideraba feminista, pero ahora enseñar el cuerpo desnudo en una pantalla vista por millones se considera machismo porque solo busca el placer sexual de los hombres.
Otra razón puede ser el tipo de películas españolas que suelen tener más publicidad. La mayoría de trailers de películas españolas que se ven en los cines son comedias que si bien la mayoría hacen reír solo son comedias pasables sin nada que las haga destacar mucho como obra cinematográfica y con elementos que se repiten en más de una. Debido a ello cabe la posibilidad de que la mayoría de la población española asocie el cine español solo con comedias olvidables y por eso no le de una oportunidad a pesar de que, como en todo cine, hay variedad de géneros y de obras audiovisuales en él.
Tristemente la conclusión que se puede sacar es que en muchos españoles existe un prejuicio hacia el cine propio que consiste en que considerarlo de baja calidad, exagerando sus peores cualidades mientras ignoran los defectos de cines extranjeros que no paran de alabar.
Desconozco que hacer para mejorar esta situación, lo que se me ocurre es intentar mejorar la publicidad que reciben las películas que no son comedias topicazas y eliminar los desnudos de las películas a no ser que sean estrictamente necesarios.
Sin embargo, la mejor opción que se me ocurre es hacer más películas más familiares, películas que pueden disfrutar tanto niños como adultos ya que la mayoría de nosotros no encariñamos más con las películas de Hollywood porque eran la mayoría que vimos de pequeños, luego las volvimos a ver y la mayoría seguimos disfrutándolas al tener elementos que nos atraen aún de adultos. Así que si hacemos más para ese tipo de audiencia quizás enganchamos más a las futuras generaciones y evitamos que caigan en los prejuicios hacia el cine patrio.